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ya no dependes como antes de una agente de prensa

hoy les quiero hablar de las redes sociales armas de doble filo pero si uno es inteligente promociona su musica gratis si sin poner un peso dolar la moneda que se te ocurra

tenes instagram en el cual subis tus fotos videos twitter donde pones donde podes tocar y sumar los links de los videos youtoube podes transmitir en vivo o luego subir el show editado las mejores partes para dar notoriedad a tu musica tus fans depende de vos si lo usas para hacer gameplays dedicate a jugar y no hagas esto si perseguis una carrera si tenes que hacerlo si no como la gente sabe de vos regalar videos esporadicamente para tener la atencion temas subidos a souncloud ya llegara el momento de tener tu propia produccion todo se cocina a fuego lento lo primero es ganar fans mas fans mas gente te ve mas dinero entra para sobrevivir dia a dia con tus gastos y tener independencia economica con un poco de ingenio te armas el soporte de la guitarra y la camara mano de aerosol negro mesa plegable lo hice de un pallet con ayuda de un amigo se tapizo y se pinto de blanco haciendo juego con la banqueta con poco y mucho ingenio podes lograr cosas asombrosas si tenes una meta perseguila no dejes que eso te detenga creeme con poco podes hacer mucho es una cuestion de actitud y ser emprendedor y constante otro consejo aparte de los temas instrumentales mix de temas populares o musica de pelis mas temas tuyos una poderosa combinacion y tambien pasar por boleros blues jazz hard rock heavy metal todo es posible si te lo propones no esperes ganar fortunas al principio pero poco a poco el tiempo acomoda todo en su lugar y ganaras lo que crees que vale tu esfuerzo y si no estas en el ambiente la calle es tu ambiente por que controlas todo vos y es ganancia neta para vos si sos profesional consecuente y mejoras todo el tiempo tu forma de tocar equipos decentes se logran grandes resultados la cuestion es armarse de valor y los que te dicen que no podes no darle bola o apartarlos del medio asi se logra la autosuperacion segui tu corazon e instinto y pedi consejo a quienes saben mas suerte y hasta el proximo articulo 

como te ven te tratan formas de ser y actuar como un profesional

nunca oiste la expresion como te ven te tratan tu imagen dara que hablar aparte de lo que toques sea el estilo que sea hay que ser profesional con poco haces mucho no tendrias que tener la guitarra en la funda apoyada si tocas en la calle da aspecto de hippie al menos pienso eso yo lleva el pie de guitarra revatible en un bolso con tu equipo portatil con uno con suficiente potencia ya estas luego si tenes que sacar foto no pidas a que te saquen fotos para subir a youtoube o donde sea armate un pie plegable con unas mariposas y estructuras tubulares finas como en este caso no se me las hizo mi tio que manipula los fierros se pintaron de negro lo mismo con tu silla y mesa plegable haciendo juego pintando y tapizando todo da aspecto de limpio tambien hay que ser educado con quien te deja dinero por lo que vos tocas siempre agradecer con humildad al colega ayudarlo no criticarlo y la higiene personal no tenes que ir de smoking a tocar pero si bien vestido elegante sport como te ven te tratan te compran por lo que tocas y la imagen un jean y camisa suficiente zapatillas de la misma forma elegantes no llamativas y mucha actitud a la hs de tocar preparando todo con amor estas son mis experiencias en la calle y espero que te sirvan 

antes hablamos de la guitarra española ahora de la electrica su historia

 

reseña de la guitarra electrica 

Este hermoso y fundamental instrumento se inventó en Estados Unidos a mediados del siglo XX y fue como consecuencia de la aparición del amplificador en 1920 (más adelante hablaremos de él).

Desde ese entonces muchos instrumentos sufrieron modificaciones en su diseño acústico para evolucionar al diseño eléctrico. La guitarra fue uno de los primeros instrumentos en adaptarse.

Muchos fueron los pioneros que aportaron en este desarrollo, pero la primer guitarra eléctrica se le puede atribuir a la marca Rickenbacker. Los músicos de Jazz fueron los primeros instrumentistas en adoptar la guitarra eléctrica ya que veían que no tenían suficiente volumen con su instrumento para aportar a la banda.

Leo Fender fue el primero que diseñó una guitarra eléctrica sólida, desmontable y con pocas piezas, es así como surge la Fender Telecaster, luego vendrían otros modelos como la Stratocaster y otras marcas como Gibson, ESP o guitarras japonesas como Ibánez, Yamaha y Jackson.

Si bien la guitarra eléctrica comenzó a ser usada por músicos de Jazz, la misma dio paso a la creación de otros estilos musicales como el Rock y el Heavy Metal donde se convirtió un protagonista fundamental de estas nuevas corrientes musicales.

articulo de hoy mantenimiento de guitarra

las guitarras cuando estan nuevas no necesitan mantenimiento por que estan sacadas del estuche como autos cero kilometro pero al sufrir los años tienden a tener algunos problemas mecanicos clavijas flojas se apretan con tornillos de paleta o philips la cabeza de arriba veras un tornillo en el cual ajustas hasta que quede firme la 

calibracion en cada cambio de cuerdas es importante que no este muy alta y dura que sea un palo de escoba con el mastil recto lo mas posible con una ligera curvatura para que en el traste uno y dos no se apaguen las cuerdas y luego 

eliminar trasteos si queres una accion baja o media si sos velocista o estiras cuerdas se hace con papel cinta de carrocero tapas todo el mango dejas los trastes expuestos marcas con un fibron individual tipo indeleble recomiendo azul o negro donde el traste presenta relieves empezas con lima o lija gruesa hasta que se borren los pozos por el uso del traste entonces recien ahi cada tres trastes con una regla medis que esten nivelados cada tres trastes si bailan uno de esos tres hay que nivelar el que este desnivelado y asi por todo el mastil luego pasar virulana de cocina para pulir al estirar una cuerda y no se sienta aspero al tacto luego con otra virulana mas fina terminar de pulir que quede brillante como un espejo y listo trabajo terminado luego octavacion si pulsas al aire la primera cuerda y pulsas en el traste doce ese mi esta mas larga la nota la guitarra miente entonces tenes que acortar la distancia con afinador en mano para corroborar que al aire y la nota claven perfecto la aguja utilizas destornillador phillip en los tornillos del puente apretas y los aflojas hasta que den la nota exacta luego tenes las celletas que es donde estan reposadas las cuerdas con una llave alem pequeña ajustas la altura en guitarras tipo strato por dos en cada celleta para subir o bajar las cuerdas luego en guitarras telecaster tenes dos por cuerda en las sg eso lo tenes un destornillador punta de pala que los ajustas subiendo bajando el tornillo adelante del puente tenes el cordal y lo mismo con la octavacion con tornillos phillips aflojas o aprets acortando o alargando las distancias si queres cambiar la cejilla otro truco que sirve martillo y golpecito seco medio suave sale la cejilla que se rompio la reemplazas y listo haciendo esto te podes evitar ir a un luthier y que te cobren fortunas un musico debe conocer su instrumento salvo que el daño sea muy grave pero sin miedo que podes hacerlo vos david gilmour van halen han metido mano a sus guitarras y nada mejor que lograrlo por vos mismo altura para slide de cuerdas 3 mm mas  o menos accion media 2.5 mm y baja para velocistas con trastes rectificados sin trasteos 1.5 animate mientras mas manos metas mas aprendes y te ahorras plata para un pedal o otra cosa 

 

historia de la guitarra

La guitarra, también conocida como guitarra clásica o guitarra española,1​ es un instrumento musical de cuerda pulsada, compuesto de una caja de resonancia, un mástil sobre el que va adosado el diapasón o trastero —generalmente con un agujero acústico en el centro de la tapa (boca)—, y seis cuerdas. Sobre el diapasón van incrustados los trastes, que permiten las diferentes notas. Algunos instrumentos de su familia son el cuatro, el ukelele, el requinto, el charango y distintos tipos de guitarrón, como el guitarrón mexicano, de uso frecuente por los mariachis.

Es el instrumento más utilizado en géneros como bluesrock y heavy metal, sobre todo en su variante eléctrica, mientras que en el flamenco se suele usar una guitarra española con ligeras variaciones, conocida como guitarra de flamenco. La guitarra clásica es también bastante frecuente entre los cantautores, así como en el folclore de varios países.

Índice

Partes de la guitarra[editar]

Acoustic guitar-es.svg

La guitarra ha sufrido variaciones en su forma a lo largo de los siglos. Además del número de cuerdas, las variaciones del instrumento han surgido para adaptarlo a las necesidades del intérprete hasta adoptar la forma actual. Este instrumento está fabricado con maderaprácticamente en su totalidad. Hoy en día se utilizan muy diversos tipos, aunque comúnmente los más empleados son principalmente la madera de palisandro de la India y otros: abetocaobacedro de Canadápinociprés (muy popular entre las guitarras que se utilizan entre los guitarristas flamencos) y ébano. Hoy en día los constructores diferencian entre la construcción de un instrumento clásico o flamenco, aunque esto no siempre tenga criterios musicales o sonoros, y sí estéticos y de moda. Algunos afirman que las maderas o el tipo de construcción depende según la guitarra sea clásica o flamenca,2​ aunque los hechos indican que durante muchos años en el siglo XX los guitarreros no llevaran a cabo esas diferenciaciones.

Básicamente, está compuesta por la caja de resonancia, el mástil, el puente, el diapasón, los trastes, las cuerdas y el clavijero. No obstante, algunos guitarristas han personalizado sus guitarras y pueden poseen más de un diapasón o sobrepasan las 6 cuerdas. Las más populares de 7 cuerdas se utilizan en la música popular brasileña, la de 8 cuerdas que popularizó el gran José Tomás, o la de 10 cuerdas de Narciso Yepes. Sin embargo, no es una cuestión generalizada. Durante el siglo XIX existieron guitarras de muy diversos tipos, como guitarras-arpa con numerosas cuerdas.

Incluso recientemente y con criterios de sonoridad y volumen, el guitarrista uruguayo Abel Carlevaro patentó un modelo en el que se ampliaba el volumen de la caja eliminando el óvalo superior de la guitarra, y se prescindía del orificio de la tapa armónica, para que esta tuviera mayor superficie de vibración, y por lo tanto mejor sonido y de mayor volumen. Sin embargo, el modelo que siempre ha prevalecido durante los últimos dos siglos sigue siendo la guitarra convencional de 6 cuerdas y de la forma de 8 que todos reconocemos.2

Tras ser encolados todos los elementos que forman la caja de resonancia, se une con el mango y se incluyen refuerzos en el contorno de las dos tapas (cenefas), en el centro del fondo y en las uniones inferiores y superiores de los aros. Posteriormente se adhiere el diapasón. Entre el mástil y el clavijero se coloca la cejilla que sirve para apoyar y separar las cuerdas. La cejilla habitualmente es de marfilhuesoplástico o incluso metálica, en función de la calidad del instrumento.2

Una vez que todos los elementos que la forman han sido unidos, se procede a su barnizado. Existen dos formas de llevar a cabo este proceso, una más costosa y trabajosa que consiste en barnizar el instrumento a mano con goma laca; y la otra barnizarlo con una pistola a base de poliuretano que seca rápidamente. El inconveniente de este último método es que el barniz forma una placa sobre la caja de resonancia que le resta sonido al instrumento.2

Posteriormente se realiza el aplanado del diapasón y la colocación de los trastes, los cuales suelen ser de alpaca o latón. Es sumamente importante que el trasteado sea perfecto ya que de él depende la afinación de la guitarra. Acto seguido, en la parte inferior de la tapa armónica se colocan las clavijas y las cuerdas. Antiguamente las cuerdas eran de tripa de animal pero en las guitarras modernas son de nailon.2

Cuerdas[editar]

Artículo principal: Cuerda (música)

Las cuerdas de la guitarra clásica suelen fabricarse en nailon. Antiguamente eran habituales las cuerdas hechas con tripa de animal, pero hoy día están en desuso por las mejores prestaciones y precio más reducido que ofrece el nailon. Las cuerdas más graves llevan también un entorchado fabricado, habitualmente, con bronce o níquel.

Otras guitarras, como las acústicas o las eléctricas, suelen llevar cuerdas fabricadas íntegramente en metal, también con entorchado en las más graves.

Caja de resonancia[editar]

Artículo principal: Caja de resonancia

La caja de resonancia está conformada por el fondo, la tapa armónica y los aros laterales. Los dos primeros son planos. El fondo puede estar construido en madera de palisandro mientras que la tapa puede ser de pino, abeto, cedro o, en ocasiones, de ciprés. La tapa armónica tiene una perforación en su parte intermedia, llamada "boca", adornada con la llamada "roseta". La tapa está reforzada por entre cinco a nueve barras finas de madera que reciben el nombre de "espinetas". Estas espinetas están dispuestas en la parte interior y tienen forma de abanico. El número de varetas dentro de una guitarra depende del fabricante de la misma. Los aros son dos piezas largas y estrechas fabricadas con la misma madera del fondo, curvadas a fuego y unidas en los extremos superior e inferior de la caja. Su unión se asegura en el interior con dos tacos de madera colocados uno en la base del mango y otro en la parte contraria. Los aros están reforzados a lo largo de su parte interna con dos tiras de madera que reciben el nombre de "contrafajas".2

Mástil[editar]

El mástil está construido con madera de cedro o nogal o pino y está formado por el clavijero, el mástil y la quilla o zoque. En las guitarras modernas las clavijas están incluidas dentro de clavijeros metálicos, a diferencia del método empleado en guitarras anteriores que consistía en insertar directamente las clavijas en la madera del clavijero. El clavijero está situado en el extremo del diapasón. Los clavijeros modernos tienen dos cortes verticales y están preparados para recibir los huesos, que son las pequeñas piezas en las que las cuerdas van enrolladas. Las clavijas metálicas quedan en la parte exterior del clavijero y se emplean para afinar el instrumento mediante la tensión que ejercen sobre las cuerdas. Su tensión puede modificarse para la afinación mediante un sistema de tornillos sin fin impulsados por las clavijas, que implican pequeños rodillos sobre los cuales se envuelven las cuerdas. Estas pasan a continuación por el puente superior, en el cual se cavan pequeños surcos que guían cada cuerda hacia el diapasón hasta llegar al clavijero. El clavijero puede llamarse también pala o maquinaria; de este mecanismo depende la afinación de las cuerdas de la guitarra.

