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reseña del gran guitar rig

Guitar Rig es una solución completa para guitarristas y productores. Combinando un software muy especializado con un robusto controlador de pie, GUITAR RIG fue diseñado para ser un estudio de guitarra modular y versátil. GUITAR RIG abre un universo entero de sonidos de guitarra, desde los clásicos tonos “vintage” a contemporáneos sonidos “metal” y mucho más. 

 



Guitar Rig ofrece un arsenal de clásicos y modernos amplificadores de guitarra, altavoces, micrófonos y efectos que pueden ser libremente combinados en un rack virtual, permitiendo a los guitarristas recrear cuidadosamente el sonido de las unidades originales usando sofisticadas tecnologías de modelado analógico. 

Guitar Rig integra tres emulaciones de clásicos amplificadores por válvulas, que han sido desarrollados usando un análisis exacto de los amplificadores originales: Mesa/Boogie Rectifier™, Fender Twin Reverb™ and Marshall Plexi 50W™. Además hay más de 20 efectos, incluyendo emulaciones de stomp-boxes “vintage” y efectos modernos, caracterizados por varias distorsiones y pedales de modulación, efectos de dinámica, Talk Wah, Wah Wah, y reverberación por muelles y muchos más. 

Guitar Rig también incluye el versátil módulo “Cabinets and Mics” para controlar el crucial aspecto de la elección de altavoces y micrófonos así como su posición. Los guitarristas pueden elegir entre diez tipos distintos de altavoces y cinco tipos de micrófonos, que pueden ser ajustados en cuatro posiciones de grabación distintas. Es posible combinar hasta ocho altavoces junto con sus respectivas posiciones de micrófonos, y así formar un “muro de sonido”. 

La estructura modular de Guitar Rig permite combinar libremente amplificadores y efectos en cualquier orden, incluyendo varias instancias del mismo módulo. Además, el módulo especial de división permite dos rutas paralelas de señal con distintos amplificadores, altavoces y efectos que pueden ser fusionados de nuevo e incluso realizar un crossfade. 

Más de dos años de intensa investigación han dado lugar a esta fiable recreación de las unidades de amplificación y efectos de Guitar Rig, todas basadas en sofisticados algoritmos de modelado. La nueva tecnología “Dynamic Tube Response” ofrece el autentico sonido de válvulas con un realismo y respuesta sin precedentes. Las características del sonido y los altavoces y micrófonos han sido emulados cuidadosamente usando una avanzada tecnología de modelado de respuesta de impulsos. 

Guitar Rig incluye el nuevo controlador de pie “Rig Kontrol”, que ofrece cuatro conmutadores de pie y un pedal de parámetros. Rig Kontrol permite una cómoda selección de presets y control directo de cualquier parámetro del software Guitar Rig. 

Todos los datos de los parámetros son transmitidos desde el controlador de pie al ordenador usando un segundo canal de audio dedicado, haciendo de Guitar Rig una solución que no usa MIDI, sin molestos ajustes previos. También integra una caja directa de alta calidad para conectar la guitarra a la tarjeta de sonido del ordenador sin necesidad de otro hardware adicional. 

Guitar Rig es también un excelente socio en tus ensayos, y no sólo incluye un metrónomo y un preciso afinador, sino que también contiene múltiples módulos “Tape Deck” para la reproducción y grabación de audio. 

Los módulos “Tape Deck” permiten al usuario reproducir cualquier material de audio, desde loops de batería que se repiten a canciones en MPE3 completas o tus propias grabaciones de guitarra. La función de compresión / expansión de tiempo de alta calidad permite el cambio de tono o tempo. 

Los módulos “Tape Deck” pueden también ser usados en la grabación de una interpretación de guitarra, con o sin efectos y con o sin el acompañamiento de la reproducción del audio. Combinando esto con la posibilidad de reproducir, alterar, juntar o re-grabar cualquier interpretación una y otra ves con dos módulos “Tape Deck” simultáneos, Guitar Rig está listo para la creación de increíbles combinaciones sendo perfectamente intuitivo y accesible. 

Guitar Rig viene con una competa librería de loops de audio de alta calidad en varios estilos para tu inspiración. 

Guitar Rig puede ejecutarse de forma autónoma sin la necesidad de una aplicación anfitriona, convirtiéndolo en la herramienta ideal para la interpretación en vivo o en sesiones de práctica. El controlador de pie hace posible usar Guitar Rig sin hacer uso de los controles en pantalla, o incluso sin llegar a verlo en el ordenador. También soporta todos los formatos de plug-ins más importantes así como secuenciadores de audio. 



 




Interfaces soportados: 

· VST 
· Audio Units 
· RTAS 
· DXI 
· ASIO 
· Core Audio 
· DirectSound 

Requisitos mínimos: 

· Windows XP, Pentium 700 MHz/Athlon 1 GHz, 128 MB de RAM 
· Mac OS 10.2.6, G4 733 MHz, 128 MB de RAM 

Sistema recomendado: 

· Windows XP, Pentium/Athlon 1.4 GHz, 256 MB de RAM 
· Mac OS 10.3, G4 1 GHz, 512 MB de RAM 

tener diferentes guitarras para grabar y tocar en vivo

en mi humilde opinion tener dos tres o cuatro guitarras en situacion de estudio o vivo es beneficioso ya que podes jugar con las frecuencias hay temas que pide guitarras de tonos bien opacos tipo les paul o bien rocker como una sg dependiendo del estilo a tonos agudos y dulces tipo strat o telecaster como tambien una criolla electrocriolla o acustica cuerdas de acero eso permite jugar con los colores de una grabacion de un track mezclando por ejemplo parte ritmica con electrica y los solos con la criolla haciendo un contraste en el tema uno que lo manejaba bien era daniel telis en sus discos solistas y te partia la cabeza no hace falta que sean violas de gama super alta con que esten en un estado mecanico optimo sea calibrada trastes nivelados cuerdas buen estado suficiente y el resto puede ser cable y ampli como usar pedalera de efectos analogica o digital y las posibilidades son interminables para  armar el rompecabezas ya sea grabar por linea aire o de un smarthphone y luego editarlo con cualquier programa y plugins se logran grandes resultados hoy todo es posible gracias a la tecnologia yo digo que te animes y no seas un tonto tenes que hacerlo y que quede lo mejor posible tu oido es tu mejor juez si suena bien dejalo asi si suena mal graba todo de nuevo proba guitarras combinacion de microfonos o pastillas y graba el mismo tema con una strato por ejemplo lo mismo con una les paul o sg o criolla y compara cada tema pide algo caracteristico no te olvides esto es un juego arma el rompecabezas y divertite y tambien hace encontrando el audio desde la ecualizacion ya sea desde el ampli seco o sea cabezal o combo y cable o pedales y emuladores tipo guitar rig amplitube etc no te olvides de sacar lo mejor de vos nadie me enseño todo fue prueba y error y vas aprendiendo panea las cosas a la izquierda a la derecha tira todo al centro fijate como va quedando y despues iras viendo que suena mejor si tiras algunas cosas a diferentes lados algunas frecuencias se pierden entonces juga con el fader para encontrar esas frecuencias perdidas si la viola hace un arreglo y suena apagado se perdio ese arreglo funky ponele todo esta en jugar y prueba y error no te desesperes todo tiene solucion 

evitar acoples esto sirve tanto para guitarras como en vivo

12 soluciones para eliminar ACOPLES

1

Sigamos aprendiendo sonido, hoy veremos un tema recurrente en amplificación de música y locución en vivo:

Como eliminar ACOPLES 

Esos desagradables e inesperados aullidos que interfieren con nuestro arte musical.

También conocidos como FEEDBACKSREALIMENTACION, o HOWLING, ‘aullidos’.

Los acoples se producen  cuando  el, o los, MICROFONOS, están siendo influenciados por las cajas acústicas.

 

Se produce cuando las cajas acústicas dirigidas al público  o los monitores de escenario están interfiriendo acústicamente con el micrófono, esto sucede  de la siguiente forma:

 

El sonido del micrófono se amplifica, y luego  este  sonido amplificado sale por las CAJAS ACÚSTICAS, y vuelve  a ingresar por el micrófono pero a un nivel mayor que la propia señal emitida por el cantante u orador. Produciéndose un ‘loop’ de realimentación de sonido que va creciendo en intensidad produciendo una frecuencia o banda de frecuencias especifica, un sonido desagradable y generalmente de gran nivel que entorpece nuestro arte sonoro.

2 4 monitores

Supongamos que el cantante u orador esta cantando a 90 db y la y la señal amplificada que retorna al mismo micrófono es de 91 o mas db se empieza a producir el fenómeno de aullido, o acople

Factores que influyen en el fenómeno del ACOPLE y como evitarlos: señal amplificada que retorna al mismo micrófono es de 91 o mas db se empieza a producir el fenómeno de aullido, o acople.

Cajas acústicas en el entorno del micrófono: Ya sean monitores de escenario o cajas dirigidas al público

Solución 1: mover las cajas acústicas, alejarlas del micrófono. Imaginarse que las cajas acústicas son focos de luz y evitar que esta luz ‘ilumine’ el micrófono.

Exceso de monitores en el entorno del micrófono:

Solución 2: limitar lo mas que se pueda el uso d e monitores de escenario, si se usan 2 monitores dejar en uno la música y en el otro la voz o el instrumentista solo para que las señales no se sumen al llegar al micrófono.

Solución 3: usar monitoreo IN EAR,  se acaba el fenómeno de raíz!

 

Volumen del monitoreo excesivo.

Solución 4: bajar el volumen del monitoreo. A veces disminuir 3 db hace toda la diferencia

Cercania del micrófono al cantante, mientras mas lejos esta el cantante o instrumentista del micrófono hay mayor posibilidad de acoples.

Solución 5: usar microfoneos cercanos o close up.

4 mic cercano

 

Uso de micrófonos muy sensibles, de condensador diafragma grande y de patrón de captación omnidireccional o cardiode aumentan las posibilidades de acople.

solucion6: usar microfonos dinamicos o de condensador de diafragma pequeño, y siempre direccionales, cardiodes o hipercardiodes de tal forma que reciban señal solo desde la fuente.

Microfonos abiertos sin señal

Al tener micrófonos abiertos mientras el cantante o instrumentista esta en silencio prolongadamente provoca peligrosas posibilidades de acople.

solucion 7: mutear los mics cuando no estén en uso, o lo que es mas practico usar NOISE GATES de manera que automáticamente se silencien los micrófonos cuando no se estan usando.

Dinámicas excesivas

Cuando la dinámica es muy libre, o sea la cadena electroacustica no lleva ningun tipo de procesador de dinámica de la señal tenemos posibilidades de acoples.

 

Solución 8: insertar un COMPRESOR -LIMITADOR en los canales de cada micrófono, y/o a la salida de la consola antes del amplificador

 

 

5 dinamica

 

Ecualización del monitoreo. Una mala o nula ecualizacion de la sala o el monitoreo puede provocar los acoples.

 

6 eq

 

Solución 9: en este caso se puede provocar artificialmente un acople poniendo la palma de la mano encima del micrófono o bien apuntando y acercando el micrófono a los parlantes de monitoreo. Una vez que ‘suene’ el acople podemos buscar en nuestro ecualizador grafico que frecuencia e la que se acopla y bajarla.  Este mismo procedimiento de ecualización se puede realizar  cuando  solo hay  cajas acústicas dirigidas hacia el público.

 Reverberación del sistema.

Un espacio acústico muy reverberado o el uso de reverberación como efecto de sonido puede producir un incremento en las posibilidades de acople.

Solución 10: se puede reducir cuando es generada por un multiefecto, cambiarla por un pequeño delay. Cuando se produce por la reverberación natural solo podemos intentar mover el micrófono con su atril y situarlo en otras zonas o hacer un tratamiento acústico al local

 La Acústica del propio escenario puede producir zonas con excesiva señal, nodos de sonido donde acústicamente llega mas energía y se producen acoples.

Solución 11: Se recomienda caminar con el micrófono, moverse a otras zonas.

7 switch phase

Finalmente. solucion 12: el uso del switch PHASE de la consola, si es que lo trae puede ayudar a disminuir el fenómeno del acople.

ibanez tubescreamer

El Ibanez Tube Screamer es un pedal de saturación (overdrive) producido por Ibanez. Su nombre tiene origen en el sonido que produce, muy parecido al de un amplificador de válvulas utilizado a alto volumen. El sonido de este pedal se distingue de la mayoría por comprimir la onda de sonido con muy poca pérdida de la señal original (creando un sonido generalmente asociado a ciertos tipos de blues). Este pedal puede utilizarse con un amplificador de transistores para imitar el sonido típico de los viejos amplificadores de válvulas, aunque muchos guitarristas prefieren utilizarlo en un amplificador a válvulas para llevar las válvulas de preamplificación a un estado de saturación. El sonido clásico de un Tube Screamer acentúa las frecuencias medias (entre bajos y agudos) mediante un circuito. Muchos guitarristas prefieren este tipo de ecualización ya que ayuda a evitar que su sonido se pierda en la mezcla de la banda.

