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formas de grabar y producir tu propio material

2000360219355 2desde que se abarataron los costos de los equipos de produccion de musica grabar un videoclip no es una odisea o grabar instrumentos en tu home studio necesitas unos microfonos sean condensers cardioides o los mas baratos tipos de karaoke los podes insertar en la placa on board de la pc y tomar de ahi el sonido de aire del mismo o interfaces de guitarra o sea placas especializadas para grabar guitarras voces y bajos y para los bolsillos menos pudientes interfaz de una sola entrada en la cual grabas la guitarra con tu daw preferido nuendo protools adobe audition etc mas programas simuladores de amplis guitar rig amplitube waves gtr 3 o tomar del ampli con microfonos y tus pedales el audio crudo de la toma del track que deseas grabar y retocarlo con plugins hoy todo es posible con un poco de meter mano prueba y error hasta que llegues al sonido deseado para lograr en casa un sonido profesional si deseas lanzar un single ep o disco y subirlo a youtoube la musica es para compartir en el terreno acustico sea guitarra criolla podes realizar tomas en la boca de resonancia del instrumento con el microfono o grabar con tu smarthphone el sonido y retocarlo con plugins meterle delay para no sonar tan seco o un eco o chorus o efecto que deseas obtener esto es un rompecabezas y lo armas vos tu oido es tu mejor juez o un amigo que te diga esto sirve o mejora esto o aquello tambien vamos a pasar a realizar videoclips antes era imposible si no contratabas un estudio audiovisual pero lo podes realizar vos con la camara de tu smarthphone o camara digital un editor de video sony vegas wondershare filmora o windows movie maker es muy basico pero si haces producciones sencillas es recomendable si la pc es vieja si no con el sony vegas y wondershare se logran grandes resultados en mi canal de youtoube he logrado grandes producciones usando la inventiva y la prueba y error asi que como dijo tony montana the world is yours el mundo es tuyo proba hasta lograr el resultado que quedes conforme ah me olvidaba tambien podes usar tu vieja pedalera conectandola al line in de tu placa on board con conector miniplug si tenes la compu con recursos limitados con proceso de plugins de adobe audition o audacity podes lograr grandes cosas a por ello si tenes espiritu creativo dejalo salir y que el mundo lo vea no te centres en la fama y esas mamadas o mente de rockstar sexo drogas y rock se profesional labura entregate a la musica que todo a su momento llega preocupate por tener material solido y un gran repertorio para tocar sin fallas o las menos posibles y lucha por tus sueños estan a un click de distancia 

paco de lucia

Francisco Sánchez Gómez (AlgecirasEspaña21 de diciembre de 1947 - Playa del CarmenMéxico25 de febrero de 2014),1​ más conocido como Paco de Lucía,2​ fue un músicoguitarrista y compositor español de flamenco.345

Hermano menor de la dinastía de «Los Lucía», junto a Ramón de Algeciras y Pepe de Lucía, recibió como estos educación musical de la mano de su padre, Antonio Sánchez Pecino, también guitarrista. En un ambiente familiar muy cercano al mundo flamenco, Paco de Lucía pronto tomó contacto con algunas de las principales figuras del mundo flamenco, entre las que algunas de sus principales influencias fueron el Niño Ricardo y Sabicas. Tras darse a conocer al mundo flamenco español en el Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera de 1962, grabó sus primeros discos junto a su hermano Pepe formando parte del conjunto Los Chiquitos de Algeciras. En los años siguientes colaboró al toque con los cantaores Fosforito y El Lebrijanoy desde 1969 con Camarón de la Isla.6

A partir de la publicación de Fuente y caudal en 1973, su música llegó al público mayoritario. Con el paso de los años su música fue progresivamente abriéndose a nuevos estilos al tiempo que comenzaba a interpretarse en ámbitos más alejados de los tradicionales tablaos españoles y latinoamericanos. Actuó con éxito en EuropaNorteamérica y Japón, ocupando estas giras la mayor parte de su tiempo.7

Considerado una de las principales figuras del flamenco actual, se le atribuye la responsabilidad de la reforma que llevó este arte a la escena musical internacional gracias a la inclusión de nuevos ritmos desde el jazz, la bossa nova y la música clásica. De este modo destacan sus colaboraciones con artistas internacionales como Carlos SantanaAl Di Meola o John McLaughlin, pero también con otras figuras del flamenco como Camarón de la Isla o Tomatito, con quienes modernizó el concepto de flamenco clásico.89​ A lo largo de su carrera grabó un total de 38 discos, incluyendo cinco antologías y cinco discos en directo, además de numerosas colaboraciones al toque de cantaores e intérpretes de numerosos estilos musicales.10