La parte más larga del mango recibe el nombre de mástil y está cubierto con el diapasón, que es un trozo de madera, habitualmente de palisandro o ébano, sobre el que presionan los dedos las cuerdas de la guitarra. La quilla o zoque es la base del mango que se fija a la caja de resonancia.2

Historia[editar]

Artículo principal: Historia de la guitarra

Colección de guitarras del Museo de la Música de Barcelona

Ilustración de una viola de péndola, instrumento de un salterio carolingiodel siglo IX.

Origen[editar]

Los orígenes y evolución de la guitarra y su familia no están demasiado claros, ya que numerosos instrumentos similares eran utilizados en la antigüedad, por lo que es usual seguir la trayectoria de este instrumento a través de las representaciones pictóricas y escultóricas encontradas a lo largo de la historia. Existen evidencias arqueológicas en bajorrelieves encontrados en Alaça Hüyük (norte de la actual Turquía) de que en torno al año 1000 a. C. los hititas y asirios crearon instrumentos de cuerda parecidos a la lira (el instrumento de varias cuerdas más sencillo y antiguo del mundo) pero con el agregado de una caja de resonancia, por lo que serían antecesores de la guitarra. También se han encontrado representaciones en dibujos del antiguo Egipto que se asemejan a la guitarra.234

Existen varias hipótesis acerca de sus orígenes. Una de ellas le da un origen grecolatino y afirma que es un descendiente de la fidícula. Otra de las más populares considera que la guitarra es un instrumento introducido por los árabes durante la conquista musulmana de la península ibérica y que posteriormente evolucionó en España.3

Ambas hipótesis tienen su razón etimológica. Al parecer los primeros cordófonos llegaron hasta los griegos, que deformaron ligeramente su nombre, kithára o kettarah. Según Corominas, la acentuación revela el origen de la palabra en el griego kithára. La palabra cítharaque derivaría después en cítara y finalmente cedra en castellano parece que sería utilizada para el instrumento sin mango (más parecido a la lira), mientras que se supone que el vocablo griego se habría utilizado para el instrumento al que se le habría añadido un mango al comienzo de nuestra era. Muchos estudiosos y musicólogos atribuyen la llegada de la guitarra a España por medio del Imperio romanoen el año 400.234

La otra hipótesis tiene su fundamento etimológico en la palabra árabe para guitarraqīṯārah,5​ que si bien igualmente originaria del griego, podría haber sido introducida por los conquistadores árabes y no por los romanos. Hay también una hipótesis arabista acerca del origen del laúd que sostiene que el primer instrumento con mástil fue la ud árabe, cuyo nombre los españoles terminaron fundiendo erróneamente con su artículo: «la ud» femenina se convirtió en el masculino "laúd". Fueron precisamente los árabes quienes introdujeron el instrumento en España, donde evolucionó de acuerdo a los gustos musicales de la plebe bajo dominación árabe.

En la India estos instrumentos eran conocidos en idioma sánscrito como sitar (instrumento descendiente de la vina), palabra que proviene de dos palabras indoeuropeas que darían origen a la palabra española "guitarra": la raíz guīt (que produjo las palabras sánscritas guitá: ‘canción’ (como en el Bhagavad-guitá, la ‘canción del Señor’), o sangīt: ‘música’) y la raíz tar, que significa ‘cuerda’ o ‘acorde’.

Edad Media[editar]

Una guitarra morisca o mandora.

En los siglos XI y XII pueden distinguirse dos tipos de "guitarres" o "guiternes". Por un lado la morisca o mandora, con forma ovalada de media pera y que se asemeja al laúd árabe y a la mandolina. Por otro lado la guitarra latina, una evolución de las antiguas cedrascítolascítaras, de fondo plano, unida por aros con mango largo y cuyo clavijero era similar al del violín. La primera de ellas concuerda con la hipótesis del origen oriental de la guitarra, una especie de laúd asirio que se habría extendido por Persia y Arabia, hasta llegar a España durante la estancia árabe en la península ibérica. La segunda, reforzaría la hipótesis del origen greco-latino del instrumento. Ambos tipos están representados en las miniaturas de las Cantigas de Santa María de Alfonso X el Sabio, de 1270, aunque una de las representaciones más antiguas que se conservan está en Europa Occidental, en un Pasionario de la abadía de Zwiefalten, del año 1180.234

En el siglo XIV, los poetas medievales franceses Guillaume de Machaut y Eustache Deschamps nombran en sus obras a la "guiterna", sin precisar el tipo.2

La guitarra latina evolucionó hasta dar lugar a dos instrumentos diferentes: la vihuela, que estaba dotada de seis órdenes (cuerdas dobles) y que tuvo una amplia difusión entre la aristocracia y los trovadores y músicos profesionales; y la guitarra, de cuatro órdenes y de uso más popular.3

Siglo XVI[editar]

Tres libros de música en cifra para vihuela, publicado en 1546 por Alonso Mudarra, contiene la primera obra para guitarra de cuatro órdenes.

En el siglo XVI comienzan a realizarse numerosas composiciones para guitarra. Esta gran producción tiene como centro a España.2​ La primera obra conocida para guitarra de cuatro órdenes aparece en la obra Tres libros de música en cifra para vihuela, publicada en 1546 por Alonso Mudarra en Sevilla. En esa época era habitual confundir los nombres de estos instrumentos, y fue a finales de siglo cuando comenzaron a diferenciarse. La guitarra fue utilizada principalmente como instrumento de acompañamiento y principalmente con la técnica del rasgueado.36

Siglo XVII[editar]

El tratado más antiguo sobre la guitarra española fue publicado en Barcelona en 1596 por Juan Carlos Amat con el título de Guitarra española de cinco órdenes...7​ En 1606 Girolamo Montesardo publicó en Bolonia la primera gran obra para guitarra titulada Nuova inventione d'involatura per sonare Il balleti sopra la chitarra espagnuola y G. A. Colonna Intavolatura di chitarra alla spagnuola en 1620.6

Habitualmente se atribuye la inclusión de la quinta cuerda al músico y poeta andaluz Vicente Espinel. La atribución de esta invención la realizó Lope de Vega, pero fue refutada por Nicolao Doici de Velasco (1640) y por Gaspar Sanz (1684) en sus tratados sobre la guitarra española. Sustentan sus afirmaciones en el hecho de que once años antes del nacimiento de Espinel, Bermudo mencionó una guitarra de cinco órdenes. No obstante, aunque Espinel no fuera el inventor de la guitarra española de cinco órdenes, probablemente fue quien más se encargó de su difusión popular en todas las clases sociales de España.6​ Gaspar Sanz dice al respecto en el prólogo de su libro Instrucción de música sobre la guitarra española:[cita requerida]

Los italianos, franceses y demás naciones, la gradúan de española a la guitarra, la razón es porque antiguamente no tenía más que cuatro cuerdas y en Madrid el maestro Espinel, español, le acrecentó la quinta y por esto, como de aquí, se originó su perfección. Los franceses, italianos y demás naciones a imitación nuestra, le añadieron también a su guitarra la quinta y por esto la llaman Guitarra española.

El Nuevo método por cifra para tañer guitarra de cinco cuerdas publicado en 1630 Doici de Velasco es el más antiguo conocido y en él afirma:2

En FranciaItalia y demás países, a la guitarra se le llama española desde que Espinel puso la quinta cuerda, quedando tan perfecta como el laúd, el arpa, la tiorba y el clavicordio y aún más abundante que estos.

Gaspar SanzInstrucción de música sobre la guitarra española, 1674.

Otros autores contribuyeron de forma destacada a la literatura sobre la guitarra, como Luis de Briceño en 1626, Lucas Ruiz de Ribayaz y Francisco Guerau, entre otros. En la Península Ibérica la guitarra era ya muy utilizada a finales del siglo XVII, cuando Gaspar Sanzcompuso su Instrucción de música sobre la guitarra española y método de sus primeros rudimentos, hasta tañerla con destreza.6​ Anteriormente había guitarras de nueve cuerdas: una cuerda simple y cuatro "órdenes".

En todo caso, parece claro que fue en España donde tomó carta de naturaleza, pues a diferencia de las guitarras construidas en otros países y lugares de Europa, donde se fabricaban guitarras sobrecargadas de incrustaciones y adornos que la hacían casi imposible de tocar, la guitarra española se hacía para ser tocada y fue tan popular que incluso Sebastián de Covarrubias, capellán de Felipe II y lexicógrafo español, llegó a decir: "La guitarra no vale más que un cencerro, es tan fácil de tocar que no existe un campesino que no sea un guitarrista".8

Aunque todos los países reivindican su intervención en la invención de la guitarra (con especial mención de Francia) aspectos tales como la forma, la estructura y la afinación, derivan directamente de la guitarra tal como los violeros ibéricos la diseñaban, sin olvidarnos de los europeos como Johan Stauffer, de quien derivan los diseños de su discípulo C. F. Martin.8

Siglos XVIII y XIX[editar]

Iniciado el siglo XVIII Jacob Otto agrega la sexta cuerda a la guitarra y se estandariza la afinación moderna, el cambio más significativo sufrido por este instrumento. A mediados del siglo XIX la historia de la guitarra moderna alcanza un gran apogeo con el español Francisco Tárrega, creador de la escuela moderna y autor del cambio en el uso del posicionamiento de las manos y la manera de pulsar las cuerdas.4

Guitarra romántica. Hacia 1830.

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, algunas guitarras usaban seis cuerdas simples y emplearon unas barras de refuerzo debajo de la tapa armónica. Estas barras fueron añadidas para reforzar la estructura y permitieron adelgazar la tapa para obtener una mayor resonancia y una mejor distribución del sonido a lo largo de la tapa armónica. Otros desarrollos contemporáneos incluyen el uso de un mástil reforzado y elevado usando madera de ébano o palisandro, y la aparición de un mecanismo de tornillo metálico en lugar de las clavijas de madera para afinar. Es importante destacar que el trastero elevado ha tenido un gran impacto en la técnica del instrumento porque las cuerdas estaban demasiado lejos de la tapa armónica de forma que había que apoyar uno de los dedos de la mano derecha para que sirviera de soporte a los demás. Estas guitarras serían reconocidas inconfundiblemente como las primeras guitarras clásicas.

En los comienzos del siglo XIX, en los trabajos de los españoles Agustín Caro, Manuel González, Antonio de Lorca, Manuel Gutiérrez y otros constructores europeos incluyendo a René Lacote y al vienés Johann Stauffer encontramos las características de los precursores más directos de la guitarra clásica moderna. Johann Stauffer tiene una reputación legendaria. En su tienda aprendió a construir guitarras C. F. Martin, que luego se trasladaría a Estados Unidos y cuya firma sigue construyendo guitarras hoy en día. También desarrolló el trastero elevado, a petición de Luigi Legnani, el guitarrista y primer intérprete de los conciertos del violinista genovés Niccolò Paganini. Sus otros avances en la construcción de la guitarra incluyen un mástil ajustable y reforzado con acero y las clavijas de tornillo sin fin que todavía se usan en las guitarras modernas.

Hacia 1850 empezó el trabajo de Antonio de Torres. Con el apoyo de Julián Arcas, ambos almerienses, y sus propias y brillantes intuiciones, Antonio Torres Jurado refinó los soportes estructurales de la guitarra incluyendo siete varas extendidas bajo la tapa armónica. Aumentó también el tamaño de la caja de resonancia y el ancho del mástil. Estas innovaciones influyeron en la mejora del volumen del sonido y la respuesta en los bajos así como el descubrimiento de una técnica para la mano izquierda para el enriquecimiento del repertorio. Ahora la guitarra ya estaba preparada tanto para las demandas del solista como para las del conjunto instrumental. La tradición constructiva en Almería se ha mantenido hasta nuestros días con constructores como Gerundino Fernández García y Juan Miguel González.

Siglo XX[editar]

El lutier español José Ramírez III junto al guitarrista Narciso Yepes le agregaron cuatro cuerdas más en las graves, sobre un amplio mástil cuyos múltiples trastes permiten ampliar notablemente la gama de sonidos de la mano izquierda. Narciso Yepes tocó por primera vez esta guitarra de diez cuerdas en Berlín en 1964 y, a partir de ese año, fue su instrumento habitual en los conciertos, especializándose en piezas renacentistas y barrocas.