Este pedal fue producido con muchas variantes. Las producciones iniciales de TS-808 y TS-9 son las más buscadas por coleccionistas, en parte debido al hecho de que Stevie Ray Vaughan utilizó estos pedales como parte de su sonido original, así como Noel Gallagher. Otras variantes, incluyendo las TS-10TS-7 y TS-5 contienen una circuitería muy similar, aunque tienen menos éxito entre los coleccionistas.

el TS-808 han sido redistribuidos en varias ocasiones, pero no siempre con las partes originales que dieron forma al popular sonido Tube Screamer. Es por ello que algunos músicos piden a un técnico que realice modificaciones sobre el circuito para así mejorar el sonido. Aparte de Ibanez otros fabricantes hacen versiones del circuito del Tube Screamer. Entre ellos, Maxon produjo los pedales Tube Screamer originales para Ibanez durante los setenta y los ochenta. Muchos de los más reconocidos pedales de saturación, tanto fabricados en serie como "artesanalmente", heredan buena parte de su circuitería de los Tube Screamer. Es uno de los pocos pedales que Carlos Santana utiliza, tanto en sus conciertos como en grabaciones, y es posiblemente uno de los pedales que con más frecuencia pueden verse en conciertos.

El Tube Screamer tiene tres potenciómetros: distorsión, tono (regula la cantidad de agudos) y nivel (controla el volumen de salida del pedal).

bio del gran gary moore

Robert William Gary Moore (BelfastIrlanda del Norte4 de abril de 1952-EsteponaEspaña6 de febrero de 2011) fue un músicocompositor y productor norirlandés de blues rock y hard rock, conocido mundialmente por haber sido guitarrista líder en bandas como Thin LizzyColosseum II y la banda irlandesa Skid Row, y por su extensa carrera en solitario como vocalistaademás.

Inició su carrera musical a los 16 años en la banda irlandesa Skid Row, donde conoció a su gran amigo Phil Lynott líder de Thin Lizzy. En esta última agrupación grabó el tema «Still in Love With You» del álbum Nightlife (1974) y más tarde grabó íntegramente Black Rose: A Rock Legend (1979). A finales de la década de los setenta se tomó en serio su carrera como solista con la publicación de varios discos basados en el blues rockhard rock y heavy metal. En la década siguiente y gracias a los álbumes Victims of the Future (1983), Run for Cover (1985), Wild Frontier (1987) y After the War (1989) alcanzó el reconocimiento mundial, obteniendo buenos resultados en las listas musicales como también en ventas.

En los años noventa se dedicó cien por cien al blues y en especial al blues rock, que con discos como Still Got the Blues (1990) y After Hours (1992), esto le permitió compartir con artistas como B.B. KingAlbert CollinsGeorge Harrison y Albert King, entre otros. En el posterior decenio decidió mezclar sus influencias, dando paso a álbumes que fluctuaron entre el hard rock y el blues rock.

Gary además fue conocido por ser uno de los guitarristas más solicitados para trabajar en discos de otros artistas como Greg LakeCozy PowellJohn MayallMick Jagger y Jack Bruce, entre muchos otros y también fue uno de los primeros músicos en mezclar el rock con la música celta.

Tras más de cuarenta años dentro de la escena musical, falleció de un ataque al corazón mientras dormía en un hotel de la ciudad española de Estepona en el año 2011.

Índice

Biografía[editar]

Juventud y su inicio en la música[editar]

Gary en concierto el 21 de mayo de 2009.

Gary Moore nació el 4 de abril de 1952 en BelfastIrlanda del Norte, siendo uno de los cinco hijos del matrimonio integrado por Bobby y Winnie Moore. Con tan solo 10 años de edad su padre le regaló una guitarra acústica marca Framus usada, pero fue a los 14 cuando obtuvo su primera guitarra eléctrica, una Rosetti modelo Lucky Squire que según él era muy mala e incluso en una presentación se le rompió la parte de atrás mientras tocaba.1​ En 1968 y con 16 años se fue de su casa por la mala relación de sus padres y por los problemas políticos de su país, estableciéndose en Dublín. En dicha ciudad y gracias a su talento como guitarrista, se unió a Skid Row formada por Brendan Shields en el bajo, Noel Bridgeman en la batería y por Phil Lynott en la voz.

En 1970 tuvieron la oportunidad de abrir un concierto de una de las influencias de Gary, Peter Green, exmiembro de Fleetwood Mac. Éste los ayudó a firmar un contrato con el sello CBS y además le vendió una de sus guitarras Gibson Les Paul 1959, que fue la primera comprada por sus propios medios. Tras participar en los discos Skid de 1970 y 34 Hours del año siguiente, a mediados de 1972 decidió dejar el grupo para iniciar su carrera como solista. Con la ayuda de algunos músicos de sesión lanzó al mercado su álbum debut Grinding Stone en mayo de 1973, bajo el apodo de The Gary Moore Band.2

El paso por Thin Lizzy y Colosseum II[editar]

En 1974 se trasladó a Inglaterra donde se reencontró con su amigo Phil Lynnott, por aquel entonces líder de Thin Lizzy, que lo invitó a participar en algunas presentaciones en vivo en reemplazo de Eric Bell. Meses más tarde grabó como guitarrista líder el tema «Still in Love With You» del disco Nightlife publicado a fines del mismo año. Al año siguiente, el baterista Jon Hiseman de la banda británica Colosseum lo convocó para la reformación de la agrupación a la que llamó sencillamente Colosseum II, en la que también participaron el teclista Don Airey y el bajista Neil Murray, entre otros músicos. Con Hiseman y compañía grabó los álbumes Strange New Flesh de 1976, y Electric Savage y War Dance ambos de 1977, cuyo estilo era más cercano al jazz fusión.3

A mediados de 1977, después de la salida del guitarrista Brian Robertson de Thin Lizzy, Lynnott lo llamó para participar en la gira por los Estados Unidos abriendo los conciertos de Queen y luego en diciembre de 1978, ya como miembro activo de la banda, participó en las grabaciones del disco Black Rose: A Rock Legend publicado al año siguiente.2

Carrera en solitario: Los primeros años[editar]

Gary en vivo en Pite Havsbad, Suecia en 2008

En 1978, después de ir de gira con Thin Lizzy por los Estados Unidos, decidió regresar a su carrera de solista con la ayuda de sus excompañeros de banda y a su vez amigos Phil Lynnott, Don Airey y John Mole, entre otros. Su segundo álbum llamado Back on the Streets se publicó en septiembre del mismo año y debutó en el puesto 70 en la lista UK Albums Chart del Reino Unido.4​ Por su parte, la canción «Parisienne Walkways» se convirtió en su primer éxito en el país inglés, ya que llegó hasta el octavo lugar de la lista de sencillos local.4

Con la llegada del nuevo decenio Gary viajó a Los Ángeles, donde convocó a algunos músicos para fundar el proyecto G-Force. La banda lanzó su único álbum en 1980 y no obtuvo muy buenos resultados en las listas musicales pero sí en la gira promocional; con dos noches consecutivas en el destacado Club Marquee de Londres, entre otras presentaciones por Gran Bretaña. Al poco tiempo después separó al grupo luego de recibir una invitación de parte de Greg Lake para participar de su carrera solista.2

En 1982 y luego de colaborar en algunos discos de Greg Lake y Cozy Powell, decidió tomarse en serio su carrera y por ello lanzó el álbum Corridors of Power, que incluyó el género heavy metal por primera vez y que llamó la atención del mercado estadounidense, ya que obtuvo el puesto 149 en la lista Billboard 200 y a su vez, alcanzó la posición 30 en el Reino Unido.4​ Durante la gira promocional llamada simplemente Corridors of Power Tour tocó por primera vez en el Festival de Reading de Inglaterra, el 26 de agosto de 1982.5​ Al año siguiente se presentó por primera vez en Japón con gran éxito, a tal punto que Virgin Records grabó una de las presentaciones y publicó el primer álbum en vivo llamado Rockin' Every Night - Live in Japan, solo para el mercado nipón. Más tarde y con solo meses de diferencia se publicó el disco en vivo Live at the Marquee. Por aquel entonces, estuvo grabando las canciones del cuarto álbum de estudio Victims of the Future que se puso a la venta a fines de 1983, este contiene una versión de «Shapes of Things» de The Yardbirds y la power ballad «Empty Rooms». El éxito que generó en los mercados mundiales le permitió tocar en los más grandes festivales de varios países europeos entre ellos el Monsters of Rock, y además se presentó por primera vez en los Estados Unidos a mediados de 1984 con muy buenos resultados. En ese mismo año Jet Records relanzó para el mercado europeo el disco Dirty Fingers, que originalmente solo había sido publicado en Japón.

Segunda mitad de los años ochenta[editar]

Para fines de 1984 se publicó We Want Moore!, considerado como uno de sus mejores registros en vivo y que fue grabado durante la gira Victims of the Future Tour en varias ciudades del hemisferio norte. Al año siguiente y con la ayuda de algunos músicos como Paul ThompsonGlenn Hughes y Bob Daisley grabó Run for Cover, que alcanzó muy buenos puestos en las listas europeas y su primer disco de plata en el Reino Unido.6​ De este se extrajo el sencillo «Out in the Fields» que contó con la colaboración de Phil Lynott, siendo este su último registro de estudio antes de su muerte a principios de 1986.

Durante la segunda mitad de 1986 volvió a los estudios para lanzar al año siguiente el disco Wild Frontier, que incluyó un sonido alejado del heavy metal y un poco más intimo, pero con el hard rock como estilo principal lo que se ve en temas como «Over the Hills and Far Away» y la versión de The Easybeats, «Friday on My Mind». Hasta ese momento fue su álbum más exitoso, llegando al número 1 en las listas musicales de Finlandia y Noruega.78​ Durante la gira promocional, Gary invitó a Eric Singer en la batería y además en esta se grabó el primer registro audiovisual llamado Live at Isstadion Stockholm.

En 1989 lanzó al mercado After the War, que es considerado como su último disco cargado al heavy metal y al hard rock, ya que en 1990 cambiará su sonido a su principal influencia, el blues. Dicha producción obtuvo un gran éxito en los mercados europeos con disco de oro en Alemania y el tercer disco de plata consecutivo en el Reino Unido.69

La década de los noventa y el retorno al blues rock[editar]

Gary Moore en vivo en 2010.

Para fines de 1989 Gary decidió retornar a sus estilos preferidos; el blues y el blues rock, y para ello volvió a trabajar con Don Airey y Bob Daisley como también con su excompañero en Thin Lizzy, el baterista Brian Downey. Con esta nueva alineación grabó el disco Still Got the Blues, que es un título propicio para lo que fue esta nueva etapa en su carrera, alejándose del heavy metal pero sin perder del todo el rockduro. El éxito fue total en los principales mercados europeos, siendo número 1 en Finlandia y Suecia, mientras que en el Reino Unido recibió disco de platino y a su vez fue certificado con el primer y único disco de oro en los Estados Unidos en 1995.6​ Del disco se extrajo la power ballad «Still Got the Blues (For You)», que es su tema más conocido a nivel mundial.

En 1992 publicó After Hours, que contó con la colaboración del guitarrista B.B. King en el tema «Since I Met You Baby». Además, obtuvo el puesto número 4 en el Reino Unido, la posición más alta para un álbum de estudio del fallecido músico.4​ Durante la respectiva gira musical, se grabó un material en vivo en los Estados Unidos y en el recinto Royal Albert Hall de Londres para el disco en directo Blues Alive de 1993. En ese mismo año junto al bajista Jack Bruce y al baterista Ginger Baker, exmúsicos de Cream, fundó el power trio BBM y lanzaron Around the Next Dream en 1994, que fue acompañada por una extensa gira por Europa hasta su separación a fines del mismo año.

En 1995 publicó un nuevo trabajo llamado Blues for Greeny, un álbum tributo al guitarrista Peter Green, exmiembro de Fleetwood Mac, que es una de sus principales influencias. Dos años después lanzó al mercado Dark Days in Paradise, con el cual retornó en parte al hard rock, pero sin perder del todo el blues rock. El siguiente trabajo A Different Beat, es el disco menos conocido del guitarrista ya que no llamó la atención de las listas musicales. Al igual que la producción anterior continuó con el hard rock y el blues rock, pero como su nombre lo indica incluyó algunos nuevos sonidos como temas casi bailables, en una orientación más hacia la música pop.