Recibió, entre otros muchos galardones, dos premios Grammy latinos por sus álbumes Cositas buenas (2004) y En vivo Conciertos España (2010),11​ el Premio Nacional de Guitarra de Arte Flamenco, la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes(1992), Hijo predilecto de la provincia de Cádiz (1997), Hijo predilecto de Algeciras (1998), la Medalla de Plata de Andalucía, la Distinción Honorífica de los Premios de la Música (2002), el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2004),12​ Doctor Honoris Causa por la Universidad de Cádiz (2009) y por el Berklee College of Music (2010).13

Índice

Carrera musical[editar]

Casa natal de Paco de Lucía, número 8 de la calle San Francisco de Algeciras.

Francisco Sánchez Gómez nació en el número 8 de la calle San Francisco de Algeciras en el popular barrio de La Fuentenueva. Fue el menor de cinco hermanos, hijo de Lucía Gomes Gonçalves «La Portuguesa» y Antonio Sánchez Pecino, tocador aficionado de guitarra que había aprendido de la mano de Manuel Fernández «Titi de Marchena» (primo hermano de Melchor de Marchena) y que trabajaba en tablaos y fiestas de la localidad con el nombre de «Antonio de Algeciras», al tiempo que se dedicaba a la venta de fruta en la plaza de abastos de la localidad y a la venta ambulante de telas.14

Paco de Lucía en 1972.

Gracias a sus amistades en el mundo del flamenco de la localidad, Antonio Sánchez pudo poner a sus hijos en contacto con algunos de los mejores artistas de su tiempo, como Antonio «El Chaqueta»«Chato» MéndezRafael el Tuerto«el Brillantina de Cádiz» y Antonio Jarrita. De este modo pudo enseñar a todos sus hijos una profesión a la que preveía futuro, y pronto fueron tres de ellos los que destacaron en las artes flamencas, RamónPepe y Francisco. Sus otros dos hijos, Carmen y Antonio, también estudiaron cante y guitarra, aunque no acabaron dedicándose a ello. Así, al cumplir Francisco cinco años su familia se trasladó a la calle Barcelona del barrio de «La Bajadilla», y a partir de los seis años comenzó a recibir clases de guitarra de la mano de su padre y de su hermano Ramón.15​ Por deseo de su padre se dedicó a aprender los fundamentos de la guitarra flamenca, manteniéndose alejado de virtuosismos y centrándose en los estándares del toque y en el acompañamiento del cante, tanto de su hermano Pepe como de su hermana María.16

A partir de los once años comenzó a dedicar más tiempo al aprendizaje de la guitarra tras haber tenido que abandonar los estudios. En su preparación musical fue decisivo el contacto que su familia tenía con el más afamado guitarrista de su tiempo, Niño Ricardo, que solía visitarlos a menudo y, a partir de 1960, el descubrimiento de Agustín Castellón «Sabicas», después de que sus discos comenzaran a llegar al país.17​ Conocido ya en el ámbito local, actuó por primera vez en el cine Terraza de Algeciras a finales de 1959 junto a su hermano Pepe, con quien formó poco después un conjunto flamenco llamado Paco y Pepe de Algeciras y poco después Los Chiquitos de Algeciras.18

Tras grabar tres elepés con Hispavox en 1961, ambos hermanos se presentaron en 1962 al Concurso Internacional de Arte Flamenco de Jerez de la Frontera, donde Pepe ganó cantando por malagueñas, y a Paco, que era demasiado joven para participar, se le concedió el premio Javier Molina, creado ex profeso para él.19​ Los premios ganados, 35 000 pesetas por parte de Pepe y 4 000 de Paco, junto al dinero que enviaba el hermano mayor Ramón mientras trabajaba en el conjunto de Juanito Valderrama, permitieron que la familia mudara su residencia a la calle Ilustración de Madrid.18

Paco de Lucía en 2007.