Guitarra, ukelele y charango.

Tipos de guitarra[editar]

Existen innumerables tipos de guitarras, aunque hoy en día podríamos diferenciar dos tipos básicos: la guitarra clásica y la guitarra flamenca. La guitarra flamenca tal y como se entiende hoy en día, tiene la caja de resonancia de un tamaño ligeramente menor que la clásica, y utiliza distintas maderas en su construcción (tradicionalmente el ciprés). Existen algunas otras variaciones que hacen que su ejecución resulte más percusiva.

Una variedad de la guitarra clásica o española es la guitarra acústica, cuya diferencia principal es el material de sus cuerdas, que es el metal en lugar de la tripa o el nailon y el tamaño de la caja que le da una mejor acústica que la guitarra clásica. Procede de Estados Unidos.[cita requerida] Suele ser de mayor tamaño y con el tiempo evolucionó para adoptar un sistema alimentado por energía eléctrica (pastillas eléctricas), dando lugar a la guitarra eléctrica.

Guitarra acústica[editar]

Artículo principal: Guitarra acústica

Guitarra acústica.

Archivo:Alisa Gladyseva-Romanza Española.ogv

Sonido de guitarra clásicaRomance Anónimo

La guitarra acústica es un tipo de guitarra con cuerdas de nailon y alambre, pero también pueden estar hechas de metal, cuyo sonido se genera mediante la vibración de las cuerdas que se amplifican en una caja acústica de madera o algún acrílico. El adjetivo "acústica" es tomado directamente del inglés acoustic guitar por el uso que de dicho adjetivo hacen los anglófonos, para diferenciar la guitarra de caja con respecto a la guitarra eléctrica. Es claramente redundante, pues la guitarra, por definición, es un instrumento acústico. La guitarra acústica deriva de los diseños de C. F. Martin y Orville Gibson, principalmente, luthieres estadounidenses que desarrollaron su actividad principalmente a finales del siglo XIX. También son conocidas como western guitars (literalmente "guitarras del oeste"), lo que se acerca más a su naturaleza y a la clase de música que las hizo populares.

Como las españolas estas guitarras se llaman así por emitir su sonido sin ningún tipo de amplificación eléctrica, solo por transducción de la fuerza mecánica.

Guitarra de flamenco[editar]

Artículo principal: Guitarra de flamenco

Guitarra de flamenco con dos golpeadores

En España existe una variante muy extendida, similar a la guitarra clásica, que es difícil distinguir a simple vista, conocida como guitarra de flamenco o guitarra flamenca. Varía su sonido por una construcción ligeramente distinta y el uso de distintos tipos de maderas. La guitarra flamenca tiene un sonido más percusivo, su caja es un poco más estrecha, y generalmente las cuerdas están más cerca del diapasón, lo que facilita su ejecución.

La guitarra flamenca tiene menos sonoridad y ofrece menos volumen que una guitarra española de concierto, pero su sonido es más brillante, y su ejecución es más fácil y rápida, debido a la menor distancia de las cuerdas al diapasón, lo que permite que se pueda hacer menos presión con los dedos de la mano izquierda sobre el diapasón. Tradicionalmente las clavijas de afinación eran completamente de palo y se embutían en la pala de la guitarra de forma perpendicular a ella. Hoy en día algunos constructores pueden utilizar clavijeros de mecánica moderna pero que imitan a los antiguos, con lo que se aúna la precisión de la modernidad guardando la estética tradicional. Suele llevar debajo de la roseta o agujero un guardapúas, golpeador o protector (a veces también uno superior), para evitar que los rasgueos y golpes que se dan en la tapa armónica, tan típicos en el flamenco, afecten a la madera.

La guitarra flamenca ha tenido tradicionalmente una clara función de acompañamiento del cante y del baile. Sólo en la década de 1970 ha sido cuando la guitarra flamenca de concierto ha sido reconocida, de la mano del guitarrista de Algeciras Paco de Lucía.

Guitarra italiana[editar]

Chitarra battente

La guitarra italiana (chitarra battente) es un tipo de guitarra tradicional del sur de Italia (Calabria, Puglia, Basilicata, Abruzos, Molise y Campania). Existe desde el siglo XIV y una de sus características distintivas es que tiene forma de ocho alargado.

Guitarra eléctrica[editar]

Artículo principal: Guitarra eléctrica

formas de autogestionarse musicalmente

  • Buscar el impacto a través de un contenido relevante y diferente.
  • Llamar la atención del fan.
  • Conseguir que escuche la canción.
  • Rezar para que la mente la “tatararee” en algún momento de su agitado día.
  • Provocar que quieran saber más de tu proyecto musical y termine acudiendo a Spotify, tu web o Youtube, por ejemplo…
  • Que sus expectativas no solo se cumplan, sino que se vean superadas para que un alto porcentaje termine convirtiéndose en evangelistas de la marca.

Lo sé, llegar al último objetivo no es tarea fácil pero es la hoja de ruta que debes llevar para que tu proyecto musical vaya a más.

Otro aspecto que quiero dejarte claro; si no tira la estrategia, es porque o bien el producto no llega al nivel mínimo viable o porque el enfoque no ha estado acertado.

Vamos a ello. Toma buena nota y llévate cada una de estas ideas a tu terreno, dótala de tu propia esencia y trata siempre de conectar a través de los valores.

Ah! en cada una de las propuestas, la canción debe aparecer una vez logremos llamar la atención del fan. 

Cuando estés confeccionando tu plan de promoción musical, integra algunas de estas ideas para lanzar tu canción:

1.-  Organiza una acción disruptiva con objetivo SMART y véndesela a los medios

Si, he dicho disruptiva, rompedora…. algo que se salga de lo común y para llevarlo a cabo necesitarás cumplir los siguientes requisitos:

  • Arriesgar
  • Ser creativo
  • Imprevisible

Una acción de este tipo la puedes hacer con o sin público y el objetivo será llamar la atención del fan que te conoce y del que no.

En esta acción, ni que decir tiene, deberá aparecer la canción.

Pongamos un ejemplo:

“La acción será grabar el single en las cristalinas aguas de Formentera. Para ello se utilizarían bombonas de oxígeno y será el primer show acústico grabado en esa famosa cala de la isla.

La clave será generar un titular que sea precisamente el atributo diferenciador que impulse la pieza. Si el video comienza a tener éxito, los medios de la zona se harán eco de manera rápida”

2.- Crea un grupo privado en Facebook con los 500 fans más fieles y pídeles que sean los agentes promocionales del single.

Es una acción que grandes influencers llevan a cabo y créeme, da resultados.

Activa un grupo privado en Facebook e invita a los fans que veas que más interaccionan con tu contenido, ellos son los más fieles!!

En el grupo, dale su sitio e intégrale en tu proyecto.

Dirígete con un lenguaje aun más cercano y conversa con ellos.

Si has aportado y están agradecidos de haberle invitado al grupo, pide que el día señalado y dentro de un plan bien diseñado, todos difundan el single o video en sus respectivas redes.

No hay mejor publicidad que la recomendación de un amigo.

3.- Busca hilo de conexión con un día marcado en la agenda y mándalo a los medios

Trata de aprovechar la corriente que pueda generar un día marcado en el calendario nacional o mundial y busca el nexo de unión.

Si ves que no existe posibilidad de encontrar esa conexión, será mejor que optes por otro tipo de estrategias.

Te pongo un ejemplo:

“Si tu canción lleva un mensaje sobre la sostenibilidad y defensa de la naturaleza, aprovecha el día mundial de la sostenibilidad para llevar a cabo algún tipo de acción”.

A los medios de comunicación les seducen mucho las propuestas que juegan con la inmediatez y ahí puedes sacar buena tajada.

Eso sí, prepara un buen presskit de prensa y varios días antes mándalo allos medios nacionales para que programen la canción una vez hablen del día señalado o por si lo consideran te inviten para interpretarlo.

4.- Organiza una quedada express en una ciudad de máxima influencia y grábalo

Una de las acciones que dan buenos resultados y no es fácil de organizar son aquellas acciones imprevisibles donde el artista avisa por la red que estará tocando en el lugar xx en xx minutos.

Claro está que para llevar a cabo está jugada, deberás tener una comunidad bien fidelizada con un alto nivel de engagement generado.

Te recomiendo que busques siempre lugares céntricos que para tus fans no sea complicado llegar y donde de por sí ya haya ambiente.

El objetivo será grabarlo todo en video, desde el momento en el que convocas a tus fans por redes sociales y luego publicar el video.

Este tipo de acciones suelen dar mucha credibilidad al proyecto de cara a medios, compañías, managers, marcas, etc …. por lo que te recomiendo que ese mismo video tenga presencia en el presskit cuando presentes tu proyecto a un tercero 

5.- Busca un dueto que desvíe la canción a otro territorio

A veces, cuando el artista y producto es desconocido debemos acudir a otro tipo de técnicas.

Si ves que la canción una vez lanzada no tiene punch, hay que actuar con inmediatez.

Una opción que funciona es buscar a un artista “tercero” que interprete la canción con el vocalista de la banda o solista.

Pero no te conformes con un dueto cualquiera.

Un buen dueto debe transformar la canción y aportar nuevas sensaciones.

Seguro que alguna canción has descubierto a través de un cover de un desconocido y gracias a esa magistral interpretación, has terminado en Spotify acudiendo a su versión original.

El tema del cover, también puede ser válido pero no quiero desviarme del dueto aunque hace meses, escribí un post sobre como hacer un cover.

Por lo tanto, para que un dueto sea efectivo, te paso unos tips:

  • Que la voz invitada sea desconocida pero muy peculiar.
  • Que la voz invitada sea un artista reconocido en la industria.
  • Que el estilo de la voz invitada sea bien diferente al tuyo. Un contraste bien llevado a cabo es garantía de éxito.
  • Que todo se haga desde el sentimiento.

Por último, cuando tengas el dueto, ensáyalo y grábalo en video.

No tiene que ser un video clip de gran altura técnica pero sí que se cuiden bien los detalles.

6.- Muestra el single de diferentes maneras y versiones

En este apartado vamos a buscar diferentes maneras de transformar la versión original.

Con esto vamos a conseguir “cebos” que llamen la atención del distraído y saturado fan para que a través de esa peculiaridad añadida a la obra, descubran la canción original.

Te pongo algunos ejemplos:

  • Graba la canción en 360.
  • Graba un video interpretando la canción con niños que estén estudiando en una escuela de música.
  • Graba la canción con instrumentos creados a partir de desechos.

Así podría darte muchas más opciones pero lo que pretendo es que entiendas el mensaje.

En la originalidad a veces se encuentran resultados muy sorprendentes.

7.- Crea acciones que emocionen o diviertan

Hagas lo que hagas para lanzar tu proyecto musical, siempre deberás buscar uno de estos dos objetivos: emocionar o divertir.

Todo dependerá de la textura y adn de la propia canción y de las conexiones que provoque el formato que elijas como driver de la acción.

8.- Etiqueta a artistas influentes que puedan tener vinculación con tu estilo musical y trata de llamar su atención

He vivido varios casos de artistas desconocidos que han etiquetado a un top en un tweet (por ejemplo) y el artista ha terminado compartiendo la canción.

Para ello te recomiendo que no lo hagas a puerta fría, es decir, trata de dejar comentarios previamente y de asomar la cabeza de alguna manera en le muro del artista objetivo para que al menos le suene tu nombre.

Lo demás será cuestión de suerte y del nivel de engagement que generes.

9.- Crea una secuencia de campañas en Facebook Ads e Instagram con microobjetivos claros

Para cualquier proyecto musical, no hay mejor publicidad de pago que Facebook Ads.

En algunos posts te he desvelado estrategias que funcionan para conectar con el fan pero ahora lo que quiero proponerte es que cualquiera de los anteriores puntos, si de manera orgánica está dando buenos resultados,

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voy a abordar dos cosas referidas a la musica

primer tema que voy a abordar es la pc para grabar no se necesita una gran pc digamos que con una del 2006 en adelante es posible grabar correr guitar rig 2gb de ram preferencia programas pro tools nuendo cubase portables para que no coman memoria o si no audacity y masterizar y mezclar con cool edit pro o adobe audition para hacer sus flyer o fotomontajes gimp es como un photoshop liviano y sirve de maravillas no hay que usarla para los juegos si editas o mezclas audio y video ya que los recursos son limitados aprovecha cada ram o espacio libre del disco para que esto sea exitoso solo para trabajar y ver videos en youtoube revisar mails de trabajo realizado a la musica o autopromocion se consiguen muy buenos resultados profesionales y plugins gratuitos como los de waves o los de paginas que hay rondando por internet otra cosa a tener en cuenta unos monitores cecentes unos auriculares bien aislados para las mezclas una placa con driver asio nativo o asio 4 all drivers bien ajustados y los de la maquina tambien para que no haya fallos en el sistema otro item si tu pc es mas vieja podes usar pedalera multiefecto line in audacity y que se escuche por los parlantes de la compu el resto con el cool edit pro o adobe audition o nuendo y los corres con driver asio 4 all si no tenes presupuesto se logran cosas de calidad si grabas voces un mic decente no tiene que ser shure si no algo solido no los tipo karaoke si no algo que usarias en performance en vivo de construccion solida y directo a la pc si no te gusta podes agregar una placa pci interna o externa soundblaster audigy o encore audio box y logras muy buenos resultados el resto es la mezcla y mastering 

segundo tema a abordar tema animico del musico si hay dias que las metas trazadas no se cumplen no te bajonees me paso lo mejor es seguir en el camino y eso trae mas cosas por ejemplo si no hay dinero en la calle sali al otro dia y mete mas hs y tenes dinero para tus cosas ahorras para sacar tu cd maximiza todo exprimi el jugo a tu inquietud sali estar encerrado es peor busca en los subtes musicos que te inspiren discos que te motiven o videos motivacionales de otros emprendedores que lograron el exito recomiendo discursos de stallone como hizo para llegar a ser rocky el tipo vivio en las calles y lo logro o arnold scharzzenegger como hacia para lograr el exito no te dejes caer con mucho podes hacer poco si tu meta es sacar un cd en seis meses y no podes no importa ahorra moneda a moneda y sacalo mas adelante mientras toca y junta el dinero la disciplina es fundamental estar enfocado en ensayar tambien como producir contenido para que la gente te conozca eso la voluntad y el marketing te va a dar de comer y la inquietud mas todavia y la gente que te dice que no podes borrala de tu vida y escucha tu corazon y hace lo que tenes que hacer sin excusas lo mismo corre para mi que estoy haciendo mi camino aunque me cueste mucho vamos que se puede 

reseña del gran guitar rig

Guitar Rig es una solución completa para guitarristas y productores. Combinando un software muy especializado con un robusto controlador de pie, GUITAR RIG fue diseñado para ser un estudio de guitarra modular y versátil. GUITAR RIG abre un universo entero de sonidos de guitarra, desde los clásicos tonos “vintage” a contemporáneos sonidos “metal” y mucho más. 