Los años 2000[editar]

Con la llegada del nuevo milenio, y después de experimentar con algunos estilos en sus dos anteriores álbumes, decidió regresar al blues y para ello publicó en 2001 el disco Back to the Blues, que lo puso de nuevo en las listas musicales del mundo. Un año más tarde y junto a Cass Lewis exbajista de Skunk Anansie y al baterista Darrin Mooney de Primal Scream creó un nuevo proyecto y publicaron Scars, que siguió con la misma temática de sus principales trabajos de principios de la década de los noventa. Por aquel mismo tiempo su principal sello discográfico, Virgin Records, publicaba constantes álbumes recopilatorios como The Best of the Blues y Parisienne Walkways - The Blues Collection, entre otros.2

En 2003, Sanctuary Records publicó el primer registro audiovisual en formato DVD llamado Live at Monsters of Rock, que fue precisamente grabado en el festival Monsters of Rock durante una gira por Inglaterra. Al año siguiente lanzó al mercado Power of the Blues, que contó con la participación de Bob Daisley, bajista con quien obtuvo gran éxito en los años ochenta.

Para fines de 2005 dio por terminado el contrato con Sanctuary para firmar por la estadounidense Eagle Records. Con esta nueva casa discográfica lanzó en 2006 Old New Ballads Blues, que incluyó algunas versiones y como su nombre lo dice la gran mayoría baladas basadas en el blues. Al año siguiente con Close As You Get, siguió con la misma característica del trabajo anterior con algunas versiones de músicos como Chuck BerrySonny Boy Williamson IIJohn Mayall y Son House.

En septiembre de 2008 se puso a la venta Bad for You Baby, que contó con algunos covers como «Walkin' Thru the Park» y «Someday Baby» de Muddy Waters y «I Love You More Than You'll Ever Know» de Blood, Sweat & Tears. Al año siguiente el sello Eagle lanzó el disco recopilatorio Essential Montreux que posee cinco discos grabados en vivo en el Festival de Jazz de Montreux en sus presentaciones en las versiones de los años 1990, 1992, 1995, 1997 y 2001.

Tras su fallecimiento, el sello Eagle publicó el álbum en vivo Live at Montreux 2010, que fue su última presentación filmada y al año siguiente fue lanzado el segundo álbum póstumo Blues for Jimi, que fue grabado en 2007 en homenaje al guitarrista Jimi Hendrix.

Fallecimiento[editar]

Lápida de Gary Moore en el cementerio St. Margaret de Rottingdean.

El 6 de febrero de 2011 y a la edad de 58 años falleció mientras dormía en una de las habitaciones del Kempinski Hotel Bahía en EsteponaEspaña.10​ Según su novia, con quien pasaba unas vacaciones en dicha ciudad, cenaron tranquilamente y luego se trasladaron a la habitación sin problemas. Ella dio la alarma a las 4:00 a.m. siendo atendido por el servicio del hotel y, posteriormente, por policías, que le dieron masajes al corazón para salvarlo pero, lamentablemente, sin éxito. Según informó la policía española, su cuerpo no presentaba signos de violencia por lo que no se abriría ningún tipo de investigación. La autopsia practicada al cuerpo del guitarrista, reveló que su muerte fue causada por un ataque al corazón. La noticia de su muerte fue dada a conocer por el mánager de Thin Lizzy, Adam Parsons.11

Según el medio inglés The Daily Telegraph, el ataque cardíaco letal que sufrió el guitarrista se provocó por una gran cantidad de alcohol que había consumido la noche de su muerte. Moore tenía 380 mg de alcohol por decilitro (100 mililitros) de sangre en su organismo (0,38%), que significa que presentaba cinco veces la concentración permitida de alcohol en el organismo.12

La familia decidió no hacer el funeral en su natal Belfast, sino en la pequeña localidad de Rottingdean, en el condado inglés de Sussex Oriental, donde vivió los últimos 15 años de vida y, además, hogar de sus hijos. La ceremonia se realizó en la iglesia St. Margaret con la presencia de familiares, entre ellos sus hijos Saoirse, Lily, Jack y Gus, y amigos íntimos. Además de discursos y palabras en su nombre, su hijo Jack junto a su tío Cliff Moore tocaron en guitarra una versión de «Danny Boy», mientras que al final de la ceremonia durante la salida del ataúd de la iglesia se interpretó la canción «What a Wonderful World» de Louis Armstrong. Sus restos descansan en el cementerio de la iglesia St. Margaret.13

Guitarras[editar]

La Gibson Gary Moore Les Paul.

Su primera guitarra eléctrica la obtuvo a los 14 años y era una Rosetti modelo Lucky Squire. Sin embargo, la primera que él compró con sus propios medios fue una Gibson Les Paul 1959 usada, que se la vendió el exmiembro de Fleetwood MacPeter Green, por un precio de 300 dólares. En 2006, Gary se vio en la obligación de venderla por un precio estimado entre 750 000 y 1,2 millones de dólares según información no oficial. Posteriormente, algunos coleccionistas la tuvieron en su poder, entre ellos la tienda Phil Winfield at Maverick Music que la volvió a vender por cerca de 2 millones de dólares. En 2014, la guitarra fue adquirida por Kirk Hammett de Metallica por un precio no revelado, aunque él ha mencionado que pagó menos de los dos millones pagados anteriormente.1415

Con el pasar de los años usó diversos modelos de guitarras Gibson como la Firebird III, Firebird V y la Gibson Flying V.16​ A su vez y al mismo tiempo, comenzó a usar diversas guitarras de la marca Fender como la Stratocaster y la Telecaster.17​ En la década de los ochenta comenzó a usar más variedades de guitarras. Una de sus marcas favoritas durante ese tiempo era la Ibanez en sus modelos Roadstar RS1000, Artist AR300, Destroyer DT-330 y DT-380 y la Roadstar II en los colores azul metálico y gris metálico lo que se puede observar en los vídeos promocionales de «Empty Rooms» y «Shapes of Thing», respectivamente.18

A lo largo de su extensa carrera ha usado decenas de estos instrumentos como la guitarra barítono Jerry Jones, la Ozark Resonator 3515BTE y diversos modelos de las marcas Dean GuitarsPRS GuitarsVigierCharvel y Jackson, entre otras. De igual manera ha tocado las principales guitarras acústicas de las fábricas Taylor Guitars y Takamine en sus versiones de seis y doce cuerdas.19​ También y gracias a millonarios contratos con mencionadas fábricas tuvo la oportunidad de personalizar algunas de ellas, como una propia versión de la Jackson Soloist a la cual llamó Flags, ya que estaba llena de diversas banderas del mundo. Esta fue lanzada como edición limitada entre los años 1988 y 1989, principalmente para el mercado europeo.20​ Lo mismo pasó con la marca Hamer, que creó una versión especial para él de su modelo Floyd Rose en los colores blanca y negra, entre los años 1984 y 1985, que fue usada en el video de «Out in the Fields».21

Cabe mencionar que la empresa Gibson fabricó una guitarra modelo Les Paul con especificaciones exclusivas para él en el año 2000. Tras su muerte y como homenaje al fallecido músico, aquella guitarra fue lanzada bajo el nombre de Gary Moore Les Paul en 2013, pero solo para los Estados Unidos y Gran Bretaña.22

Influencias[editar]

Al igual que muchos de los guitarristas de su tiempo, sus principales influencias fueron los primeros músicos del hard rock y del blues como Albert KingEric ClaptonJimmy PageB.B. KingJeff BeckPaul KossoffSteve MarriottAlexis KornerAlbert Collins y Robert Johnson, entre otros. Sin embargo, reconoció que los guitarristas que más lo habían influenciado fueron Peter Green de Fleetwood Mac y Jimi Hendrix, a los que, incluso, les dedicó dos álbumes tributo: Blues for Greeny y Blues for Jimi,respectivamente.23

De igual manera, ha sido nombrado como influencia por otros guitarristas del blues rock, que han iniciado su carrera en los últimos veinte años como Eric GalesJeff HealeyJonny LangRobert RandolphEric JohnsonJohn MayerKenny Wayne Shepherd y Scott Henderson, entre otros.23​ En el caso de los géneros rock duro y heavy metal los guitarristas Vivian CampbellPatrick RondatJohn NorumPaul GilbertGus GSlashOrianthi PanagarisJoe BonamassaAdrian SmithDoug AldrichZakk WyldeRandy RhoadsJohn SykesMikael Åkerfeldt y Kirk Hammett, lo han nombrado como una de sus influencias y además han reconocido ser fanáticos de su trabajo, en diversas entrevistas, con el paso de los años.242526

Legado y homenajes[editar]

Desde su muerte una gran variedad de músicos le han dedicado palabras, tanto en algunas entrevistas como en sus propias páginas web, reconociendo su enorme legado y labor dentro de la música. Algunos de ellos han sido el vocalista y amigo Ozzy Osbourne,27​ Brian Downey y Scott Gorham de Thin Lizzy,2829​ el actual baterista de Kiss y músico de Gary en la gira Wild Frontier, Eric Singer,30Kirk Hammett de Metallica,31​ Doug Aldrich de WhitesnakeTony Iommi de Black Sabbath,32​ el cantante irlandés Bob Geldof,33​ Roger Taylor y Brian May de Queen,2934​ el vocalista de ópera Andy DiGelsomina,35​ Ricky Warwick de The Almighty, Glenn HughesBryan Adams,33​ Henry RollinsMikael Åkerfeldt de Opeth,36​ entre otros muchos.

A su vez han sido varios los artistas y bandas que lo han homenajeado en los conciertos en vivo y en respectivos álbumes, tocando algunos de sus grandes éxitos. El 18 de abrilde 2011 varios músicos irlandeses como Eric Bell y Brian Downey de Thin Lizzy, realizaron un concierto en su honor en el recinto Whelan's Bar en Dublín, al cual llamaron The Gig for Gary. Este mismo tipo de homenaje se realizó en Budapest el día 4 de abril de 2012, en el recinto PeCsa Music Hall.37

También las revistas británicas de rock Classic RockGuitarist y Total Guitar, publicaron diversos artículos en su honor. En el caso de Guitarist, reveló un material inédito de fotografías de Gary tomadas en el año 2009. Durante varios días después de su muerte, miles de fanáticos expresaron su lamento a través de Twitter, como Sharon Osbourne y Danny Jones líder de McFly.33

Por último, algunas ciudades del mundo han honrado su trayectoria con diversos homenajes, como es el caso de la capital húngara Budapest, que plantaron un árbol memorial en la Plaza Eiffel con una placa en forma de uñeta con su nombre.37​ En julio de 2013 en la ciudad noruega de Skånevik — específicamente en una pequeña isla al frente de su costa — instalaron una estatua con su figura, ya que allí se celebra cada año el Skånevik Blues Festival y que en las últimas versiones fue el artista que más veces se subió a ese escenario.

tocar con y sin efectos

yo creo que tocar con efectos aporta un color y gama de sonidos para cada cancion en particular pero tambien tocar solo a la vieja usanza parlante ampli y cable y compresion natural que aporte distorcion al sonido hace algo mas crudo el tipico arreglate con lo que tenes o sea ahi no disimulas los pifies salen si o si tenes que aprender a manejar los controles de tu guitarra electrica para limpiar y ensuciar el sonido segun el tema es mucho mas sencillo y tenes menos cables es directo y salis tocando y en guitarras acusticas evitar el feedback tapando con cinta el mic piezo electrico y la boca  de resonancia si sale todo amplificado yo creo que si bien hay tecnologias nuevas esta bueno el desafio por un tiempo volver al audio viejo vaya si hendrix con nada hizo mucho marshall stratocaster o pappo igual angus young igual asi que por que no probar esta formula y que sea un reto para mejorar nuestro repertorio con un audio crudo y sin procesos digitales con probar no hay nada escrito se me quemo la pedalera y dije me arreglo con lo que tengo sea en bares valvular y guitarra y en la calle parlantes inhalambricos para las pistas y solo con la compresion del mismo tocar con la distor natural mostrando el instrumento su verdadero caracter y si ensayo con mi banda lo mismo por ahi solo sumo un overdrive a futuro y listo a la vieja usanza sin tantos retoques despues en grabaciones si hace lo que quieras con modelados de amplis y esas cosas pero en vivo el crudo garpa o sea con los microfonos de tu viola mas la selectora podes obtener muchos sonidos limpios y crunch fijate te ahorras cables y problemas de programacion esta todo dicho es cuestion de probar 

el ego entre los musicos tema que queria tratar

en este articulo quiero recalcar que el ego entre colegas es malo no hay que ser el pistolero mas rapido del oeste para apreciar la musica del otro sirve la critica constructiva por ejemplo si alguien en tu repertorio ve que anda algo flojo lo podes subsanar ensayando y mejorando el ensayo es la mejor forma de arreglar esas fallas y si alguien toca mejor que vos tenes que mirarlo y aprender y si sabe mas que vos pedile que te enseñe tal o cual cosa por que eso hace al crecimiento como instrumentista o interprete asi no hay que tener miedo de preguntar como se hace esto en argentina las vanidades estan muy subidas de tono o sea el individualismo o competencia entre bandas o solistas para ver quien toca mejor y si se ayudarian se potenciarian mas todavia por que serian dos bandas que se juntan y hacen un evento o tocan en una calle peatonal por ende si trabajan de esto mientras mas unidos mas ingresos llegan y mas promocion de forma musical por que la gente ve que hay hermandad y entonces la magia trae las cosas buenas no sirve pensar en negativo o sea a ser solidarios y ayudar a tu colega asi de simple si todos estamos en la misma   

https://www.youtube.com/watch?v=tAgiNC22pPE aqui dejo unos tips de vai de como ser exitoso en la musica 

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tips para tocar en la calle

Tocar en estaciones y túneles de metro, donde hace calor y hay mucha gente esperando a los trenes es una gran solución, ya que tienes una audiencia “cautiva” y no te congelas. Por lo general, se permite tocar en estos espacios públicos siempre y cuando tu música esté dentro de unos niveles razonables. No puede ser más alta que los anuncios de la estación donde estés tocando pero tampoco querrás ser demasiado silencioso. Lo que necesitas es encontrar el volumen perfecto para ser audible pero no molesto. 