 



Guitar Rig ofrece un arsenal de clásicos y modernos amplificadores de guitarra, altavoces, micrófonos y efectos que pueden ser libremente combinados en un rack virtual, permitiendo a los guitarristas recrear cuidadosamente el sonido de las unidades originales usando sofisticadas tecnologías de modelado analógico. 

Guitar Rig integra tres emulaciones de clásicos amplificadores por válvulas, que han sido desarrollados usando un análisis exacto de los amplificadores originales: Mesa/Boogie Rectifier™, Fender Twin Reverb™ and Marshall Plexi 50W™. Además hay más de 20 efectos, incluyendo emulaciones de stomp-boxes “vintage” y efectos modernos, caracterizados por varias distorsiones y pedales de modulación, efectos de dinámica, Talk Wah, Wah Wah, y reverberación por muelles y muchos más. 

Guitar Rig también incluye el versátil módulo “Cabinets and Mics” para controlar el crucial aspecto de la elección de altavoces y micrófonos así como su posición. Los guitarristas pueden elegir entre diez tipos distintos de altavoces y cinco tipos de micrófonos, que pueden ser ajustados en cuatro posiciones de grabación distintas. Es posible combinar hasta ocho altavoces junto con sus respectivas posiciones de micrófonos, y así formar un “muro de sonido”. 

La estructura modular de Guitar Rig permite combinar libremente amplificadores y efectos en cualquier orden, incluyendo varias instancias del mismo módulo. Además, el módulo especial de división permite dos rutas paralelas de señal con distintos amplificadores, altavoces y efectos que pueden ser fusionados de nuevo e incluso realizar un crossfade. 

Más de dos años de intensa investigación han dado lugar a esta fiable recreación de las unidades de amplificación y efectos de Guitar Rig, todas basadas en sofisticados algoritmos de modelado. La nueva tecnología “Dynamic Tube Response” ofrece el autentico sonido de válvulas con un realismo y respuesta sin precedentes. Las características del sonido y los altavoces y micrófonos han sido emulados cuidadosamente usando una avanzada tecnología de modelado de respuesta de impulsos. 

Guitar Rig incluye el nuevo controlador de pie “Rig Kontrol”, que ofrece cuatro conmutadores de pie y un pedal de parámetros. Rig Kontrol permite una cómoda selección de presets y control directo de cualquier parámetro del software Guitar Rig. 

Todos los datos de los parámetros son transmitidos desde el controlador de pie al ordenador usando un segundo canal de audio dedicado, haciendo de Guitar Rig una solución que no usa MIDI, sin molestos ajustes previos. También integra una caja directa de alta calidad para conectar la guitarra a la tarjeta de sonido del ordenador sin necesidad de otro hardware adicional. 

Guitar Rig es también un excelente socio en tus ensayos, y no sólo incluye un metrónomo y un preciso afinador, sino que también contiene múltiples módulos “Tape Deck” para la reproducción y grabación de audio. 

Los módulos “Tape Deck” permiten al usuario reproducir cualquier material de audio, desde loops de batería que se repiten a canciones en MPE3 completas o tus propias grabaciones de guitarra. La función de compresión / expansión de tiempo de alta calidad permite el cambio de tono o tempo. 

Los módulos “Tape Deck” pueden también ser usados en la grabación de una interpretación de guitarra, con o sin efectos y con o sin el acompañamiento de la reproducción del audio. Combinando esto con la posibilidad de reproducir, alterar, juntar o re-grabar cualquier interpretación una y otra ves con dos módulos “Tape Deck” simultáneos, Guitar Rig está listo para la creación de increíbles combinaciones sendo perfectamente intuitivo y accesible. 

Guitar Rig viene con una competa librería de loops de audio de alta calidad en varios estilos para tu inspiración. 

Guitar Rig puede ejecutarse de forma autónoma sin la necesidad de una aplicación anfitriona, convirtiéndolo en la herramienta ideal para la interpretación en vivo o en sesiones de práctica. El controlador de pie hace posible usar Guitar Rig sin hacer uso de los controles en pantalla, o incluso sin llegar a verlo en el ordenador. También soporta todos los formatos de plug-ins más importantes así como secuenciadores de audio. 



 




Interfaces soportados: 

· VST 
· Audio Units 
· RTAS 
· DXI 
· ASIO 
· Core Audio 
· DirectSound 

Requisitos mínimos: 

· Windows XP, Pentium 700 MHz/Athlon 1 GHz, 128 MB de RAM 
· Mac OS 10.2.6, G4 733 MHz, 128 MB de RAM 

Sistema recomendado: 

· Windows XP, Pentium/Athlon 1.4 GHz, 256 MB de RAM 
· Mac OS 10.3, G4 1 GHz, 512 MB de RAM 

tener diferentes guitarras para grabar y tocar en vivo

en mi humilde opinion tener dos tres o cuatro guitarras en situacion de estudio o vivo es beneficioso ya que podes jugar con las frecuencias hay temas que pide guitarras de tonos bien opacos tipo les paul o bien rocker como una sg dependiendo del estilo a tonos agudos y dulces tipo strat o telecaster como tambien una criolla electrocriolla o acustica cuerdas de acero eso permite jugar con los colores de una grabacion de un track mezclando por ejemplo parte ritmica con electrica y los solos con la criolla haciendo un contraste en el tema uno que lo manejaba bien era daniel telis en sus discos solistas y te partia la cabeza no hace falta que sean violas de gama super alta con que esten en un estado mecanico optimo sea calibrada trastes nivelados cuerdas buen estado suficiente y el resto puede ser cable y ampli como usar pedalera de efectos analogica o digital y las posibilidades son interminables para  armar el rompecabezas ya sea grabar por linea aire o de un smarthphone y luego editarlo con cualquier programa y plugins se logran grandes resultados hoy todo es posible gracias a la tecnologia yo digo que te animes y no seas un tonto tenes que hacerlo y que quede lo mejor posible tu oido es tu mejor juez si suena bien dejalo asi si suena mal graba todo de nuevo proba guitarras combinacion de microfonos o pastillas y graba el mismo tema con una strato por ejemplo lo mismo con una les paul o sg o criolla y compara cada tema pide algo caracteristico no te olvides esto es un juego arma el rompecabezas y divertite y tambien hace encontrando el audio desde la ecualizacion ya sea desde el ampli seco o sea cabezal o combo y cable o pedales y emuladores tipo guitar rig amplitube etc no te olvides de sacar lo mejor de vos nadie me enseño todo fue prueba y error y vas aprendiendo panea las cosas a la izquierda a la derecha tira todo al centro fijate como va quedando y despues iras viendo que suena mejor si tiras algunas cosas a diferentes lados algunas frecuencias se pierden entonces juga con el fader para encontrar esas frecuencias perdidas si la viola hace un arreglo y suena apagado se perdio ese arreglo funky ponele todo esta en jugar y prueba y error no te desesperes todo tiene solucion 

evitar acoples esto sirve tanto para guitarras como en vivo

12 soluciones para eliminar ACOPLES

1

Sigamos aprendiendo sonido, hoy veremos un tema recurrente en amplificación de música y locución en vivo:

Como eliminar ACOPLES 

Esos desagradables e inesperados aullidos que interfieren con nuestro arte musical.

También conocidos como FEEDBACKSREALIMENTACION, o HOWLING, ‘aullidos’.

Los acoples se producen  cuando  el, o los, MICROFONOS, están siendo influenciados por las cajas acústicas.

 

Se produce cuando las cajas acústicas dirigidas al público  o los monitores de escenario están interfiriendo acústicamente con el micrófono, esto sucede  de la siguiente forma:

 

El sonido del micrófono se amplifica, y luego  este  sonido amplificado sale por las CAJAS ACÚSTICAS, y vuelve  a ingresar por el micrófono pero a un nivel mayor que la propia señal emitida por el cantante u orador. Produciéndose un ‘loop’ de realimentación de sonido que va creciendo en intensidad produciendo una frecuencia o banda de frecuencias especifica, un sonido desagradable y generalmente de gran nivel que entorpece nuestro arte sonoro.

2 4 monitores

Supongamos que el cantante u orador esta cantando a 90 db y la y la señal amplificada que retorna al mismo micrófono es de 91 o mas db se empieza a producir el fenómeno de aullido, o acople

Factores que influyen en el fenómeno del ACOPLE y como evitarlos: señal amplificada que retorna al mismo micrófono es de 91 o mas db se empieza a producir el fenómeno de aullido, o acople.

Cajas acústicas en el entorno del micrófono: Ya sean monitores de escenario o cajas dirigidas al público

Solución 1: mover las cajas acústicas, alejarlas del micrófono. Imaginarse que las cajas acústicas son focos de luz y evitar que esta luz ‘ilumine’ el micrófono.

Exceso de monitores en el entorno del micrófono:

Solución 2: limitar lo mas que se pueda el uso d e monitores de escenario, si se usan 2 monitores dejar en uno la música y en el otro la voz o el instrumentista solo para que las señales no se sumen al llegar al micrófono.

Solución 3: usar monitoreo IN EAR,  se acaba el fenómeno de raíz!

 

Volumen del monitoreo excesivo.

Solución 4: bajar el volumen del monitoreo. A veces disminuir 3 db hace toda la diferencia

Cercania del micrófono al cantante, mientras mas lejos esta el cantante o instrumentista del micrófono hay mayor posibilidad de acoples.

Solución 5: usar microfoneos cercanos o close up.

4 mic cercano

 

Uso de micrófonos muy sensibles, de condensador diafragma grande y de patrón de captación omnidireccional o cardiode aumentan las posibilidades de acople.

solucion6: usar microfonos dinamicos o de condensador de diafragma pequeño, y siempre direccionales, cardiodes o hipercardiodes de tal forma que reciban señal solo desde la fuente.

Microfonos abiertos sin señal

Al tener micrófonos abiertos mientras el cantante o instrumentista esta en silencio prolongadamente provoca peligrosas posibilidades de acople.

solucion 7: mutear los mics cuando no estén en uso, o lo que es mas practico usar NOISE GATES de manera que automáticamente se silencien los micrófonos cuando no se estan usando.

Dinámicas excesivas

Cuando la dinámica es muy libre, o sea la cadena electroacustica no lleva ningun tipo de procesador de dinámica de la señal tenemos posibilidades de acoples.

 

Solución 8: insertar un COMPRESOR -LIMITADOR en los canales de cada micrófono, y/o a la salida de la consola antes del amplificador

 

 

5 dinamica

 

Ecualización del monitoreo. Una mala o nula ecualizacion de la sala o el monitoreo puede provocar los acoples.

 

6 eq

 

Solución 9: en este caso se puede provocar artificialmente un acople poniendo la palma de la mano encima del micrófono o bien apuntando y acercando el micrófono a los parlantes de monitoreo. Una vez que ‘suene’ el acople podemos buscar en nuestro ecualizador grafico que frecuencia e la que se acopla y bajarla.  Este mismo procedimiento de ecualización se puede realizar  cuando  solo hay  cajas acústicas dirigidas hacia el público.

 Reverberación del sistema.

Un espacio acústico muy reverberado o el uso de reverberación como efecto de sonido puede producir un incremento en las posibilidades de acople.

Solución 10: se puede reducir cuando es generada por un multiefecto, cambiarla por un pequeño delay. Cuando se produce por la reverberación natural solo podemos intentar mover el micrófono con su atril y situarlo en otras zonas o hacer un tratamiento acústico al local

 La Acústica del propio escenario puede producir zonas con excesiva señal, nodos de sonido donde acústicamente llega mas energía y se producen acoples.

Solución 11: Se recomienda caminar con el micrófono, moverse a otras zonas.