 

En cualquier ciudad, los mejores espacios para tocar están siempre en los barrios turísticos. Aquí hay un mapa de las estaciones en las que puedes tocar en Berlín. Para conseguir estos rincones tienes que llegar temprano al registro. Por lo general, existe algo similar a un protocolo de artistas callejeros, que dice que los intérpretes no acaparan un buen lugar durante todo el día y los músicos comparten la recompensa de los lugares más transitados. Pero de vez en cuando también existe la eventual mafia de la música callejera, que puede intentar intimidarte para echarte de un sitio. Mantente firme por tus colegas de profesión y denuncia el bullying.

 

Una buena forma de llenar la cartera es tocar en todo el periodo de vacaciones y, como norma general, cerca de los mercados vacacionales. Lleva tu mercancía, aprende cómo complacer a una multitud que pasa y ensaya algunas canciones festivas que la gente pueda conocer y tararear. Las vacaciones de invierno son una de las mejores épocas para hacer dinero como músico callejero, ya que muchos están imbuidos en el espíritu navideño, con ánimo generoso y puede que te dejen un poco de dinero extra o incluso que compren tus álbumes como regalo.Guarda el dinero en un lugar seguro y ten cuidado con los ladrones. No uses instrumentos caros que podrían romperse con los cambios de temperatura y la humedad. A menos que tengas un seguro, consigue un instrumento barato que puedas usar específicamente para tocar en la calle. Si no quieres enfermar por la exposición al clima y a las multitudes, asegúrate de llevar ropa adecuada, mantente hidratado, toma Vitamina C y usa gel higiénico desinfectante después de tocar el dinero que te va dando la gente. Y sobre todo, ¡diviértete tocando!

 

 

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pedal zoom gfx 707

Descarga 4este caballo de batalla de mediados de los 90 principios del 2000 es irrompible si bien los presets de fabrica son horrendos metiendo mano sacas unos buenos sonidos tanto para grabaciones como para sonar en vivo doy fe he tocado en vivo con ella en bares lo hago en la calle y tambien en casa es una pedalera todo terreno podes lograr sonidos limpios muy bonitos sonidos hi gain crucnch y lead o con phaser tipo van halen hay que meter mano y creo que suena mucho mejor que las zoom nuevas no es fanatismo por esta pedalera pero es un caño rinde cumple y no te gastas la vida quizas en argentina subio un poco su precio rondan por los 2400 3000 pesos pero de todas las zoom que tuve o v amp de behringher esta le pasa el trapo si creas tus patchs vos tiene un wha wha bien configurado parece el cry baby de hendrix en vodoo child o de srv podes lograr tonos marshall sonidos como satriani o vai o timmons es practica yo no la descartaria es mas con esta a todos lados es un cañon Zoom gfx 707 custom user patches wiz1zoom-gfx-707-custom-user-patches-wiz1.pdf (133.42 KB)   te dejo unos pdf para que juegues con ella y que tu oido sea tu juez no te vas a arrepentir y si le añadis un pedal de distor u overdrive podes engrosar el grano de distorcion o no le pones drive pero aumentas del pedal de distor el tone y level y tenes un booster para los solos las posibilidades son ilimitadas 

coaching musical

La motivación en músicos

La motivación en músicos

Hoy hablamos de la Motivación en músicos en el blog de Coaching para músicos.

 

La motivación en el músico es fundamental para conseguir y mantener una actividad que requiere gran sacrificio personal. Habitualmente la mayoría de gente piensa en el músico como un ser enamorado de aquello a lo que se dedica, una persona afortunada por poder trabajar o estudiar a aquello que más le gusta. Una persona extremadamente afortunada, feliz, una persona que no tiene dudas existenciales.

Pero todos los que nos dedicamos a esto sabemos que no es cierto, la mayoría hemos sufrido crisis bien siendo estudiantes o profesionales. Todos los días tanto Guillermo como el que escribe estas lineas atendemos a músicos cansados, músicos que han perdido la ilusión músicos que una vez al día, no dudarían en volver a su pueblo con su  familia y trabajar en cualquier empleo. Músicos que cambiaran su puesto en la orquesta por un puesto en un conservatorio o su puesto en el conservatorio por un puesto 36e35576c03528c7698ad4bb57e98245en cualquier orquesta profesional. Estudiantes que en su último curso de carrera no encuentran ya fuerzas para preparar su recital fin de carrera.

Seguro que cada uno tiene una razón que para sí mismo es lo suficientemente importante como para sentirse así, esto no lo vamos a poner en duda. Pero te invitamos a que atiendas a esta frase ” el problema ya no es el problema el problema ahora es buscar la solución”.

No le des más vueltas a “que te llevo a esta situación” sino a “como salir de selfMotivationInMusic
ella” tienes dos opciones por una parte abandonar y por otra volver a estar contento con aquello que haces.Esto es lo que llamamos volver a estar motivado, pero… ¿que es la motivación?

Analicemos la palabra, viene del  latín; motivus (‘movimiento’) y el sufijo -ción (‘acción’, ‘efecto’) es la aquello  que orienta, mantiene y determina la conducta de una persona, de manera consciente o inconsciente, hacia la consecución de un objetivo.

Personalmente la definición que más me gusta es la que dice; la motivación es el motivo para la acción. Si te encuentras en un momento en el que has dejado de sentir el impulso para estudiar, la ilusión por tocar, no te preocupes es algo habitual que entra dentro de los procesos normales en la evolución vital de un ser humano.

Se considera que un músico de élite a sus 20 años a estudiado 10.000 horas solo en su habitación.¿Qué motivo  impulsa a una persona a realizar este sacrificio y además realizarlo con gusto? ¿cuanto tiempo el mismo motivo puede seguir empujándonos?¿puede cambiar  este motivo  a lo largo de nuestra carrera?

Los cambios en la vida son constantes, las prioridades y necesidades que teníamos ayer pueden haber cambiado hoy. Lo que antes nos empujaba a sacrificarnos bien fuera por agradar a nuestros padres o nuestro profesor o ser el mejor instrumentista de nuestra promoción, hoy puede ya no ser suficiente como para despertar nuestra ilusión y pasión.

Revisar nuestros valores, nuestras necesidades y prioridades es vital para seguir teniendo la fuerza la voluntad, el motivo para la acción también es parte del entrenamiento mental para la actuación.

No te preocupes si has perdido la motivación, se trata algo que entra dentro de lo normal. Revisa qué te llevo hasta aquí y busca en tí mismo que nuevo motivo puede ahora darte la fuerza necesaria para seguir  trabajando y superándote con ilusión.

formas de grabar y producir tu propio material

2000360219355 2desde que se abarataron los costos de los equipos de produccion de musica grabar un videoclip no es una odisea o grabar instrumentos en tu home studio necesitas unos microfonos sean condensers cardioides o los mas baratos tipos de karaoke los podes insertar en la placa on board de la pc y tomar de ahi el sonido de aire del mismo o interfaces de guitarra o sea placas especializadas para grabar guitarras voces y bajos y para los bolsillos menos pudientes interfaz de una sola entrada en la cual grabas la guitarra con tu daw preferido nuendo protools adobe audition etc mas programas simuladores de amplis guitar rig amplitube waves gtr 3 o tomar del ampli con microfonos y tus pedales el audio crudo de la toma del track que deseas grabar y retocarlo con plugins hoy todo es posible con un poco de meter mano prueba y error hasta que llegues al sonido deseado para lograr en casa un sonido profesional si deseas lanzar un single ep o disco y subirlo a youtoube la musica es para compartir en el terreno acustico sea guitarra criolla podes realizar tomas en la boca de resonancia del instrumento con el microfono o grabar con tu smarthphone el sonido y retocarlo con plugins meterle delay para no sonar tan seco o un eco o chorus o efecto que deseas obtener esto es un rompecabezas y lo armas vos tu oido es tu mejor juez o un amigo que te diga esto sirve o mejora esto o aquello tambien vamos a pasar a realizar videoclips antes era imposible si no contratabas un estudio audiovisual pero lo podes realizar vos con la camara de tu smarthphone o camara digital un editor de video sony vegas wondershare filmora o windows movie maker es muy basico pero si haces producciones sencillas es recomendable si la pc es vieja si no con el sony vegas y wondershare se logran grandes resultados en mi canal de youtoube he logrado grandes producciones usando la inventiva y la prueba y error asi que como dijo tony montana the world is yours el mundo es tuyo proba hasta lograr el resultado que quedes conforme ah me olvidaba tambien podes usar tu vieja pedalera conectandola al line in de tu placa on board con conector miniplug si tenes la compu con recursos limitados con proceso de plugins de adobe audition o audacity podes lograr grandes cosas a por ello si tenes espiritu creativo dejalo salir y que el mundo lo vea no te centres en la fama y esas mamadas o mente de rockstar sexo drogas y rock se profesional labura entregate a la musica que todo a su momento llega preocupate por tener material solido y un gran repertorio para tocar sin fallas o las menos posibles y lucha por tus sueños estan a un click de distancia 

paco de lucia

Francisco Sánchez Gómez (AlgecirasEspaña21 de diciembre de 1947 - Playa del CarmenMéxico25 de febrero de 2014),1​ más conocido como Paco de Lucía,2​ fue un músicoguitarrista y compositor español de flamenco.345

Hermano menor de la dinastía de «Los Lucía», junto a Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía, recibió como estos educación musical de la mano de su padre, Antonio Sánchez Pecino, también guitarrista. En un ambiente familiar muy cercano al mundo flamenco, Paco de Lucía pronto tomó contacto con algunas de las principales figuras del mundo flamenco, entre las que algunas de sus principales influencias fueron el Niño Ricardo y Sabicas. Tras darse a conocer al mundo flamenco español en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962, grabó sus primeros discos junto a su hermano Pepe formando parte del conjunto Los Chiquitos de Algeciras. En los años siguientes colaboró al toque con los cantaores Fosforito y El Lebrijanoy desde 1969 con Camarón de la Isla.6

A partir de la publicación de Fuente y caudal en 1973, su música llegó al público mayoritario. Con el paso de los años su música fue progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo que comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los tradicionales tablaos españoles y latinoamericanos. Actuó con éxito en EuropaNorteamérica y Japón, ocupando estas giras la mayor parte de su tiempo.7

Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional gracias a la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica. De este modo destacan sus colaboraciones con artistas internacionales como Carlos SantanaAl Di Meola o John McLaughlin, pero también con otras figuras del flamenco como Camarón de la Isla o Tomatito, con quienes modernizó el concepto de flamenco clásico.89​ A lo largo de su carrera grabó un total de 38 discos, incluyendo cinco antologías y cinco discos en directo, además de numerosas colaboraciones al toque de cantaores e intérpretes de numerosos estilos musicales.10

Recibió, entre otros muchos galardones, dos premios Grammy latinos por sus álbumes Cositas buenas (2004) y En vivo Conciertos España (2010),11​ el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes(1992), Hijo predilecto de la provincia de Cádiz (1997), Hijo predilecto de Algeciras (1998), la Medalla de Plata de Andalucía, la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004),12​ Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz (2009) y por el Berklee College of Music (2010).13

Índice

Carrera musical[editar]

Casa natal de Paco de Lucía, número 8 de la calle San Francisco de Algeciras.

Francisco Sánchez Gómez nació en el número 8 de la calle San Francisco de Algeciras en el popular barrio de La Fuentenueva. Fue el menor de cinco hermanos, hijo de Lucía Gomes Gonçalves «La Portuguesa» y Antonio Sánchez Pecino, tocador aficionado de guitarra que había aprendido de la mano de Manuel Fernández «Titi de Marchena» (primo hermano de Melchor de Marchena) y que trabajaba en tablaos y fiestas de la localidad con el nombre de «Antonio de Algeciras», al tiempo que se dedicaba a la venta de fruta en la plaza de abastos de la localidad y a la venta ambulante de telas.14

Paco de Lucía en 1972.