7 switch phase

Finalmente. solucion 12: el uso del switch PHASE de la consola, si es que lo trae puede ayudar a disminuir el fenómeno del acople.

ibanez tubescreamer

El Ibanez Tube Screamer es un pedal de saturación (overdrive) producido por Ibanez. Su nombre tiene origen en el sonido que produce, muy parecido al de un amplificador de válvulas utilizado a alto volumen. El sonido de este pedal se distingue de la mayoría por comprimir la onda de sonido con muy poca pérdida de la señal original (creando un sonido generalmente asociado a ciertos tipos de blues). Este pedal puede utilizarse con un amplificador de transistores para imitar el sonido típico de los viejos amplificadores de válvulas, aunque muchos guitarristas prefieren utilizarlo en un amplificador a válvulas para llevar las válvulas de preamplificación a un estado de saturación. El sonido clásico de un Tube Screamer acentúa las frecuencias medias (entre bajos y agudos) mediante un circuito. Muchos guitarristas prefieren este tipo de ecualización ya que ayuda a evitar que su sonido se pierda en la mezcla de la banda.

Este pedal fue producido con muchas variantes. Las producciones iniciales de TS-808 y TS-9 son las más buscadas por coleccionistas, en parte debido al hecho de que Stevie Ray Vaughan utilizó estos pedales como parte de su sonido original, así como Noel Gallagher. Otras variantes, incluyendo las TS-10TS-7 y TS-5 contienen una circuitería muy similar, aunque tienen menos éxito entre los coleccionistas.

el TS-808 han sido redistribuidos en varias ocasiones, pero no siempre con las partes originales que dieron forma al popular sonido Tube Screamer. Es por ello que algunos músicos piden a un técnico que realice modificaciones sobre el circuito para así mejorar el sonido. Aparte de Ibanez otros fabricantes hacen versiones del circuito del Tube Screamer. Entre ellos, Maxon produjo los pedales Tube Screamer originales para Ibanez durante los setenta y los ochenta. Muchos de los más reconocidos pedales de saturación, tanto fabricados en serie como "artesanalmente", heredan buena parte de su circuitería de los Tube Screamer. Es uno de los pocos pedales que Carlos Santana utiliza, tanto en sus conciertos como en grabaciones, y es posiblemente uno de los pedales que con más frecuencia pueden verse en conciertos.

El Tube Screamer tiene tres potenciómetros: distorsión, tono (regula la cantidad de agudos) y nivel (controla el volumen de salida del pedal).

bio del gran gary moore

Robert William Gary Moore (BelfastIrlanda del Norte4 de abril de 1952-EsteponaEspaña6 de febrero de 2011) fue un músicocompositor y productor norirlandés de blues rock y hard rock, conocido mundialmente por haber sido guitarrista líder en bandas como Thin LizzyColosseum II y la banda irlandesa Skid Row, y por su extensa carrera en solitario como vocalistaademás.

Inició su carrera musical a los 16 años en la banda irlandesa Skid Row, donde conoció a su gran amigo Phil Lynott líder de Thin Lizzy. En esta última agrupación grabó el tema «Still in Love With You» del álbum Nightlife (1974) y más tarde grabó íntegramente Black Rose: A Rock Legend (1979). A finales de la década de los setenta se tomó en serio su carrera como solista con la publicación de varios discos basados en el blues rockhard rock y heavy metal. En la década siguiente y gracias a los álbumes Victims of the Future (1983), Run for Cover (1985), Wild Frontier (1987) y After the War (1989) alcanzó el reconocimiento mundial, obteniendo buenos resultados en las listas musicales como también en ventas.

En los años noventa se dedicó cien por cien al blues y en especial al blues rock, que con discos como Still Got the Blues (1990) y After Hours (1992), esto le permitió compartir con artistas como B.B. KingAlbert CollinsGeorge Harrison y Albert King, entre otros. En el posterior decenio decidió mezclar sus influencias, dando paso a álbumes que fluctuaron entre el hard rock y el blues rock.

Gary además fue conocido por ser uno de los guitarristas más solicitados para trabajar en discos de otros artistas como Greg LakeCozy PowellJohn MayallMick Jagger y Jack Bruce, entre muchos otros y también fue uno de los primeros músicos en mezclar el rock con la música celta.

Tras más de cuarenta años dentro de la escena musical, falleció de un ataque al corazón mientras dormía en un hotel de la ciudad española de Estepona en el año 2011.

Índice

Biografía[editar]

Juventud y su inicio en la música[editar]

Gary en concierto el 21 de mayo de 2009.

Gary Moore nació el 4 de abril de 1952 en BelfastIrlanda del Norte, siendo uno de los cinco hijos del matrimonio integrado por Bobby y Winnie Moore. Con tan solo 10 años de edad su padre le regaló una guitarra acústica marca Framus usada, pero fue a los 14 cuando obtuvo su primera guitarra eléctrica, una Rosetti modelo Lucky Squire que según él era muy mala e incluso en una presentación se le rompió la parte de atrás mientras tocaba.1​ En 1968 y con 16 años se fue de su casa por la mala relación de sus padres y por los problemas políticos de su país, estableciéndose en Dublín. En dicha ciudad y gracias a su talento como guitarrista, se unió a Skid Row formada por Brendan Shields en el bajo, Noel Bridgeman en la batería y por Phil Lynott en la voz.

En 1970 tuvieron la oportunidad de abrir un concierto de una de las influencias de Gary, Peter Green, exmiembro de Fleetwood Mac. Éste los ayudó a firmar un contrato con el sello CBS y además le vendió una de sus guitarras Gibson Les Paul 1959, que fue la primera comprada por sus propios medios. Tras participar en los discos Skid de 1970 y 34 Hours del año siguiente, a mediados de 1972 decidió dejar el grupo para iniciar su carrera como solista. Con la ayuda de algunos músicos de sesión lanzó al mercado su álbum debut Grinding Stone en mayo de 1973, bajo el apodo de The Gary Moore Band.2

El paso por Thin Lizzy y Colosseum II[editar]

En 1974 se trasladó a Inglaterra donde se reencontró con su amigo Phil Lynnott, por aquel entonces líder de Thin Lizzy, que lo invitó a participar en algunas presentaciones en vivo en reemplazo de Eric Bell. Meses más tarde grabó como guitarrista líder el tema «Still in Love With You» del disco Nightlife publicado a fines del mismo año. Al año siguiente, el baterista Jon Hiseman de la banda británica Colosseum lo convocó para la reformación de la agrupación a la que llamó sencillamente Colosseum II, en la que también participaron el teclista Don Airey y el bajista Neil Murray, entre otros músicos. Con Hiseman y compañía grabó los álbumes Strange New Flesh de 1976, y Electric Savage y War Dance ambos de 1977, cuyo estilo era más cercano al jazz fusión.3

A mediados de 1977, después de la salida del guitarrista Brian Robertson de Thin Lizzy, Lynnott lo llamó para participar en la gira por los Estados Unidos abriendo los conciertos de Queen y luego en diciembre de 1978, ya como miembro activo de la banda, participó en las grabaciones del disco Black Rose: A Rock Legend publicado al año siguiente.2

Carrera en solitario: Los primeros años[editar]

Gary en vivo en Pite Havsbad, Suecia en 2008

En 1978, después de ir de gira con Thin Lizzy por los Estados Unidos, decidió regresar a su carrera de solista con la ayuda de sus excompañeros de banda y a su vez amigos Phil Lynnott, Don Airey y John Mole, entre otros. Su segundo álbum llamado Back on the Streets se publicó en septiembre del mismo año y debutó en el puesto 70 en la lista UK Albums Chart del Reino Unido.4​ Por su parte, la canción «Parisienne Walkways» se convirtió en su primer éxito en el país inglés, ya que llegó hasta el octavo lugar de la lista de sencillos local.4

Con la llegada del nuevo decenio Gary viajó a Los Ángeles, donde convocó a algunos músicos para fundar el proyecto G-Force. La banda lanzó su único álbum en 1980 y no obtuvo muy buenos resultados en las listas musicales pero sí en la gira promocional; con dos noches consecutivas en el destacado Club Marquee de Londres, entre otras presentaciones por Gran Bretaña. Al poco tiempo después separó al grupo luego de recibir una invitación de parte de Greg Lake para participar de su carrera solista.2

En 1982 y luego de colaborar en algunos discos de Greg Lake y Cozy Powell, decidió tomarse en serio su carrera y por ello lanzó el álbum Corridors of Power, que incluyó el género heavy metal por primera vez y que llamó la atención del mercado estadounidense, ya que obtuvo el puesto 149 en la lista Billboard 200 y a su vez, alcanzó la posición 30 en el Reino Unido.4​ Durante la gira promocional llamada simplemente Corridors of Power Tour tocó por primera vez en el Festival de Reading de Inglaterra, el 26 de agosto de 1982.5​ Al año siguiente se presentó por primera vez en Japón con gran éxito, a tal punto que Virgin Records grabó una de las presentaciones y publicó el primer álbum en vivo llamado Rockin' Every Night - Live in Japan, solo para el mercado nipón. Más tarde y con solo meses de diferencia se publicó el disco en vivo Live at the Marquee. Por aquel entonces, estuvo grabando las canciones del cuarto álbum de estudio Victims of the Future que se puso a la venta a fines de 1983, este contiene una versión de «Shapes of Things» de The Yardbirds y la power ballad «Empty Rooms». El éxito que generó en los mercados mundiales le permitió tocar en los más grandes festivales de varios países europeos entre ellos el Monsters of Rock, y además se presentó por primera vez en los Estados Unidos a mediados de 1984 con muy buenos resultados. En ese mismo año Jet Records relanzó para el mercado europeo el disco Dirty Fingers, que originalmente solo había sido publicado en Japón.

Segunda mitad de los años ochenta[editar]

Para fines de 1984 se publicó We Want Moore!, considerado como uno de sus mejores registros en vivo y que fue grabado durante la gira Victims of the Future Tour en varias ciudades del hemisferio norte. Al año siguiente y con la ayuda de algunos músicos como Paul ThompsonGlenn Hughes y Bob Daisley grabó Run for Cover, que alcanzó muy buenos puestos en las listas europeas y su primer disco de plata en el Reino Unido.6​ De este se extrajo el sencillo «Out in the Fields» que contó con la colaboración de Phil Lynott, siendo este su último registro de estudio antes de su muerte a principios de 1986.

Durante la segunda mitad de 1986 volvió a los estudios para lanzar al año siguiente el disco Wild Frontier, que incluyó un sonido alejado del heavy metal y un poco más intimo, pero con el hard rock como estilo principal lo que se ve en temas como «Over the Hills and Far Away» y la versión de The Easybeats, «Friday on My Mind». Hasta ese momento fue su álbum más exitoso, llegando al número 1 en las listas musicales de Finlandia y Noruega.78​ Durante la gira promocional, Gary invitó a Eric Singer en la batería y además en esta se grabó el primer registro audiovisual llamado Live at Isstadion Stockholm.

En 1989 lanzó al mercado After the War, que es considerado como su último disco cargado al heavy metal y al hard rock, ya que en 1990 cambiará su sonido a su principal influencia, el blues. Dicha producción obtuvo un gran éxito en los mercados europeos con disco de oro en Alemania y el tercer disco de plata consecutivo en el Reino Unido.69

La década de los noventa y el retorno al blues rock[editar]

Gary Moore en vivo en 2010.

Para fines de 1989 Gary decidió retornar a sus estilos preferidos; el blues y el blues rock, y para ello volvió a trabajar con Don Airey y Bob Daisley como también con su excompañero en Thin Lizzy, el baterista Brian Downey. Con esta nueva alineación grabó el disco Still Got the Blues, que es un título propicio para lo que fue esta nueva etapa en su carrera, alejándose del heavy metal pero sin perder del todo el rockduro. El éxito fue total en los principales mercados europeos, siendo número 1 en Finlandia y Suecia, mientras que en el Reino Unido recibió disco de platino y a su vez fue certificado con el primer y único disco de oro en los Estados Unidos en 1995.6​ Del disco se extrajo la power ballad «Still Got the Blues (For You)», que es su tema más conocido a nivel mundial.

En 1992 publicó After Hours, que contó con la colaboración del guitarrista B.B. King en el tema «Since I Met You Baby». Además, obtuvo el puesto número 4 en el Reino Unido, la posición más alta para un álbum de estudio del fallecido músico.4​ Durante la respectiva gira musical, se grabó un material en vivo en los Estados Unidos y en el recinto Royal Albert Hall de Londres para el disco en directo Blues Alive de 1993. En ese mismo año junto al bajista Jack Bruce y al baterista Ginger Baker, exmúsicos de Cream, fundó el power trio BBM y lanzaron Around the Next Dream en 1994, que fue acompañada por una extensa gira por Europa hasta su separación a fines del mismo año.

En 1995 publicó un nuevo trabajo llamado Blues for Greeny, un álbum tributo al guitarrista Peter Green, exmiembro de Fleetwood Mac, que es una de sus principales influencias. Dos años después lanzó al mercado Dark Days in Paradise, con el cual retornó en parte al hard rock, pero sin perder del todo el blues rock. El siguiente trabajo A Different Beat, es el disco menos conocido del guitarrista ya que no llamó la atención de las listas musicales. Al igual que la producción anterior continuó con el hard rock y el blues rock, pero como su nombre lo indica incluyó algunos nuevos sonidos como temas casi bailables, en una orientación más hacia la música pop.