Gracias a sus amistades en el mundo del flamenco de la localidad, Antonio Sánchez pudo poner a sus hijos en contacto con algunos de los mejores artistas de su tiempo, como Antonio «El Chaqueta»«Chato» MéndezRafael el Tuerto«el Brillantina de Cádiz» y Antonio Jarrita. De este modo pudo enseñar a todos sus hijos una profesión a la que preveía futuro, y pronto fueron tres de ellos los que destacaron en las artes flamencas, RamónPepe y Francisco. Sus otros dos hijos, Carmen y Antonio, también estudiaron cante y guitarra, aunque no acabaron dedicándose a ello. Así, al cumplir Francisco cinco años su familia se trasladó a la calle Barcelona del barrio de «La Bajadilla», y a partir de los seis años comenzó a recibir clases de guitarra de la mano de su padre y de su hermano Ramón.15​ Por deseo de su padre se dedicó a aprender los fundamentos de la guitarra flamenca, manteniéndose alejado de virtuosismos y centrándose en los estándares del toque y en el acompañamiento del cante, tanto de su hermano Pepe como de su hermana María.16

A partir de los once años comenzó a dedicar más tiempo al aprendizaje de la guitarra tras haber tenido que abandonar los estudios. En su preparación musical fue decisivo el contacto que su familia tenía con el más afamado guitarrista de su tiempo, Niño Ricardo, que solía visitarlos a menudo y, a partir de 1960, el descubrimiento de Agustín Castellón «Sabicas», después de que sus discos comenzaran a llegar al país.17​ Conocido ya en el ámbito local, actuó por primera vez en el cine Terraza de Algeciras a finales de 1959 junto a su hermano Pepe, con quien formó poco después un conjunto flamenco llamado Paco y Pepe de Algeciras y poco después Los Chiquitos de Algeciras.18

Tras grabar tres elepés con Hispavox en 1961, ambos hermanos se presentaron en 1962 al Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera, donde Pepe ganó cantando por malagueñas, y a Paco, que era demasiado joven para participar, se le concedió el premio Javier Molina, creado ex profeso para él.19​ Los premios ganados, 35 000 pesetas por parte de Pepe y 4 000 de Paco, junto al dinero que enviaba el hermano mayor Ramón mientras trabajaba en el conjunto de Juanito Valderrama, permitieron que la familia mudara su residencia a la calle Ilustración de Madrid.18

Paco de Lucía en 2007.

Pronto los dos hermanos Pepe y Paco comenzaron a trabajar en tablaos de la capital de España, de tal modo que en 1963 fueron contratados por José Greco, director de una compañía de ballet clásico español, para realizar una gira de nueve meses por Sudamérica.20​ A la vuelta participaron en la grabación de varios discos acompañando en el toque a Fosforito y El Lebrijano, y grabaron un disco como «Los Chiquitos de Algeciras», donde versionaba temas populares iberoamericanos. En 1967 Paco de Lucía, tras haber viajado por varios países europeos con el Festival Flamenco Gitano, grabó su primer disco en solitario, La fabulosa guitarra de Paco de Lucía, entablando sus primeros contactos con el mundo de la música de jazz gracias a Pedro Iturralde, con quien grabó también dos discos llamados Flamenco Jazz, y conociendo a Camarón de la Isla.2122​ La amistad con el cantaor isleño se tradujo en la participación del guitarrista, también de su hermano Pepe, en sus siete primeros discos como acompañamiento y en la aparición de ambos en el film Sevillanas de Carlos Saura de 1992.23

Paco de Lucía en Buenos Aires (Argentina) a finales de 1970.

Su disco Fuente y caudal de 1973, en el que se encontraba la rumba Entre dos aguas, alcanzó en pocos meses el número uno en ventas en España y propició el acercamiento del guitarrista al gran público y el reconocimiento mundial. Fruto de ello fue su actuación de 1975 en el Teatro Real de Madrid,24​ y, sobre todo, los nuevos trabajos en el mundo del jazz con actuaciones junto a Carlos Santana y a Al Di Meola, en 1977, y en las giras europeas y japonesas de este último, John McLaughlin y Chick Corea, a partir de 1980.25​ Estas actuaciones con artistas internacionales se complementaban con las que realizaba con su sexteto, más flamenco, formado por sus hermanos Pepe y Ramón, Jorge PardoCarles BenaventRubem Dantas y Manolo Soler.26

Abierto a nuevas músicas, Paco de Lucía fue abandonando el flamenco más académico con sus posteriores discos, Sólo quiero caminar(1981), en menor medida Siroco (1987) y principalmente con Zyryab (1990), disco en el que mejor se aprecia la fusión flamenco-jazz con el uso de teclados o pianos junto a los tradicionales instrumentos y la participación de artistas como Chick Corea o Manolo Sanlúcar. En los años siguientes grabó varios discos en directo, entre ellos uno de música clásica, el Concierto de Aranjuez (1991), y dos discos de flamenco-jazz, hasta que en 1998 publicó Luzía, homenaje a su madre que había fallecido un año antes y a Camarón de la Isla, y Cositas buenas (2004), que muestran ya la madurez del artista.27

Influencias y características de su interpretación[editar]

Paco de Lucía en el Vito Jazz Festival en julio de 2010.

Paco de Lucía recibió la influencia de dos escuelas, la del Niño Ricardo (1904-1972), considerado como una de las figuras más destacadas de la guitarra flamenca y el precursor más directo de Paco de Lucía, y la de Sabicas (1912-1990), a quien se considera como el máximo influyente en el desarrollo y perfeccionamiento de la guitarra flamenca como instrumento de concierto (antes, la guitarra era un instrumento de acompañamiento al cantaor).

La contribución de Sabicas en el flamenco es doble, por un lado amplía la técnica de la guitarra flamenca (inventó, por ejemplo, la alzapúa en una cuerda y el rasgueo de tres dedos), y por otro destaca como un compositor de categoría, ya que sus obras se caracterizan no por unir falsetas ―frases líricas que toca el guitarrista cuando el cantaor deja de cantar―, sino por crear una estructura melódica, rítmica y armónica perfectamente coherente de principio a fin, como en cualquier obra clásica, cosa que en el flamenco nunca se había hecho, a excepción de algunas figuras coetáneas ―por ejemplo, Esteban de Sanlúcar (1910-1989), en creaciones como Mantilla de feria o Panaderos flamencos―. Pocas cosas cabe objetar al toque de Sabicas, que gozaba de una extraordinaria técnica con una amplia sonoridad ―muchas veces tocaba en los escenarios sin micrófono― debida a su fuerte pulsación y a la enorme calidad de sus composiciones.

Yo no necesito nada, estaría todo el día echado. Soy el más indolente del mundo. Lo que pasa es que entro en la rutina y tengo compromisos, hago giras, más que ir yo, me llevan.

Paco de Lucía, en 2011.28

Escultura de Paco de Lucía, obra de Nacho Falgueras de 1994, en su localidad natal.

La mayor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del artista.[cita requerida] Entre ellas, Entre dos aguas (rumba), La Barrosa (alegrías), Barrio la ViñaHomenaje al Niño Ricardo (soleá), Almoraima(bulerías), Guajiras de Lucía y Río Ancho (rumba).[cita requerida]

Es importante además el esfuerzo que ha realizado este artista por dar a conocer el flamenco al público de fuera de España y el haberse atrevido a "darle otro aire" mezclándolo con otros estilos, que, aunque de estructuras melódicas y rítmicas diferentes, pueden congeniar bien con él. Paco de Lucía ha abierto el camino para este tipo de experimentaciones y fusiones del flamenco con diversas músicas.[cita requerida]

Otro aporte de Paco de Lucía al arte flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años setenta, de manos de Carlos Caitro Soto de la Colina, cajonero y compositor peruano. Paco de Lucía intuye y entiende, al conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco, y lo añade, en complicidad con Rubem Dantas, a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces, convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y, luego, de otras corrientes musicales internacionales. Como lo ha dicho ello mismo a Enrique Planas, del periódico peruano "El Comercio", el 6 de octubre del 2013, antes de su regreso al país tras 16 años de ausencia29​:

« - Enrique Planas: ¿Qué recuerda del viaje al Perú cuando descubrió el cajón?

-Paco de Lucía: Eso fue decisivo. No solo para mí sino para la música en general. Siempre le llamo "el cajón peruano". Hay mucha gente que no sabe de dónde es el cajón, y yo siempre lo estoy reivindicando. Siempre hablo de Caitro Soto, que fue quien me lo vendió. Lo vi por primera vez en una fiesta en la Embajada de España en Lima, donde estaba con Chabuca Granda. Y tocó el cajón. Allí me dije: "Este es el instrumento que necesita el flamenco". Hasta entonces, usábamos los bongós y las congas, pero aquello era más caribeño, no sonaba a flamenco. Advertí que el cajón tenía el sonido grave de la planta del pie de un bailaor y también el agudo de su tacón. [...] Era perfecto. Sé que hay mucha gente en el Perú que dice que los flamencos nos hemos robado el cajón, pero no es así. Yo siempre, a mucha honra, hablo del cajón del Perú. Estaré siempre agradecido por aquel viaje y aquella noche puntual en la que pude descubrir ese instrumento que ya no solo tocan los flamencos. Ahora cualquier grupo de rock, pop o de la música que sea tiene un cajonero. »

Vida privada[editar]

El guitarrista era un gran aficionado al fútbol, reconociendo ser seguidor del Real Madrid. En edad temprana jugó en el Atlético Los Barrios, para más tarde exigir a la dirección de sus tours la organización de partidos entre su grupo y otros aficionados30

Cuba de vino firmada por Paco

El guitarrista contrajo matrimonio con Casilda Varela Ampuero en enero de 1977 en Ámsterdam, ciudad a la que tuvieron que viajar dada la oposición a la boda de la familia de la novia.31​ El matrimonio tuvo tres hijos: Casilda (1978), Lucía (1979) y Francisco (1983).32​ La madre de Casilda Varela, Casilda Ampuero, pertenecía a la oligarquía de Neguri procedente de Durango. El abuelo materno, José María Ampuero Jáuregui, fue alcalde foral de Durango y diputado provincial a Cortes y su padre, el general Varela, fue un militar muy destacado que llegó a ser ministro del ejército con Franco. Esta familia tenía en propiedad la casa "Etxezuri" ("casa blanca" en vasco) en la localidad vizcaína de Durango, a donde Paco de Lucía se retiraba para descansar y componer entre sus giras.31

Después de veinte años, el matrimonio se separó. Paco conoció en Cancún a la que luego fue su segunda esposa, la restauradora mexicana Gabriela Canseco, y poco tiempo después se casaron por lo civil de forma discreta. Con Gabriela tuvo dos hijos, Antonia (2001) y Diego (2007).33

Paco de Lucía vivió sus últimos meses en Playa del Carmen, una pequeña ciudad caribeña localizada en el estado de Quintana RooMéxico, a unos kilómetros de Cancún.34​ En una entrevista para Magazine del diario El Mundo aseguró que «Allí es donde de verdad disfruto en Playa del Carmen, con su mar tranquilito. Voy, me alquilo una casa y me dedico a la pesca submarina. Y luego me cocino lo que he pescado y ya está. No quiero más que eso. Ahora pienso mucho en el tiempo, que ya no tengo tanto. Por primera vez creo que tengo que darme prisa y quedarme más tiempo en casa y dedicarme a componer, que es en definitiva lo que va a quedar. Los conciertos se los lleva el aire».35

Fallecimiento[editar]

Paco de Lucía falleció a consecuencia de un infarto cardíaco el martes 25 de febrero de 2014 en la ciudad mexicana de Playa del Carmen en el estado de Quintana Roo, donde fue trasladado desde Tulum, lugar en que residía prácticamente todo el año. Según diversas fuentes, jugaba en la playa con sus hijos cuando empezó a sentirse mal. El artista falleció en el área de urgencias del Hospital Hospiten, al que llegó con un fuerte dolor de tórax.36​ Había dejado de fumar 2 semanas antes de su deceso.37​ Tras su muerte un año después el martes 25 de marzo de 2015 el Metro de Madrid inauguró una estación con el nombre Paco de Lucía. Tras conocerse la noticia se sucedieron los mensajes de pésame a la familia y de alabanza al guitarrista.38​ También se le rindió homenaje en el LV Festival Internacional de la canción de Viña del Mar 2014 con un poema leído por Rafael Araneda, a través de una carta enviada por la familia del músico.39

Lápida de "Paco de Lucía" en el Cementerio Viejo de Algeciras.