Los años 2000[editar]

Con la llegada del nuevo milenio, y después de experimentar con algunos estilos en sus dos anteriores álbumes, decidió regresar al blues y para ello publicó en 2001 el disco Back to the Blues, que lo puso de nuevo en las listas musicales del mundo. Un año más tarde y junto a Cass Lewis exbajista de Skunk Anansie y al baterista Darrin Mooney de Primal Scream creó un nuevo proyecto y publicaron Scars, que siguió con la misma temática de sus principales trabajos de principios de la década de los noventa. Por aquel mismo tiempo su principal sello discográfico, Virgin Records, publicaba constantes álbumes recopilatorios como The Best of the Blues y Parisienne Walkways - The Blues Collection, entre otros.2

En 2003, Sanctuary Records publicó el primer registro audiovisual en formato DVD llamado Live at Monsters of Rock, que fue precisamente grabado en el festival Monsters of Rock durante una gira por Inglaterra. Al año siguiente lanzó al mercado Power of the Blues, que contó con la participación de Bob Daisley, bajista con quien obtuvo gran éxito en los años ochenta.

Para fines de 2005 dio por terminado el contrato con Sanctuary para firmar por la estadounidense Eagle Records. Con esta nueva casa discográfica lanzó en 2006 Old New Ballads Blues, que incluyó algunas versiones y como su nombre lo dice la gran mayoría baladas basadas en el blues. Al año siguiente con Close As You Get, siguió con la misma característica del trabajo anterior con algunas versiones de músicos como Chuck BerrySonny Boy Williamson IIJohn Mayall y Son House.

En septiembre de 2008 se puso a la venta Bad for You Baby, que contó con algunos covers como «Walkin' Thru the Park» y «Someday Baby» de Muddy Waters y «I Love You More Than You'll Ever Know» de Blood, Sweat & Tears. Al año siguiente el sello Eagle lanzó el disco recopilatorio Essential Montreux que posee cinco discos grabados en vivo en el Festival de Jazz de Montreux en sus presentaciones en las versiones de los años 1990, 1992, 1995, 1997 y 2001.

Tras su fallecimiento, el sello Eagle publicó el álbum en vivo Live at Montreux 2010, que fue su última presentación filmada y al año siguiente fue lanzado el segundo álbum póstumo Blues for Jimi, que fue grabado en 2007 en homenaje al guitarrista Jimi Hendrix.

Fallecimiento[editar]

Lápida de Gary Moore en el cementerio St. Margaret de Rottingdean.

El 6 de febrero de 2011 y a la edad de 58 años falleció mientras dormía en una de las habitaciones del Kempinski Hotel Bahía en EsteponaEspaña.10​ Según su novia, con quien pasaba unas vacaciones en dicha ciudad, cenaron tranquilamente y luego se trasladaron a la habitación sin problemas. Ella dio la alarma a las 4:00 a.m. siendo atendido por el servicio del hotel y, posteriormente, por policías, que le dieron masajes al corazón para salvarlo pero, lamentablemente, sin éxito. Según informó la policía española, su cuerpo no presentaba signos de violencia por lo que no se abriría ningún tipo de investigación. La autopsia practicada al cuerpo del guitarrista, reveló que su muerte fue causada por un ataque al corazón. La noticia de su muerte fue dada a conocer por el mánager de Thin Lizzy, Adam Parsons.11

Según el medio inglés The Daily Telegraph, el ataque cardíaco letal que sufrió el guitarrista se provocó por una gran cantidad de alcohol que había consumido la noche de su muerte. Moore tenía 380 mg de alcohol por decilitro (100 mililitros) de sangre en su organismo (0,38%), que significa que presentaba cinco veces la concentración permitida de alcohol en el organismo.12

La familia decidió no hacer el funeral en su natal Belfast, sino en la pequeña localidad de Rottingdean, en el condado inglés de Sussex Oriental, donde vivió los últimos 15 años de vida y, además, hogar de sus hijos. La ceremonia se realizó en la iglesia St. Margaret con la presencia de familiares, entre ellos sus hijos Saoirse, Lily, Jack y Gus, y amigos íntimos. Además de discursos y palabras en su nombre, su hijo Jack junto a su tío Cliff Moore tocaron en guitarra una versión de «Danny Boy», mientras que al final de la ceremonia durante la salida del ataúd de la iglesia se interpretó la canción «What a Wonderful World» de Louis Armstrong. Sus restos descansan en el cementerio de la iglesia St. Margaret.13

Guitarras[editar]

La Gibson Gary Moore Les Paul.

Su primera guitarra eléctrica la obtuvo a los 14 años y era una Rosetti modelo Lucky Squire. Sin embargo, la primera que él compró con sus propios medios fue una Gibson Les Paul 1959 usada, que se la vendió el exmiembro de Fleetwood MacPeter Green, por un precio de 300 dólares. En 2006, Gary se vio en la obligación de venderla por un precio estimado entre 750 000 y 1,2 millones de dólares según información no oficial. Posteriormente, algunos coleccionistas la tuvieron en su poder, entre ellos la tienda Phil Winfield at Maverick Music que la volvió a vender por cerca de 2 millones de dólares. En 2014, la guitarra fue adquirida por Kirk Hammett de Metallica por un precio no revelado, aunque él ha mencionado que pagó menos de los dos millones pagados anteriormente.1415

Con el pasar de los años usó diversos modelos de guitarras Gibson como la Firebird III, Firebird V y la Gibson Flying V.16​ A su vez y al mismo tiempo, comenzó a usar diversas guitarras de la marca Fender como la Stratocaster y la Telecaster.17​ En la década de los ochenta comenzó a usar más variedades de guitarras. Una de sus marcas favoritas durante ese tiempo era la Ibanez en sus modelos Roadstar RS1000, Artist AR300, Destroyer DT-330 y DT-380 y la Roadstar II en los colores azul metálico y gris metálico lo que se puede observar en los vídeos promocionales de «Empty Rooms» y «Shapes of Thing», respectivamente.18

A lo largo de su extensa carrera ha usado decenas de estos instrumentos como la guitarra barítono Jerry Jones, la Ozark Resonator 3515BTE y diversos modelos de las marcas Dean GuitarsPRS GuitarsVigierCharvel y Jackson, entre otras. De igual manera ha tocado las principales guitarras acústicas de las fábricas Taylor Guitars y Takamine en sus versiones de seis y doce cuerdas.19​ También y gracias a millonarios contratos con mencionadas fábricas tuvo la oportunidad de personalizar algunas de ellas, como una propia versión de la Jackson Soloist a la cual llamó Flags, ya que estaba llena de diversas banderas del mundo. Esta fue lanzada como edición limitada entre los años 1988 y 1989, principalmente para el mercado europeo.20​ Lo mismo pasó con la marca Hamer, que creó una versión especial para él de su modelo Floyd Rose en los colores blanca y negra, entre los años 1984 y 1985, que fue usada en el video de «Out in the Fields».21

Cabe mencionar que la empresa Gibson fabricó una guitarra modelo Les Paul con especificaciones exclusivas para él en el año 2000. Tras su muerte y como homenaje al fallecido músico, aquella guitarra fue lanzada bajo el nombre de Gary Moore Les Paul en 2013, pero solo para los Estados Unidos y Gran Bretaña.22

Influencias[editar]

Al igual que muchos de los guitarristas de su tiempo, sus principales influencias fueron los primeros músicos del hard rock y del blues como Albert KingEric ClaptonJimmy PageB.B. KingJeff BeckPaul KossoffSteve MarriottAlexis KornerAlbert Collins y Robert Johnson, entre otros. Sin embargo, reconoció que los guitarristas que más lo habían influenciado fueron Peter Green de Fleetwood Mac y Jimi Hendrix, a los que, incluso, les dedicó dos álbumes tributo: Blues for Greeny y Blues for Jimi,respectivamente.23

De igual manera, ha sido nombrado como influencia por otros guitarristas del blues rock, que han iniciado su carrera en los últimos veinte años como Eric GalesJeff HealeyJonny LangRobert RandolphEric JohnsonJohn MayerKenny Wayne Shepherd y Scott Henderson, entre otros.23​ En el caso de los géneros rock duro y heavy metal los guitarristas Vivian CampbellPatrick RondatJohn NorumPaul GilbertGus GSlashOrianthi PanagarisJoe BonamassaAdrian SmithDoug AldrichZakk WyldeRandy RhoadsJohn SykesMikael Åkerfeldt y Kirk Hammett, lo han nombrado como una de sus influencias y además han reconocido ser fanáticos de su trabajo, en diversas entrevistas, con el paso de los años.242526

Legado y homenajes[editar]

Desde su muerte una gran variedad de músicos le han dedicado palabras, tanto en algunas entrevistas como en sus propias páginas web, reconociendo su enorme legado y labor dentro de la música. Algunos de ellos han sido el vocalista y amigo Ozzy Osbourne,27​ Brian Downey y Scott Gorham de Thin Lizzy,2829​ el actual baterista de Kiss y músico de Gary en la gira Wild Frontier, Eric Singer,30Kirk Hammett de Metallica,31​ Doug Aldrich de WhitesnakeTony Iommi de Black Sabbath,32​ el cantante irlandés Bob Geldof,33​ Roger Taylor y Brian May de Queen,2934​ el vocalista de ópera Andy DiGelsomina,35​ Ricky Warwick de The Almighty, Glenn HughesBryan Adams,33​ Henry RollinsMikael Åkerfeldt de Opeth,36​ entre otros muchos.

A su vez han sido varios los artistas y bandas que lo han homenajeado en los conciertos en vivo y en respectivos álbumes, tocando algunos de sus grandes éxitos. El 18 de abrilde 2011 varios músicos irlandeses como Eric Bell y Brian Downey de Thin Lizzy, realizaron un concierto en su honor en el recinto Whelan's Bar en Dublín, al cual llamaron The Gig for Gary. Este mismo tipo de homenaje se realizó en Budapest el día 4 de abril de 2012, en el recinto PeCsa Music Hall.37

También las revistas británicas de rock Classic RockGuitarist y Total Guitar, publicaron diversos artículos en su honor. En el caso de Guitarist, reveló un material inédito de fotografías de Gary tomadas en el año 2009. Durante varios días después de su muerte, miles de fanáticos expresaron su lamento a través de Twitter, como Sharon Osbourne y Danny Jones líder de McFly.33

Por último, algunas ciudades del mundo han honrado su trayectoria con diversos homenajes, como es el caso de la capital húngara Budapest, que plantaron un árbol memorial en la Plaza Eiffel con una placa en forma de uñeta con su nombre.37​ En julio de 2013 en la ciudad noruega de Skånevik — específicamente en una pequeña isla al frente de su costa — instalaron una estatua con su figura, ya que allí se celebra cada año el Skånevik Blues Festival y que en las últimas versiones fue el artista que más veces se subió a ese escenario.

tocar con y sin efectos

yo creo que tocar con efectos aporta un color y gama de sonidos para cada cancion en particular pero tambien tocar solo a la vieja usanza parlante ampli y cable y compresion natural que aporte distorcion al sonido hace algo mas crudo el tipico arreglate con lo que tenes o sea ahi no disimulas los pifies salen si o si tenes que aprender a manejar los controles de tu guitarra electrica para limpiar y ensuciar el sonido segun el tema es mucho mas sencillo y tenes menos cables es directo y salis tocando y en guitarras acusticas evitar el feedback tapando con cinta el mic piezo electrico y la boca  de resonancia si sale todo amplificado yo creo que si bien hay tecnologias nuevas esta bueno el desafio por un tiempo volver al audio viejo vaya si hendrix con nada hizo mucho marshall stratocaster o pappo igual angus young igual asi que por que no probar esta formula y que sea un reto para mejorar nuestro repertorio con un audio crudo y sin procesos digitales con probar no hay nada escrito se me quemo la pedalera y dije me arreglo con lo que tengo sea en bares valvular y guitarra y en la calle parlantes inhalambricos para las pistas y solo con la compresion del mismo tocar con la distor natural mostrando el instrumento su verdadero caracter y si ensayo con mi banda lo mismo por ahi solo sumo un overdrive a futuro y listo a la vieja usanza sin tantos retoques despues en grabaciones si hace lo que quieras con modelados de amplis y esas cosas pero en vivo el crudo garpa o sea con los microfonos de tu viola mas la selectora podes obtener muchos sonidos limpios y crunch fijate te ahorras cables y problemas de programacion esta todo dicho es cuestion de probar 

el ego entre los musicos tema que queria tratar

en este articulo quiero recalcar que el ego entre colegas es malo no hay que ser el pistolero mas rapido del oeste para apreciar la musica del otro sirve la critica constructiva por ejemplo si alguien en tu repertorio ve que anda algo flojo lo podes subsanar ensayando y mejorando el ensayo es la mejor forma de arreglar esas fallas y si alguien toca mejor que vos tenes que mirarlo y aprender y si sabe mas que vos pedile que te enseñe tal o cual cosa por que eso hace al crecimiento como instrumentista o interprete asi no hay que tener miedo de preguntar como se hace esto en argentina las vanidades estan muy subidas de tono o sea el individualismo o competencia entre bandas o solistas para ver quien toca mejor y si se ayudarian se potenciarian mas todavia por que serian dos bandas que se juntan y hacen un evento o tocan en una calle peatonal por ende si trabajan de esto mientras mas unidos mas ingresos llegan y mas promocion de forma musical por que la gente ve que hay hermandad y entonces la magia trae las cosas buenas no sirve pensar en negativo o sea a ser solidarios y ayudar a tu colega asi de simple si todos estamos en la misma   

https://www.youtube.com/watch?v=tAgiNC22pPE aqui dejo unos tips de vai de como ser exitoso en la musica 

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tips para tocar en la calle

Tocar en estaciones y túneles de metro, donde hace calor y hay mucha gente esperando a los trenes es una gran solución, ya que tienes una audiencia “cautiva” y no te congelas. Por lo general, se permite tocar en estos espacios públicos siempre y cuando tu música esté dentro de unos niveles razonables. No puede ser más alta que los anuncios de la estación donde estés tocando pero tampoco querrás ser demasiado silencioso. Lo que necesitas es encontrar el volumen perfecto para ser audible pero no molesto. 

 

En cualquier ciudad, los mejores espacios para tocar están siempre en los barrios turísticos. Aquí hay un mapa de las estaciones en las que puedes tocar en Berlín. Para conseguir estos rincones tienes que llegar temprano al registro. Por lo general, existe algo similar a un protocolo de artistas callejeros, que dice que los intérpretes no acaparan un buen lugar durante todo el día y los músicos comparten la recompensa de los lugares más transitados. Pero de vez en cuando también existe la eventual mafia de la música callejera, que puede intentar intimidarte para echarte de un sitio. Mantente firme por tus colegas de profesión y denuncia el bullying.

 

Una buena forma de llenar la cartera es tocar en todo el periodo de vacaciones y, como norma general, cerca de los mercados vacacionales. Lleva tu mercancía, aprende cómo complacer a una multitud que pasa y ensaya algunas canciones festivas que la gente pueda conocer y tararear. Las vacaciones de invierno son una de las mejores épocas para hacer dinero como músico callejero, ya que muchos están imbuidos en el espíritu navideño, con ánimo generoso y puede que te dejen un poco de dinero extra o incluso que compren tus álbumes como regalo.Guarda el dinero en un lugar seguro y ten cuidado con los ladrones. No uses instrumentos caros que podrían romperse con los cambios de temperatura y la humedad. A menos que tengas un seguro, consigue un instrumento barato que puedas usar específicamente para tocar en la calle. Si no quieres enfermar por la exposición al clima y a las multitudes, asegúrate de llevar ropa adecuada, mantente hidratado, toma Vitamina C y usa gel higiénico desinfectante después de tocar el dinero que te va dando la gente. Y sobre todo, ¡diviértete tocando!

 

 

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pedal zoom gfx 707

Descarga 4este caballo de batalla de mediados de los 90 principios del 2000 es irrompible si bien los presets de fabrica son horrendos metiendo mano sacas unos buenos sonidos tanto para grabaciones como para sonar en vivo doy fe he tocado en vivo con ella en bares lo hago en la calle y tambien en casa es una pedalera todo terreno podes lograr sonidos limpios muy bonitos sonidos hi gain crucnch y lead o con phaser tipo van halen hay que meter mano y creo que suena mucho mejor que las zoom nuevas no es fanatismo por esta pedalera pero es un caño rinde cumple y no te gastas la vida quizas en argentina subio un poco su precio rondan por los 2400 3000 pesos pero de todas las zoom que tuve o v amp de behringher esta le pasa el trapo si creas tus patchs vos tiene un wha wha bien configurado parece el cry baby de hendrix en vodoo child o de srv podes lograr tonos marshall sonidos como satriani o vai o timmons es practica yo no la descartaria es mas con esta a todos lados es un cañon Zoom gfx 707 custom user patches wiz1zoom-gfx-707-custom-user-patches-wiz1.pdf (133.42 KB)   te dejo unos pdf para que juegues con ella y que tu oido sea tu juez no te vas a arrepentir y si le añadis un pedal de distor u overdrive podes engrosar el grano de distorcion o no le pones drive pero aumentas del pedal de distor el tone y level y tenes un booster para los solos las posibilidades son ilimitadas 

coaching musical

La motivación en músicos

La motivación en músicos

Hoy hablamos de la Motivación en músicos en el blog de Coaching para músicos.

 

La motivación en el músico es fundamental para conseguir y mantener una actividad que requiere gran sacrificio personal. Habitualmente la mayoría de gente piensa en el músico como un ser enamorado de aquello a lo que se dedica, una persona afortunada por poder trabajar o estudiar a aquello que más le gusta. Una persona extremadamente afortunada, feliz, una persona que no tiene dudas existenciales.

Pero todos los que nos dedicamos a esto sabemos que no es cierto, la mayoría hemos sufrido crisis bien siendo estudiantes o profesionales. Todos los días tanto Guillermo como el que escribe estas lineas atendemos a músicos cansados, músicos que han perdido la ilusión músicos que una vez al día, no dudarían en volver a su pueblo con su  familia y trabajar en cualquier empleo. Músicos que cambiaran su puesto en la orquesta por un puesto en un conservatorio o su puesto en el conservatorio por un puesto 36e35576c03528c7698ad4bb57e98245en cualquier orquesta profesional. Estudiantes que en su último curso de carrera no encuentran ya fuerzas para preparar su recital fin de carrera.

Seguro que cada uno tiene una razón que para sí mismo es lo suficientemente importante como para sentirse así, esto no lo vamos a poner en duda. Pero te invitamos a que atiendas a esta frase ” el problema ya no es el problema el problema ahora es buscar la solución”.

No le des más vueltas a “que te llevo a esta situación” sino a “como salir de selfMotivationInMusic
ella” tienes dos opciones por una parte abandonar y por otra volver a estar contento con aquello que haces.Esto es lo que llamamos volver a estar motivado, pero… ¿que es la motivación?

Analicemos la palabra, viene del  latín; motivus (‘movimiento’) y el sufijo -ción (‘acción’, ‘efecto’) es la aquello  que orienta, mantiene y determina la conducta de una persona, de manera consciente o inconsciente, hacia la consecución de un objetivo.

Personalmente la definición que más me gusta es la que dice; la motivación es el motivo para la acción. Si te encuentras en un momento en el que has dejado de sentir el impulso para estudiar, la ilusión por tocar, no te preocupes es algo habitual que entra dentro de los procesos normales en la evolución vital de un ser humano.

Se considera que un músico de élite a sus 20 años a estudiado 10.000 horas solo en su habitación.¿Qué motivo  impulsa a una persona a realizar este sacrificio y además realizarlo con gusto? ¿cuanto tiempo el mismo motivo puede seguir empujándonos?¿puede cambiar  este motivo  a lo largo de nuestra carrera?

Los cambios en la vida son constantes, las prioridades y necesidades que teníamos ayer pueden haber cambiado hoy. Lo que antes nos empujaba a sacrificarnos bien fuera por agradar a nuestros padres o nuestro profesor o ser el mejor instrumentista de nuestra promoción, hoy puede ya no ser suficiente como para despertar nuestra ilusión y pasión.

Revisar nuestros valores, nuestras necesidades y prioridades es vital para seguir teniendo la fuerza la voluntad, el motivo para la acción también es parte del entrenamiento mental para la actuación.

No te preocupes si has perdido la motivación, se trata algo que entra dentro de lo normal. Revisa qué te llevo hasta aquí y busca en tí mismo que nuevo motivo puede ahora darte la fuerza necesaria para seguir  trabajando y superándote con ilusión.

formas de grabar y producir tu propio material

2000360219355 2desde que se abarataron los costos de los equipos de produccion de musica grabar un videoclip no es una odisea o grabar instrumentos en tu home studio necesitas unos microfonos sean condensers cardioides o los mas baratos tipos de karaoke los podes insertar en la placa on board de la pc y tomar de ahi el sonido de aire del mismo o interfaces de guitarra o sea placas especializadas para grabar guitarras voces y bajos y para los bolsillos menos pudientes interfaz de una sola entrada en la cual grabas la guitarra con tu daw preferido nuendo protools adobe audition etc mas programas simuladores de amplis guitar rig amplitube waves gtr 3 o tomar del ampli con microfonos y tus pedales el audio crudo de la toma del track que deseas grabar y retocarlo con plugins hoy todo es posible con un poco de meter mano prueba y error hasta que llegues al sonido deseado para lograr en casa un sonido profesional si deseas lanzar un single ep o disco y subirlo a youtoube la musica es para compartir en el terreno acustico sea guitarra criolla podes realizar tomas en la boca de resonancia del instrumento con el microfono o grabar con tu smarthphone el sonido y retocarlo con plugins meterle delay para no sonar tan seco o un eco o chorus o efecto que deseas obtener esto es un rompecabezas y lo armas vos tu oido es tu mejor juez o un amigo que te diga esto sirve o mejora esto o aquello tambien vamos a pasar a realizar videoclips antes era imposible si no contratabas un estudio audiovisual pero lo podes realizar vos con la camara de tu smarthphone o camara digital un editor de video sony vegas wondershare filmora o windows movie maker es muy basico pero si haces producciones sencillas es recomendable si la pc es vieja si no con el sony vegas y wondershare se logran grandes resultados en mi canal de youtoube he logrado grandes producciones usando la inventiva y la prueba y error asi que como dijo tony montana the world is yours el mundo es tuyo proba hasta lograr el resultado que quedes conforme ah me olvidaba tambien podes usar tu vieja pedalera conectandola al line in de tu placa on board con conector miniplug si tenes la compu con recursos limitados con proceso de plugins de adobe audition o audacity podes lograr grandes cosas a por ello si tenes espiritu creativo dejalo salir y que el mundo lo vea no te centres en la fama y esas mamadas o mente de rockstar sexo drogas y rock se profesional labura entregate a la musica que todo a su momento llega preocupate por tener material solido y un gran repertorio para tocar sin fallas o las menos posibles y lucha por tus sueños estan a un click de distancia 

paco de lucia

Francisco Sánchez Gómez (AlgecirasEspaña21 de diciembre de 1947 - Playa del CarmenMéxico25 de febrero de 2014),1​ más conocido como Paco de Lucía,2​ fue un músicoguitarrista y compositor español de flamenco.345

Hermano menor de la dinastía de «Los Lucía», junto a Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía, recibió como estos educación musical de la mano de su padre, Antonio Sánchez Pecino, también guitarrista. En un ambiente familiar muy cercano al mundo flamenco, Paco de Lucía pronto tomó contacto con algunas de las principales figuras del mundo flamenco, entre las que algunas de sus principales influencias fueron el Niño Ricardo y Sabicas. Tras darse a conocer al mundo flamenco español en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962, grabó sus primeros discos junto a su hermano Pepe formando parte del conjunto Los Chiquitos de Algeciras. En los años siguientes colaboró al toque con los cantaores Fosforito y El Lebrijanoy desde 1969 con Camarón de la Isla.6

A partir de la publicación de Fuente y caudal en 1973, su música llegó al público mayoritario. Con el paso de los años su música fue progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo que comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los tradicionales tablaos españoles y latinoamericanos. Actuó con éxito en EuropaNorteamérica y Japón, ocupando estas giras la mayor parte de su tiempo.7

Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional gracias a la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica. De este modo destacan sus colaboraciones con artistas internacionales como Carlos SantanaAl Di Meola o John McLaughlin, pero también con otras figuras del flamenco como Camarón de la Isla o Tomatito, con quienes modernizó el concepto de flamenco clásico.89​ A lo largo de su carrera grabó un total de 38 discos, incluyendo cinco antologías y cinco discos en directo, además de numerosas colaboraciones al toque de cantaores e intérpretes de numerosos estilos musicales.10

Recibió, entre otros muchos galardones, dos premios Grammy latinos por sus álbumes Cositas buenas (2004) y En vivo Conciertos España (2010),11​ el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes(1992), Hijo predilecto de la provincia de Cádiz (1997), Hijo predilecto de Algeciras (1998), la Medalla de Plata de Andalucía, la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004),12​ Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz (2009) y por el Berklee College of Music (2010).13

Índice

Carrera musical[editar]

Casa natal de Paco de Lucía, número 8 de la calle San Francisco de Algeciras.

Francisco Sánchez Gómez nació en el número 8 de la calle San Francisco de Algeciras en el popular barrio de La Fuentenueva. Fue el menor de cinco hermanos, hijo de Lucía Gomes Gonçalves «La Portuguesa» y Antonio Sánchez Pecino, tocador aficionado de guitarra que había aprendido de la mano de Manuel Fernández «Titi de Marchena» (primo hermano de Melchor de Marchena) y que trabajaba en tablaos y fiestas de la localidad con el nombre de «Antonio de Algeciras», al tiempo que se dedicaba a la venta de fruta en la plaza de abastos de la localidad y a la venta ambulante de telas.14

Paco de Lucía en 1972.