Su cuerpo fue trasladado desde Cancún hasta Madrid el día 28 de febrero haciendo escala en Newark en un vuelo comercial. Ya en la capital de España se ubicó la capilla ardiente en el Auditorio Nacional de Música, a pesar de que en un primer momento se había anunciado que iba a ser en el Teatro Real,40​ a partir de las 13:30. Durante las cinco horas que duró el velatorio numerosas personalidades acudieron a presentar sus condolencias a la familia, entre ellos el Rey de España Felipe de BorbónJosé MercéVicente AmigoJoaquín CortésRosario FloresAlejandro Sanz y Tomatito.4142

A última hora de la tarde su cuerpo fue trasladado en coche a Algeciras, donde llegó poco antes de la una de la madrugada del sábado día 1. En la ciudad, que había decretado tres días de luto, la capilla ardiente se situó en el Salón de plenos de la Casa Consistorial y fue velado durante toda la noche hasta su traslado a la iglesia de Nuestra Señora de la Palma a mediodía.43​ Tras la misa el cortejo se trasladó al Cementerio Viejo, donde en un acto íntimo al que únicamente acudieron la familia y las personas más cercanas al artista, muchos de ellos representantes del mundo flamenco como PansequitoPaco CeperoCristina HoyosCapullo de Jerez o Raimundo Amador, se le dio sepultura en el patio de San José, en el que también reposan sus padres.44​ Pocos meses después, se levantaba un mausoleo en su honor en el lugar.45

gibson sg seguimos hablando de violas

La Gibson SG es un popular modelo, considerada una de las mejores guitarras eléctricas de cuerpo macizo que se introdujo a principios de la década de 1960.

Es similar al modelo Gibson Les Paul, pero es más ligera debido sobre todo a que el cuerpo es más estrecho y con double-cutaway (doble "recorte", por encima y debajo del mástil). Como fue considerado en sus primeros dos años de circulación (1961-1963) como "Les Paul", el modelo tiene las mismas variaciones de este otro modelo, de las cuales son las principales y más populares la Standard (la más exitosa y vendida), la Custom (que viene acompañada con tres pastillas doradas, siendo con una pastilla humbucker más que la Standard, y más costosa), la Junior (tradicionalmente considerada como un modelo para estudiantes y que contiene una sola pastilla P-90) y la Special (que en su primera etapa de circulación tenía dos pastillas P-90, para que luego pase a poseer pastillas humbuckers cubiertas). Existen otras variaciones posteriores y menos populares. También tiene su versión en bajo, de nombre homónimo en sus actuales circulaciones, aunque en anteriores versiones se llamaba EB (con variaciones como la EB-0 y EB-3).

Índice

Historia[editar]

En 1960, las ventas de la guitarra Gibson Les Paul cayeron muy por debajo de lo que en otros años se viera, así que en 1961 el modelo recibió un cuerpo completamente renovado que era más delgado y con dos agudos cuernos recortados que hacían a los trastes superiores más accesibles, todas estas modificaciones abarataban los costos de producción, y así en 1961 salió la nueva Gibson Les PaulLes Paul al ver el modelo (Gibson no le avisó de las modificaciones) en el aparador de una tienda, quiso que su nombre fuera retirado de "esas guitarras", decía que esa no era su guitarra, pero Gibson ya tenía fabricados demasiados protectores con la firma de Les Paul así que el modelo siguió llevando su firma por varios años más. Entonces Gibson dio a esta guitarra el nombre "SG", abreviatura de "Solid Guitar" (guitarra de cuerpo sólido). Entre los guitarristas que usaron y usan esta guitarra se encuentra principalmente:


Los dos mayores representantes de la Gibson SG son Angus Young, guitarrista de AC/DC, y Tony Iommi de Black Sabbath.

En la década de 1970 , aparecieron otras marcas y modelos que emulaban el estilo de Gibson, copiando también sus clásicos modelos Les Paul y SG. La japonesa Yamaha sacó a finales de la década modelos SG como los 1000, 2000 y 3000, los cuales fueron usados por guitarristas protagónicos y no tan protagónicos de la época. En Inglaterra aparecieron las marcas John Birch (Birmingham) y Gordon Smith (Mánchester).

Las SG fueron usadas en la época punk de la década de 1970 por Brian James y Captain Sensible de The Damned,1​ Nicky Garratt de U.K. Subs,2​ y otros. En la siguiente época, la del new wave, el modelo tuvo usuarios como Bernard Sumner de Joy Division y New Order, Adrian Borland de The Sound, y otros.

Modelos y variaciones[editar]

Los modelos Custom de 1961-63 no llevan la insignia 'SG', pero lo son, sin embargo, tienen la firma Les Paul entre el mástil y la pastilla grave. Los modelos Standard tienen "Les Paul" grabado en la tapa que cubre el alma desde 1961 hasta principios de 1963. Los modelos producidos entre 1961 y 1965 tienen golpeador (protector) pequeño; los modelos posteriores a 1965 tienen golpeador grande, alrededor de las pastillas (sin embargo aún están disponibles variantes y re-ediciones con el golpeador pequeño).

Con la forma de SG también se ofreció un modelo Junior similar al anterior Les Paul Junior. Este modelo tiene una única pastilla P-90 y palanca vibrato opcional. La SG Special fue introducida poco más tarde con dos pastillas P-90 y palanca de vibrato opcional.

En 1961 se lanzó una línea de bajo, el Gibson EB-3 y en la actualidad hay otro modelo del mismo estilo llamado Gibson SG Bass. El bajo Gibson EB-0 sufrió unas transformaciones el año 1961, que lo dejaron con un diseño muy similar a la SG.

A principios de los '70 aparecieron varios cambios en diferentes modelos, desde las SG-100 y SG-200 de bajo coste hasta las lujosas SG Pro y SG Deluxe pero las a finales de los '70 se volvió a los estilos antiguos.

También existe un modelo con doble mástil que tocaron Jimmy Page , Slash y Pete Townshend.

Actualmente Gibson ofrece muchas variaciones sobre el cuerpo básico de estilo SG, incluyendo modelos como SpecialSupremeAngus Young SpecialFaded y Gothic.

Epiphone, marca filial de Gibson, también ofrece varios modelos de la SG llamados G- y acompañados de un número según sea el caso como el G-400 que es el más común, el G-310 y de la 1961 Epiphone Les Paul Custom, así como una de doble mástil llamada Epiphone G-1275

 

joe satriani reseña de su carrera

Joe Satriani
Joe satriani.jpg

Joe Satriani en 2003.

Datos generales
Nombre real Joseph Satriani
Nacimiento 15 de julio de 1956 (62 años)
Origen Bandera de Estados Unidos WestburyNueva YorkEstados Unidos
Nacionalidad Estadounidense
Ocupación Músico
Información artística
Otros nombres "Satch" "Maestro de maestros"
Género(s) Rock instrumental
Blues rock
Jazz rock
Hard rock
Heavy metal
Metal progresivo 
Shred
Instrumento(s) GuitarrabajotecladosVozarmónicabanjo
Período de actividad 1978 - presente
Discográfica(s) Epic Records
Artistas relacionados Deep Purple
Theo Gantz
G3
Steve Vai
Chickenfoot
Jordan Rudess
Possessed
Jason Becker
Web
Sitio web http://www.satriani.com
Ficha Joe Satriani en IMDb

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Joe "Satch" Satriani (WestburyNueva York15 de julio de 1956) es un guitarrista de rock instrumental estadounidense. Ha recibido 15 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.1

Según otros guitarristas ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells y tap harmonics. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre sus alumnos se incluyen:[cita requerida] Steve VaiTom MorelloAlex SkolnickLarry LaLondeAndy TimmonsReb BeachRick HunoltCharlie Hunter y Kirk Hammett.

Índice

Carrera[editar]

Primeros Años[editar]

Descendiente de italianos, Satriani nació en Nueva York. Su pasión por la guitarra empezó a la edad de 14 años, después de enterarse de la muerte de Jimi Hendrix.2​ En 1974 Satriani empezó a estudiar música con el guitarrista de jazz Billy Bauer y el pianista Lennie Tristano. Este último fue una gran referencia para el sonido virtuoso de Joe. Satriani pasó de ser alumno a enseñar guitarra, siendo Steve Vai su pupilo más notable.

En 1978, Satriani se trasladó a Berkeley, California para iniciar una carrera musical. Establecido en California, continuó con la docencia musical. Entre sus estudiantes destacaron Kirk Hammett de MetallicaDavid Bryson de Counting CrowsKevin Cadogande Third Eye BlindLarry LaLonde de Primus y PossessedAlex Skolnick de TestamentRick Hunolt de ExodusPhil Kettner de Lääz RockitGeoff Tyson de T-RideCharlie HunterDavid TurinEric Kauschen

Ochentas y Noventas[editar]

Satriani inició su carrera en la agrupación The Squares. Luego fue invitado a unirse a la banda de Greg Kihn, el cual se encontraba en el final de su carrera musical, pero que generosamente se encargó de ayudar a Satriani a pagar la deuda de la grabación de su primer trabajo discográfico, Not of This Earth. Cuando su amigo y antiguo alumno Steve Vai consiguió fama tocando para la agrupación de David Lee Roth en 1986, seguía mostrando gran admiración por Joe en muchas entrevistas.

En 1987 grabó su segundo álbum, Surfing with the Alien, con el que consiguió un gran reconocimiento en la escena, logrando posicionarse muy alto en las listas, algo poco común tratándose de un álbum completamente instrumental. De dicho álbum lograron radiodifusión las canciones "Satch Boogie" y "Surfin' With the Alien". En 1988 Satriani colaboró en la producción del EP The Eyes of Horror de la banda de death metal Possessed. En 1989 lanzó el álbum Flying in a Blue Dream, al parecer inspirado en la reciente muerte de su padre, quien falleció en 1989 durante las grabaciones del disco. La canción "One Big Rush" hizo parte de la banda sonora de la película de Cameron Crowe Say Anything.... "The Forgotten Part II" fue utilizada en un comercial canadiense de la marca Labatt Blue en 1993.

Satriani con Steve Vai y John Petrucci como parte del tour G3 en Melbourne, Australia (Diciembre de 2006)

En 1992, Satriani lanzó The Extremist, su álbum más exitoso y aclamado hasta la fecha. La canción "Summer Song" gozó de plena radiodifusión, además de hacer parte de un comercial de la marca Sony.3​ "Cryin'," "Friends" y la canción homónima también lograron conquistar las radios de la época. A finales de 1993, Joe se unió temporalmente a la legendaria agrupación Deep Purple, reemplazando al guiarrista Ritchie Blackmore durante una gira de la banda por Japón. Los conciertos fueron un éxito, por lo que se le ofreció a Joe ser un miembro permanente de la banda. Satriani decidió rechazar la oferta, pues previamente había firmado un contrato con Sony Records para la grabación de varios álbumes más. El guitarrista Steve Morse tomó finalmente el puesto que dejó vacante Satriani en Deep Purple.4

En 1996 fundó el G3, un proyecto que constaba de tres guitarristas virtuosos. La formación original incluía a Satriani, Vai y Eric Johnson. El G3 ha continuado de forma periódica desde su creación, siendo Satriani el único músico que ha permanecido inamovible en el proyecto. Otros guitarristas que han participado del proyecto son: Yngwie MalmsteenJohn PetrucciKenny Wayne ShepherdRobert FrippAndy TimmonsUli Jon RothMichael SchenkerAdrian LeggPaul GilbertSteve Morse y Steve Lukather. En 1998 Satriani grabó el álbum Crystal Planet, con un sonido que recuerda al de sus discos de finales de los ochentas. Engines of Creation, uno de sus álbumes más experimentales, vio la luz en el año 2000, seguido por su primer directo titulado Live in San Francisco, lanzado en formato de disco dual.

2000–presente[editar]

Joe Satriani junto a Stuart Hammen el 2008.

Durante la década del 2000, Satriani grabó álbumes de manera constante, incluyendo Strange Beautiful Music en 2002 y Is There Love in Space? en 2004. En mayo de 2005, Satriani dio conciertos en la India por primera vez, dando recitales en DelhiKolkata y Mumbai. En 2006 grabó Super Colossal y Satriani Live!, extraído de un concierto en Anaheim, California.

En diciembre de 2008, Satriani demandó a la banda Coldplay, al tener la progresión de acordes, la melodía y la dinámica en la canción "Viva la Vida" igual a la de su canción "If I Could Fly" (2004). En septiembre de 2009, ambas partes llegaron a un acuerdo extrajudicial. En 2008 grabó el disco Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock. En mayo de 2010, Satriani anunció la grabación de un nuevo álbum seguido de una gira. El disco fue titulado Black Swans and Wormhole Wizards, y vio la luz en octubre de 2010.5

En mayo de 2013, Joe lanzó su álbum de estudio número 14, titulado Unstoppable Momentum.6​ El disco fue acompañado de una extensa gira que llevó a Joe a países que no había visitado frecuentemente, como Colombia. Un box-set titulado Joe Satriani: The Complete Studio Recordings, conteniendo versiones remasterizadas de Not of This Earth a Unstoppable Momentum, fue lanzado el 22 de abril de 2014. Un libro llamado Strange Beautiful Music: A Memoir se lanzó para coincidir con la fecha de lanzamiento del box-set.7

En agosto de 2014, Satriani participó en el G4 Experience, un campamento de guitarra de una semana de duración junto a los guitarristas Paul GilbertAndy Timmons, y el teclista Mike Keneally.8

En febrero de 2015 se anunciaron las primeras fechas del Shockwave World Tour, iniciando en la ciudad de Manchester el primero de noviembre de 2015, en soporte de su álbum de estudio número 15, que sería lanzado en julio del mismo año.9

Satriani en BogotáColombia, en el marco del tour Unstoppable Momentum, en 2014

Chickenfoot[editar]

Actualmente además de continuar como guitarrista solista, se ha unido con figuras históricas del rock para formar la banda Chickenfoot, junto al ex cantante de Van Halen Sammy Hagar, el ex bajista de la misma banda Michael Anthony, y el baterista de los Red Hot Chili Peppers Chad Smith.

Colaboraciones con otros artistas[editar]

Satriani ha hecho apariciones en varios trabajos discográficos de otros artistas, incluyendo Hey Stoopid de Alice CooperBreak Like the Wind de Spinal TapImaginos de Blue Öyster Cult, y los discos solistas de Stu Hamm y Gregg Bissonette. Fue corista en el álbum debut de la banda Crowded House. En 2003, tocó la guitarra en el disco Birdland de los legendarios Yardbirds. En 2006, participó en algunas canciones del disco Gillan's Inn del cantante de Deep Purple, Ian Gillan.

En el disco Systematic Chaos de Dream Theater, Satriani aportó la letra recitada de la canción "Repentance", además de aportar un solo de guitarra para el álbum Rhythm of Time de Jordan Rudess. Compuso la mayor parte de la banda sonora del video juego NASCAR 06: Total Team Control10​ y contribuyó con Sega Rally Championship, además de aportar la canción "Crowd Chant" en NHL 2K1011​ y Madden NFL 11.12​ Ha aparecido en varias películas, incluyendo For Your Consideration de Christopher Guest, interpretando al guitarrista de una banda.13​ También participa en la película Moneyball, en la que aparece tocando el Himno de los Estados Unidos.

Virtuosismo[editar]

Joe Satriani ha sido reconocido desde sus inicios como un músico de elevadísimo nivel instrumental, desde su consolidación con el célebre disco Surfing with the alien, lanzado a finales de los años '80. Su versatilidad, su limpieza y su creatividad a la hora de tocar y componer le han hecho merecedor de elogios de parte de un sin número de músicos famosos, en su mayoría colaboradores que han compartido escena con él. Por ejemplo, Sammy Hagar, ex vocalista de Van Halen, se refirió a él como El mejor guitarrista con el que he tocado alguna vez,[cita requerida] refiriéndose a su versatilidad para tocar hard rock, heavy metal, jazz y blues con igual facilidad y destreza. Sin embargo, Joe Satriani ha destacado no sólo como un gran guitarrista, sino también por su calidad de multiinstrumentista, plasmada en sus discos por sus ejecuciones de armónica, teclado, bajo, canto e incluso un solo de banjo en el concierto acústico que Stevie Ray Vaughan grabó para MTV en el año 1989, publicado en 1990.

Su estilo ha trascendido en casi tres generaciones musicales, y al día de hoy es un respetado referente de la música moderna, tanto por sus discos como por sus clínicas y lecciones, en las que enseña a guitarristas de todos los niveles su técnica a la hora de tocar. Se le considera por los más audaces como uno de los padres del estilo shred,[cita requerida] e incluso se le ha llegado a tomar como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.[cita requerida] Además, a diferencia de muchos guitarristas virtuosos, Joe Satriani no ejecuta sus pasajes veloces con alternate picking, sino con legato, siendo el máximo exponente de esta técnica en el panorama de la guitarra moderna.[cita requerida] Si bien el músico que lo llevó a decidir ser guitarrista fue Jimi Hendrix, él ha reconocido en innumerables entrevistas que su influencia técnica proviene de Allan Holdsworth, con quien mantuvo una gran amistad desde 1993.

Discografía[editar]

Artículo principal: Discografía de Joe Satriani

 

mitos de guitarras caras y guitarra entry level

Stratpmbcr largea mi humilde entender al poseer una guitarra de 25000 pesos o dolares o una guitarra de 5000 pesos o cuatro mil dolares hay una brecha corta no enorme por que todo lo demas es marketing si sos  profesional obvio irias por fender gibson ibanez prs y todo eso pero para los bolsillos no pudientes tenemos que recorrer a otros nombres de marcas texas sx cort samick el modelo que quieras sg les paul telecaster superstrat acusticas o de cuerdas de nylon que serian criollas con un pequeño tune up o puesta a punto con un mic tipo ds o de la marcas que desees o los de luthiers artesanales y cambio de clavijas si ya la guitarra no viene con buenas clavijas y buenos trastes un par de problemas menos el resto del sonido esta en la mente los dedos y la ecualizacion fundamental que no sea una bola de ruido si tenes un ampli transistorizado la distorcion no sera buena pero el canal limpio si entonces usa una pedalera multiefecto la marca que mas te guste o te sirva no hay receta para un buen set up es cuestion de que tu oido se entrene y te diga esto va por aqui o por ahi lo mismo con un musico o amigo que toca y te dice esto suena a lata o una bola de graves ajustas el eq el volumen que no sature no te pases en delay que si no no se entiende nada claro como el agua tiene que ser y si conectas estos pedales mas estas violas entry level tuneadas a un valvular sonas de la hostia por no decir de la puta madre en la calle toco con un parlante inhalambrico y estas guitarras entry level trucadas un poco y suenan de diez es todo mito no tengas miedo y comprate esa guitarra barata para divertirte en la calle en la pieza o en pubs o bares no tengas miedo siempre asesorate con alguien que sepa los vendedores de guitarras son como los vendedores de autos venden humo yo tambien me he comido el amague hay que sentarse y probar hasta encontrar la indicada lo mismo que una mujer 

vamos a hablar de encordados

bueno hoy vamos a charlar un poco sobre encordados de guitarra existes calibre 00.8 00.9 00.10 asi hasta llegar a los calibres gruesos que generan un tono mas gordo yo creo que los primeros tres calibres son los que mejor funcionan no generan tanta tension en el mango de la guitarra ni hace que se haga una panza y genere un arco intocable o sea una escoba con cuerdas steve ray vaughan tocaba con 0.13 y 0.14 y afinaba medio tono atras mi bemol para poder hacer estiradas tambien estan los encordados hibridos que son por ejemplo 00.9 abajo y  0.10 arriba esto genera un matiz diferente e interesante los calibres 00.8 son para violas tipo ibanez y velocistas de mango plano pero con cero nueve y cero diez en mi opinion esta bien por que es un standard en violas sg les paul strato o tele estan tambien las cuerdas antirust que hacen que vos las tengas por mas tiempo en tu guitarra y no compres cada dos por tres encordados o estan los limpiadores de encordados que sacan la grasitud y suciedad como los limpiadores jim dumlop otro truco mas casero y efectivo es franela que no deje rastro de desprendimiento sobre el mango y wd 40 las deja como nuevas y tambien si no encontras aceite de limon para hidratar el mango el jhonson baby es el reemplazante perfecto para dejar la madera hidratada y con una buena coloracion para evitar que se seque y deje grietas son trucos que se aprende leyendo de internet o otros violeros asi que el tema cuerdas es un tema de gustos si hay poco presupuesto wd 40 y hacerlas estirar y reemplazar la que se corto comprando una suelta te podes armar el hibrido vos como dije cero diez arriba cero nueve abajo o cero nueve arriba cero ocho abajo es cuestion de gustos limpiar los trastes tambien con la franela seca y cepillo de dientes para no dejar restos de suciedad o sudoracion de manos proba y encontra tu tono juga y que tu oido se tu juez y si no sabes pregunta a musicos experimentados tambien estan los encordados nacionales yo te tiro toda la data despues vos elegis que hacer suerte y que encuentres tu tono definitivo Encordado de guitarra electrica 7 cuerdas magma 009 056 hibrida ge210n

beneficios de tocar como solista y autogestion o tocar en banda

ser musico en estos dias no es nada facil ya que requiere mucho trabajo de produccion musical conocimientos equipamiento horas de entrenamiento sobre el instrumento y mas si pensas en tener una carrera si no contas con el apoyo de una compañia o sello de distribucion digital todo corre por tu cuenta o tu bolsillo tenes que usar los recursos a tu mano para hacerte notar videos promocionales grabados y editados por vos como tambien conseguir conciertos arreglar el pago con el dueño del local o tambien un cachet fijo que no siempre se cumple en argentina como tambien pagar a productoras que te cobran fortunas para tocar y no ganas dinero alguno y se llenan sus bolsillos a costa de uno a base de esfuerzo ser musico no es facil hay que hacerlo si uno ama esto si no podes ser electricista u otro oficio pero voy a dar mi forma de pensar sobre las cosas dar variantes al musico  inexperto o aspirante a ello podes formar una banda pero todos tienen que tirar para el mismo lado y con un objetivo en comun si no esto no sirve si no quedate a tocar en el garage para pasarla bien y listo hay que ser perfeccionista profesional obsesivo al limite para que tengas un producto visual como banda y musical lo mas impecable posible requiere esfuerzo pero podes autogestionarte siendo parte de una banda o no si sos parte de una banda que quiere tener una carrera tenes que encontrar los musicos adecuados que respeten horarios como los catolicos la misa dominical si no es asi es mejor ser solista por que eso genera perdida de tiempo al ser solista podes tener un home studio grabar difundir conseguir conciertos o tocar en lugares abiertos eso no te hace menos musico ni te hace ser un vago o el mitico tirado ya que tocar comprar los equipos preparar un repertorio requiere tiempo y esfuerzo a mi me reditua mas ser solista por que manejo todos los aspectos yo pero si gustas ser parte de una banda y tratar de ser profesional a por ello no hay una receta magica solo las ganas la pasion de hacerlo y dedicarse hay que salir de la habitacion y ponerse a tocar en bares plazas grabar videos como dije anteriormente ir a radios y el exito vendra cuando tenga que venir mientras tanto a disfrutar el viaje lo que si te digo es que seas feliz  haciendo esto y en esos momentos de bajon que queres dejar de tocar anda a ver bandas o musicos que sepan mas que vos y te iluminen con consejos de sus experiencias la vida es una asi que a hacerlo sin excusas el que quiere puede seas solista o parte de una banda exitos si decidis emprender este duro pero hermoso camino .  despues con el tiempo vendran los discos ahora solo enfocate en tocar estudiar y ser mejor musico que antes y ser profesional ante todo y constante Nohmada 06  espero que te haya servido desde ya muchas gracias 

gibson les paul

La Gibson Les Paul es un modelo de guitarra eléctrica y bajo de la marca Gibson Guitar Corporation. Fabricada desde 1952, la Gibson Les Paul es extensamente considerada, junto con la Fender Stratocaster, la guitarra eléctrica de cuerpo macizo más popular del mundo.123

Concebida inicialmente por Ted McCarty y el guitarrista Les Paul como una guitarra de altas prestaciones, fue producida a lo largo de la década de 1950 con progresivas variaciones hasta dejar de fabricarse en 1960 con ese nombre, en favor de la Gibson SG —básicamente una Les Paul con un «cutaway» o recorte adicional en el cuerpo de la guitarra—, para volver a su fabricación desde 1968 hasta la actualidad.

Se trata de una guitarra de cuerpo macizo, sin caja de resonancia. generalmente de caoba y con una tapa convexa de arce, cuyo acabado puede ser tanto en colores opacos como en otros traslúcidos que permiten ver las vetas de la madera. El mástil, encolado, lleva inserta un alma regulable y está rematado por un diapasón de 22 trastes, que suele ser de palo rosa. Incorpora dos fonocaptores o «pastillas» de bobinado doble o «humbuckers» y un puente Tune-o-matic sin palanca de vibrato, todos patentes de la propia fabricante del instrumento. Estas características generales se ven alteradas en algunos modelos, tanto por parte de Gibson como por algunos de sus usuarios.

Índice

Historia[editar]

Origen[editar]

La Gibson Les Paul debe su nombre al guitarrista Lester William Polfuss, conocido artísticamente como Les Paul. El instrumento fue resultado de su trabajo conjunto con el equipo del inventor y presidente de Gibson Guitar CorporationTed McCarty.4

Polfuss con una Gibson Les Paul, en 2008.