Gracias a sus amistades en el mundo del flamenco de la localidad, Antonio Sánchez pudo poner a sus hijos en contacto con algunos de los mejores artistas de su tiempo, como Antonio «El Chaqueta»«Chato» MéndezRafael el Tuerto«el Brillantina de Cádiz» y Antonio Jarrita. De este modo pudo enseñar a todos sus hijos una profesión a la que preveía futuro, y pronto fueron tres de ellos los que destacaron en las artes flamencas, RamónPepe y Francisco. Sus otros dos hijos, Carmen y Antonio, también estudiaron cante y guitarra, aunque no acabaron dedicándose a ello. Así, al cumplir Francisco cinco años su familia se trasladó a la calle Barcelona del barrio de «La Bajadilla», y a partir de los seis años comenzó a recibir clases de guitarra de la mano de su padre y de su hermano Ramón.15​ Por deseo de su padre se dedicó a aprender los fundamentos de la guitarra flamenca, manteniéndose alejado de virtuosismos y centrándose en los estándares del toque y en el acompañamiento del cante, tanto de su hermano Pepe como de su hermana María.16

A partir de los once años comenzó a dedicar más tiempo al aprendizaje de la guitarra tras haber tenido que abandonar los estudios. En su preparación musical fue decisivo el contacto que su familia tenía con el más afamado guitarrista de su tiempo, Niño Ricardo, que solía visitarlos a menudo y, a partir de 1960, el descubrimiento de Agustín Castellón «Sabicas», después de que sus discos comenzaran a llegar al país.17​ Conocido ya en el ámbito local, actuó por primera vez en el cine Terraza de Algeciras a finales de 1959 junto a su hermano Pepe, con quien formó poco después un conjunto flamenco llamado Paco y Pepe de Algeciras y poco después Los Chiquitos de Algeciras.18

Tras grabar tres elepés con Hispavox en 1961, ambos hermanos se presentaron en 1962 al Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera, donde Pepe ganó cantando por malagueñas, y a Paco, que era demasiado joven para participar, se le concedió el premio Javier Molina, creado ex profeso para él.19​ Los premios ganados, 35 000 pesetas por parte de Pepe y 4 000 de Paco, junto al dinero que enviaba el hermano mayor Ramón mientras trabajaba en el conjunto de Juanito Valderrama, permitieron que la familia mudara su residencia a la calle Ilustración de Madrid.18

Paco de Lucía en 2007.

Pronto los dos hermanos Pepe y Paco comenzaron a trabajar en tablaos de la capital de España, de tal modo que en 1963 fueron contratados por José Greco, director de una compañía de ballet clásico español, para realizar una gira de nueve meses por Sudamérica.20​ A la vuelta participaron en la grabación de varios discos acompañando en el toque a Fosforito y El Lebrijano, y grabaron un disco como «Los Chiquitos de Algeciras», donde versionaba temas populares iberoamericanos. En 1967 Paco de Lucía, tras haber viajado por varios países europeos con el Festival Flamenco Gitano, grabó su primer disco en solitario, La fabulosa guitarra de Paco de Lucía, entablando sus primeros contactos con el mundo de la música de jazz gracias a Pedro Iturralde, con quien grabó también dos discos llamados Flamenco Jazz, y conociendo a Camarón de la Isla.2122​ La amistad con el cantaor isleño se tradujo en la participación del guitarrista, también de su hermano Pepe, en sus siete primeros discos como acompañamiento y en la aparición de ambos en el film Sevillanas de Carlos Saura de 1992.23

Paco de Lucía en Buenos Aires (Argentina) a finales de 1970.

Su disco Fuente y caudal de 1973, en el que se encontraba la rumba Entre dos aguas, alcanzó en pocos meses el número uno en ventas en España y propició el acercamiento del guitarrista al gran público y el reconocimiento mundial. Fruto de ello fue su actuación de 1975 en el Teatro Real de Madrid,24​ y, sobre todo, los nuevos trabajos en el mundo del jazz con actuaciones junto a Carlos Santana y a Al Di Meola, en 1977, y en las giras europeas y japonesas de este último, John McLaughlin y Chick Corea, a partir de 1980.25​ Estas actuaciones con artistas internacionales se complementaban con las que realizaba con su sexteto, más flamenco, formado por sus hermanos Pepe y Ramón, Jorge PardoCarles BenaventRubem Dantas y Manolo Soler.26

Abierto a nuevas músicas, Paco de Lucía fue abandonando el flamenco más académico con sus posteriores discos, Sólo quiero caminar(1981), en menor medida Siroco (1987) y principalmente con Zyryab (1990), disco en el que mejor se aprecia la fusión flamenco-jazz con el uso de teclados o pianos junto a los tradicionales instrumentos y la participación de artistas como Chick Corea o Manolo Sanlúcar. En los años siguientes grabó varios discos en directo, entre ellos uno de música clásica, el Concierto de Aranjuez (1991), y dos discos de flamenco-jazz, hasta que en 1998 publicó Luzía, homenaje a su madre que había fallecido un año antes y a Camarón de la Isla, y Cositas buenas (2004), que muestran ya la madurez del artista.27

Influencias y características de su interpretación[editar]

Paco de Lucía en el Vito Jazz Festival en julio de 2010.

Paco de Lucía recibió la influencia de dos escuelas, la del Niño Ricardo (1904-1972), considerado como una de las figuras más destacadas de la guitarra flamenca y el precursor más directo de Paco de Lucía, y la de Sabicas (1912-1990), a quien se considera como el máximo influyente en el desarrollo y perfeccionamiento de la guitarra flamenca como instrumento de concierto (antes, la guitarra era un instrumento de acompañamiento al cantaor).

La contribución de Sabicas en el flamenco es doble, por un lado amplía la técnica de la guitarra flamenca (inventó, por ejemplo, la alzapúa en una cuerda y el rasgueo de tres dedos), y por otro destaca como un compositor de categoría, ya que sus obras se caracterizan no por unir falsetas ―frases líricas que toca el guitarrista cuando el cantaor deja de cantar―, sino por crear una estructura melódica, rítmica y armónica perfectamente coherente de principio a fin, como en cualquier obra clásica, cosa que en el flamenco nunca se había hecho, a excepción de algunas figuras coetáneas ―por ejemplo, Esteban de Sanlúcar (1910-1989), en creaciones como Mantilla de feria o Panaderos flamencos―. Pocas cosas cabe objetar al toque de Sabicas, que gozaba de una extraordinaria técnica con una amplia sonoridad ―muchas veces tocaba en los escenarios sin micrófono― debida a su fuerte pulsación y a la enorme calidad de sus composiciones.

Yo no necesito nada, estaría todo el día echado. Soy el más indolente del mundo. Lo que pasa es que entro en la rutina y tengo compromisos, hago giras, más que ir yo, me llevan.

Paco de Lucía, en 2011.28

Escultura de Paco de Lucía, obra de Nacho Falgueras de 1994, en su localidad natal.

La mayor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del artista.[cita requerida] Entre ellas, Entre dos aguas (rumba), La Barrosa (alegrías), Barrio la ViñaHomenaje al Niño Ricardo (soleá), Almoraima(bulerías), Guajiras de Lucía y Río Ancho (rumba).[cita requerida]

Es importante además el esfuerzo que ha realizado este artista por dar a conocer el flamenco al público de fuera de España y el haberse atrevido a "darle otro aire" mezclándolo con otros estilos, que, aunque de estructuras melódicas y rítmicas diferentes, pueden congeniar bien con él. Paco de Lucía ha abierto el camino para este tipo de experimentaciones y fusiones del flamenco con diversas músicas.[cita requerida]

Otro aporte de Paco de Lucía al arte flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años setenta, de manos de Carlos Caitro Soto de la Colina, cajonero y compositor peruano. Paco de Lucía intuye y entiende, al conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco, y lo añade, en complicidad con Rubem Dantas, a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces, convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y, luego, de otras corrientes musicales internacionales. Como lo ha dicho ello mismo a Enrique Planas, del periódico peruano "El Comercio", el 6 de octubre del 2013, antes de su regreso al país tras 16 años de ausencia29​:

« - Enrique Planas: ¿Qué recuerda del viaje al Perú cuando descubrió el cajón?

-Paco de Lucía: Eso fue decisivo. No solo para mí sino para la música en general. Siempre le llamo "el cajón peruano". Hay mucha gente que no sabe de dónde es el cajón, y yo siempre lo estoy reivindicando. Siempre hablo de Caitro Soto, que fue quien me lo vendió. Lo vi por primera vez en una fiesta en la Embajada de España en Lima, donde estaba con Chabuca Granda. Y tocó el cajón. Allí me dije: "Este es el instrumento que necesita el flamenco". Hasta entonces, usábamos los bongós y las congas, pero aquello era más caribeño, no sonaba a flamenco. Advertí que el cajón tenía el sonido grave de la planta del pie de un bailaor y también el agudo de su tacón. [...] Era perfecto. Sé que hay mucha gente en el Perú que dice que los flamencos nos hemos robado el cajón, pero no es así. Yo siempre, a mucha honra, hablo del cajón del Perú. Estaré siempre agradecido por aquel viaje y aquella noche puntual en la que pude descubrir ese instrumento que ya no solo tocan los flamencos. Ahora cualquier grupo de rock, pop o de la música que sea tiene un cajonero. »

Vida privada[editar]

El guitarrista era un gran aficionado al fútbol, reconociendo ser seguidor del Real Madrid. En edad temprana jugó en el Atlético Los Barrios, para más tarde exigir a la dirección de sus tours la organización de partidos entre su grupo y otros aficionados30

Cuba de vino firmada por Paco

El guitarrista contrajo matrimonio con Casilda Varela Ampuero en enero de 1977 en Ámsterdam, ciudad a la que tuvieron que viajar dada la oposición a la boda de la familia de la novia.31​ El matrimonio tuvo tres hijos: Casilda (1978), Lucía (1979) y Francisco (1983).32​ La madre de Casilda Varela, Casilda Ampuero, pertenecía a la oligarquía de Neguri procedente de Durango. El abuelo materno, José María Ampuero Jáuregui, fue alcalde foral de Durango y diputado provincial a Cortes y su padre, el general Varela, fue un militar muy destacado que llegó a ser ministro del ejército con Franco. Esta familia tenía en propiedad la casa "Etxezuri" ("casa blanca" en vasco) en la localidad vizcaína de Durango, a donde Paco de Lucía se retiraba para descansar y componer entre sus giras.31

Después de veinte años, el matrimonio se separó. Paco conoció en Cancún a la que luego fue su segunda esposa, la restauradora mexicana Gabriela Canseco, y poco tiempo después se casaron por lo civil de forma discreta. Con Gabriela tuvo dos hijos, Antonia (2001) y Diego (2007).33

Paco de Lucía vivió sus últimos meses en Playa del Carmen, una pequeña ciudad caribeña localizada en el estado de Quintana RooMéxico, a unos kilómetros de Cancún.34​ En una entrevista para Magazine del diario El Mundo aseguró que «Allí es donde de verdad disfruto en Playa del Carmen, con su mar tranquilito. Voy, me alquilo una casa y me dedico a la pesca submarina. Y luego me cocino lo que he pescado y ya está. No quiero más que eso. Ahora pienso mucho en el tiempo, que ya no tengo tanto. Por primera vez creo que tengo que darme prisa y quedarme más tiempo en casa y dedicarme a componer, que es en definitiva lo que va a quedar. Los conciertos se los lleva el aire».35

Fallecimiento[editar]

Paco de Lucía falleció a consecuencia de un infarto cardíaco el martes 25 de febrero de 2014 en la ciudad mexicana de Playa del Carmen en el estado de Quintana Roo, donde fue trasladado desde Tulum, lugar en que residía prácticamente todo el año. Según diversas fuentes, jugaba en la playa con sus hijos cuando empezó a sentirse mal. El artista falleció en el área de urgencias del Hospital Hospiten, al que llegó con un fuerte dolor de tórax.36​ Había dejado de fumar 2 semanas antes de su deceso.37​ Tras su muerte un año después el martes 25 de marzo de 2015 el Metro de Madrid inauguró una estación con el nombre Paco de Lucía. Tras conocerse la noticia se sucedieron los mensajes de pésame a la familia y de alabanza al guitarrista.38​ También se le rindió homenaje en el LV Festival Internacional de la canción de Viña del Mar 2014 con un poema leído por Rafael Araneda, a través de una carta enviada por la familia del músico.39

Lápida de "Paco de Lucía" en el Cementerio Viejo de Algeciras.

Su cuerpo fue trasladado desde Cancún hasta Madrid el día 28 de febrero haciendo escala en Newark en un vuelo comercial. Ya en la capital de España se ubicó la capilla ardiente en el Auditorio Nacional de Música, a pesar de que en un primer momento se había anunciado que iba a ser en el Teatro Real,40​ a partir de las 13:30. Durante las cinco horas que duró el velatorio numerosas personalidades acudieron a presentar sus condolencias a la familia, entre ellos el Rey de España Felipe de BorbónJosé MercéVicente AmigoJoaquín CortésRosario FloresAlejandro Sanz y Tomatito.4142

A última hora de la tarde su cuerpo fue trasladado en coche a Algeciras, donde llegó poco antes de la una de la madrugada del sábado día 1. En la ciudad, que había decretado tres días de luto, la capilla ardiente se situó en el Salón de plenos de la Casa Consistorial y fue velado durante toda la noche hasta su traslado a la iglesia de Nuestra Señora de la Palma a mediodía.43​ Tras la misa el cortejo se trasladó al Cementerio Viejo, donde en un acto íntimo al que únicamente acudieron la familia y las personas más cercanas al artista, muchos de ellos representantes del mundo flamenco como PansequitoPaco CeperoCristina HoyosCapullo de Jerez o Raimundo Amador, se le dio sepultura en el patio de San José, en el que también reposan sus padres.44​ Pocos meses después, se levantaba un mausoleo en su honor en el lugar.45