Les Paul, músico pionero en las técnicas experimentales de grabación, había construido ya en 1941 un extraño prototipo de guitarra eléctrica de cuerpo macizo conocido como «The Log» («El leño»).567​ Su intención era solucionar los problemas de acople y de duración de las notas, habituales en las guitarras de cuerpo hueco y provocados por su caja de resonancia.8​ Conseguido un permiso para utilizar los talleres de Epiphone, adosó las dos mitades del cuerpo de una guitarra de la marca a un tablón de madera de pino, sobre el que estaban montados el mástil, el puente, el cordal, y dos fonocaptores; el tablón procedía del poste de una cerca, el mástil pertenecía a una guitarra Gibson, los fonocaptores y circuitos se fabricaron a partir de las piezas de un teléfono y un reloj, y las dos mitades de la Epiphone se añadieron solo para que el instrumento resultara menos chocante.9101112​ El prototipo se considera de hecho como el primer modelo desarrollado a partir de la guitarra española —para entonces ya existían modelos basados en la guitarra hawaiana— y se conserva en el Museo y Salón de la Fama del Country en Nashville.1314

«El leño» sería utilizado por Les Paul tanto en sus actuaciones en directo como para sus grabaciones de estudio con otros artistas como Bing Crosby o The Andrew Sisters.15​ En 1946, Les Paul se puso en contacto con la firma Gibson —recién adquirida por Chicago Musical Instruments— y presentó su instrumento con la propuesta de fabricar una guitarra de cuerpo macizo. Maurice H. Berlin, entonces presidente de la compañía, rechazó con sorna la idea de Les Paul refiriéndose a su prototipo como «esa escoba».16917

En 1950, el lanzamiento al mercado de la Telecaster, primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo, con enorme éxito, hizo que los responsables de Gibson cambiaran de idea y se plantearan responder a la competencia de Fender con un modelo de alta gama siguiendo la tradición de la firma, para lo que contactaron de nuevo con Les Paul en 1951.

Primeros modelos[editar]

Gibson Les Paul Custom de 1954.

El resultado fue la aparición de la Les Paul Standard Goldtop en la primavera de 1952, primera de las guitarras producidas por Gibson con la denominación «Les Paul».18​ El cuerpo de la guitarra estaba construido en caoba y rematado por una tapa convexa y maciza de arce, lo que le daba un aspecto similar al de los violines y a las tradicionales guitarras «arch top» popularizadas por Gibson, tal y como propuso Maurice Berlin, luthier de la firma, mientras que el acabado en oro que daba nombre al modelo se debe al propio Les Paul.2​ El mástil, encolado, incluía un almaregulable y marcadores incrustados en los trastes del diapasón.19​ Los dos fonocaptores eran los habituales «P-90» de bobinado simple o «single coil» fabricados por Gibson desde 1946.

Sin embargo, el diseño de este primer modelo, todavía muy bisoño, acumulaba muchos problemas que hacían de él un instrumento incómodo de tocar.1920​ Su autoría es muy discutida, ya que según el propio Ted McCarty, la aportación de Les Paul se limitó a la elección del color, a la forma trapezoidal del cordal, y a estampar su firma en el clavijero al objeto de incrementar las ventas.21322​ Pero estas resultaron muy inferiores a las de otros modelos de cuerpo semi macizo que ya comercializaba la firma, como la Gibson ES-150 —enfocada al blues— y la Les Paul Goldtop estuvo a punto de ser retirada del mercado.

El siguiente modelo, la Les Paul Custom, apareció a principios de 1954 cuando Les Paul, insatisfecho con el anterior, consiguió imponer sus mejoras. Se modificó el ángulo del mástil y se rebajaron los trastes; el cordal se sustituyó por otro cilíndrico; y se instaló un fonocaptor «Alnico» junto al mástil, en lugar de uno de los «P-90». El color negro, elegido por Les Paul para el acabado, le ha hecho ser conocida popularmente con el sobrenombre de «Black Beauty».223​ Durante ese mismo año, las Gibson Les Paul comenzaron a ser equipadas con el nuevo puente Tune-O-Matic.24

Dado que tanto la Goldtop como, especialmente, la Custom, eran dos modelos de muy alto coste, Gibson optó en los años inmediatamente siguientes por introducir una gama más económica de guitarras Les Paul destinada a los principiantes, con un acabado más sencillo y una electrónica menos sofisticada. Así, apareció la Les Paul Junior (1954)2526​ con tapa plana y un solo fonocaptor; la Les Paul TV (1954), cuyo nombre y acabado —natural, en color mostaza— fueron señaladas como una alusión explícita a su directa competidora, la Fender Telecaster;272​ y la Les Paul Special (1955), con el aspecto de la Les Paul TV pero equipada con dos fonocaptores.2819

A partir de 1958, todos estos modelos sufrirían un cambio destacado en su apariencia, como era el añadido de un segundo «cutaway», por encima del mástil, para favorecer el acceso a los trastes más altos; continuarían fabricándose hasta 1960, cuando finalmente el nuevo diseño daría lugar a un cambio de nombre en el modelo, abandonándose temporalmente la denominación «Les Paul».29

Les Paul Standard[editar]

Detalle de una Gibson Les Paul Standard Sunburst, con fonocaptor de bobinado doble o humbucker.

En 1958 apareció la Les Paul Standard.30​ Con ella se introdujo una modificación fundamental en el modelo, al incorporar los primeros fonocaptores de bobinado doble o «humbuckers», que reducen las interferencias y el ruido frecuentes en los fonocaptores «single coil». El ingeniero Seth Lover desarrolló el invento para Gibson en 1955, pero la patente no fue concedida hasta 1959, de modo que las primeras unidades se comercializaron con la inscripción «Patent Applied For», cuyas siglas (P.A.F.) han dado nombre a los fonocaptores del período 1958 a 1959, y por extensión a las guitarras Les Paul Standard que los incorporan —posteriormente, estos seguirían siendo fabricados por la propia Gibson bajo el nombre Burstbucker o suministrados por otras empresas especializadas—.31

Además, el grosor del mástil fue rebajado, y se adoptó el color «Cherry Sunburst» para el acabado del cuerpo; de ahí que se utilizara con frecuencia el nombre de Les Paul Standard Cherry o Les Paul Standard Cherry Sunburst para designar a esta guitarra, considerada como uno de los modelos más perfectos de entre las guitarras eléctricas de cuerpo macizo jamás fabricados.30

Como ocurre con todas las variantes de la Les Paul introducidas hasta entonces, la Les Paul Standard dejó de producirse en 1960 en favor de la nueva Gibson SG, de modo que el número de unidades producido en su primera etapa es muy reducido en comparación con las fabricadas a partir de 1968, y se han convertido, al margen de su calidad sonora, en piezas de coleccionista con carácter de inversión más que instrumentos musicales.2

En 1952 la leyenda de la guitarra Les Paul y Gibson Les Paul se unieron para producir la guitarra que fijan las normas para el sistema eléctrico dentro de un cuerpo sólido, les paul standard. Hasta la fecha la Les Paul Standard sigue siendo el estándar de la industria, ahora está disponible en diferentes colores con Desertburst, Honeyburst, Lightburst, Amber Trans, Vino tinto, y Cherry Sunburst. Características generales es más pequeño, el clavijero estilo vintage y de plástico con sintonizadores de "keystone".32

Abandono temporal de la producción: 1960-1968[editar]

Artículo principal: Gibson SG

Gibson SG con palanca de trémolo Vibrola y el característico doble «cutaway». Entre 1961 y 1963, y hasta que se agotaron las primeras existencias, el modelo siguió incluyendo el nombre de Les Paul en el clavijero, denominándose «Les Paul/SG».33

Las ventas de la Les Paul comenzaron a caer en 1960 debido a la competencia de marcas como Fender, en especial con su modelo Stratocaster, con un doble «cutaway» que permitía alcanzar los trastes más altos sin dificultad, disponía de una eficiente palanca de trémolo,34​ era mucho más ligera y además, mucho más barata. En respuesta, en 1961 Gibson modificó el modelo de la Les Paul reduciendo el grosor del cuerpo y añadiendo el «cutaway» superior, por encima del mástil. Además incorporó una palanca de trémolo Vibrola sobre el puente Tune-O-Matic. Estas modificaciones se hicieron sin el conocimiento de Les Paul, que cuando advirtió estos cambios, se negó a que el modelo llevara su nombre; oficialmente, por el problema de los derechos de autor en pleno proceso de su divorcio de Mary Ford, pero era evidente que no le gustó nada el nuevo diseño.35​ De modo que Gibson tuvo que retirar en 1963 la marca Les Paul del clavijero y sustituirla por la denominación simple SG, abreviatura de Solid Guitar o guitarra de cuerpo macizo. Éste sería el nuevo estándar de las guitarras eléctricas Gibson, hasta la reintroducción en el mercado de las Les Paul Standard, Les Paul Custom y otros modelos a partir de 1968, aunque la Gibson SG no dejó de fabricarse y continúa haciéndose en la actualidad.33

Existen numerosísimas series y variantes de la Les Paul. El modelo Studio, el Standard y el Custom son los más producidos. Existen también líneas "signature", auspiciadas por guitarristas populares. Por ejemplo Les Paul Boneyard Joe Perry Signature. El propio Les Paul en sus últimos años utilizaba una versión llamada Les Paul Recording, en la cual se incorporaban nuevas tecnologías junto con unas pastillas single coil que solo se ocuparon en esta versión de la guitarra.

Usuarios conocidos[editar]

Artículo principal: Anexo:Usuarios de la Gibson Les Paul

Diseño y sonido de la guitarra Les Paul[editar]

GibsonLesPaulStudio.jpg

El pesado cuerpo de la Les Paul está formado en la mayoría de los modelos por una base de dos piezas de caoba, que le dan un timbre cálido y denso, y una tapa de arce tallada, que aporta mayor definición al sonido. Otra particularidad es el mástil, que parece encolado en vez de ser atornillado como los modelos Fender. Éste es también de caoba, y puesto que se trata de una madera porosa y relativamente blanda, presenta un perfil cercano al de una guitarra española, mucho más grueso y cuadrado que el de una stratocaster, por ejemplo. Esto también hace que el mástil sea el punto débil de la guitarra: es muy difícil sustituir un mástil encolado, y la caoba puede romperse con más facilidad que el arce empleado en otros mástiles.

El sonido de la Gibson Les Paul es lleno y con predominio de las frecuencias medio-graves. Esto, junto a la mayor duración de la nota (sustain) que proporciona el conjunto de sus elementos (bending, debido a que su mástil es más corto que el de otras guitarras) la han hecho muy popular entre los guitarristas del rock clásico, y es una de las guitarras más vendidas desde la invención de la guitarra eléctrica. Los acordes suenan bien empastados, y las líneas melódicas presentan un carácter oscuro y cálido que señala la filiación original del modelo a un famoso músico de jazz.

Una desventaja es que los trastes más agudos son difíciles de alcanzar, en comparación con otras guitarras que tiene un recorte. Esto se debe a la anchura del cuerpo. Y otra diferencia también notable es el puente fijo, es lo que le da más "sustain" pero reduce la posibilidad de crear sonidos y efectos diferentes, a diferencia de una guitarra con un puente Floyd Rose. Aunque estas dos características han sido contrarrestadas con la Les Paul Axcess, que tiene un rebaje al final del mástil para llegar a los últimos trastes y un puente floyd rose, aparte de otras innovaciones.

Bajo Les Paul[editar]

El bajo Gibson Les Paul comezó a fabricarse en 1969, poco después del relanzamiento en 1968 de una nueva línea de guitarras Les Paul. Originalmente se trataba de un bajo "short scale" similar al EB0 y al EB3, de cuatro cuerdas y con mástil encolado. El primer modelo destacaba por su circuito de baja impedancia, pensado para lograr un mejor sonido en las grabaciones de estudio, esto hizo que fuera denominado como Les Paul Recording Bass. En 1971 apareció la versión con circuito de alta impedancia denominado Les Paul Triumph y más pensado para su uso en actuaciones en directo.

Al igual que las guitarras Les Paul de cuerpo macizo, tenía cuerpo y mástil de caoba. En 1973 se hizo la primera versión del bajo con cuerpo hueco, un bajo "long scale" (34 1/2") con dos cortes sobre el cuerpo. Aunque mantenía el nombre de Les Paul Bass tenía un diseño muy diferente al de los anteriores modelos.

En 1979 Gibson dejó de fabricar este modelo que no volvería a hacerse hasta mediados de los 90. Volvieron a fabricarse tanto las versiones de cuerpo sólido (liso o arqueado) como las de cuerpo hueco, y se añadió una versión de cinco cuerdas al catálogo. La primera remesa de la década de los 90 montaba pastillas bartolini y destacaba por no tener selector de pastillas. En 1997 se hizo el último rediseño, con un cuerpo de menor peso, tapa de arce, unas pastillas humbucker de alta ganancia y un selector de pastillas de tres posiciones.

En 2006 dejó de fabricarse y Gibson redujo su catálogo de bajos a las diversas versiones del Thunderbird.

En 2013 Gibson ha vuelto a lanzar una reedición de los bajos Les Paul Standard expuestos a la venta en 1997, a destacar entre los colores; Ebony, Trans Red, Heritage Cherryburst y Gold.

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