Pronto los dos hermanos Pepe y Paco comenzaron a trabajar en tablaos de la capital de España, de tal modo que en 1963 fueron contratados por José Greco, director de una compañía de ballet clásico español, para realizar una gira de nueve meses por Sudamérica.20​ A la vuelta participaron en la grabación de varios discos acompañando en el toque a Fosforito y El Lebrijano, y grabaron un disco como «Los Chiquitos de Algeciras», donde versionaba temas populares iberoamericanos. En 1967 Paco de Lucía, tras haber viajado por varios países europeos con el Festival Flamenco Gitano, grabó su primer disco en solitario, La fabulosa guitarra de Paco de Lucía, entablando sus primeros contactos con el mundo de la música de jazz gracias a Pedro Iturralde, con quien grabó también dos discos llamados Flamenco Jazz, y conociendo a Camarón de la Isla.2122​ La amistad con el cantaor isleño se tradujo en la participación del guitarrista, también de su hermano Pepe, en sus siete primeros discos como acompañamiento y en la aparición de ambos en el film Sevillanas de Carlos Saura de 1992.23

Paco de Lucía en Buenos Aires (Argentina) a finales de 1970.

Su disco Fuente y caudal de 1973, en el que se encontraba la rumba Entre dos aguas, alcanzó en pocos meses el número uno en ventas en España y propició el acercamiento del guitarrista al gran público y el reconocimiento mundial. Fruto de ello fue su actuación de 1975 en el Teatro Real de Madrid,24​ y, sobre todo, los nuevos trabajos en el mundo del jazz con actuaciones junto a Carlos Santana y a Al Di Meola, en 1977, y en las giras europeas y japonesas de este último, John McLaughlin y Chick Corea, a partir de 1980.25​ Estas actuaciones con artistas internacionales se complementaban con las que realizaba con su sexteto, más flamenco, formado por sus hermanos Pepe y Ramón, Jorge PardoCarles BenaventRubem Dantas y Manolo Soler.26

Abierto a nuevas músicas, Paco de Lucía fue abandonando el flamenco más académico con sus posteriores discos, Sólo quiero caminar(1981), en menor medida Siroco (1987) y principalmente con Zyryab (1990), disco en el que mejor se aprecia la fusión flamenco-jazz con el uso de teclados o pianos junto a los tradicionales instrumentos y la participación de artistas como Chick Corea o Manolo Sanlúcar. En los años siguientes grabó varios discos en directo, entre ellos uno de música clásica, el Concierto de Aranjuez (1991), y dos discos de flamenco-jazz, hasta que en 1998 publicó Luzía, homenaje a su madre que había fallecido un año antes y a Camarón de la Isla, y Cositas buenas (2004), que muestran ya la madurez del artista.27

Influencias y características de su interpretación[editar]

Paco de Lucía en el Vito Jazz Festival en julio de 2010.

Paco de Lucía recibió la influencia de dos escuelas, la del Niño Ricardo (1904-1972), considerado como una de las figuras más destacadas de la guitarra flamenca y el precursor más directo de Paco de Lucía, y la de Sabicas (1912-1990), a quien se considera como el máximo influyente en el desarrollo y perfeccionamiento de la guitarra flamenca como instrumento de concierto (antes, la guitarra era un instrumento de acompañamiento al cantaor).

La contribución de Sabicas en el flamenco es doble, por un lado amplía la técnica de la guitarra flamenca (inventó, por ejemplo, la alzapúa en una cuerda y el rasgueo de tres dedos), y por otro destaca como un compositor de categoría, ya que sus obras se caracterizan no por unir falsetas ―frases líricas que toca el guitarrista cuando el cantaor deja de cantar―, sino por crear una estructura melódica, rítmica y armónica perfectamente coherente de principio a fin, como en cualquier obra clásica, cosa que en el flamenco nunca se había hecho, a excepción de algunas figuras coetáneas ―por ejemplo, Esteban de Sanlúcar (1910-1989), en creaciones como Mantilla de feria o Panaderos flamencos―. Pocas cosas cabe objetar al toque de Sabicas, que gozaba de una extraordinaria técnica con una amplia sonoridad ―muchas veces tocaba en los escenarios sin micrófono― debida a su fuerte pulsación y a la enorme calidad de sus composiciones.

Yo no necesito nada, estaría todo el día echado. Soy el más indolente del mundo. Lo que pasa es que entro en la rutina y tengo compromisos, hago giras, más que ir yo, me llevan.

Paco de Lucía, en 2011.28

Escultura de Paco de Lucía, obra de Nacho Falgueras de 1994, en su localidad natal.

La mayor contribución de Paco de Lucía al flamenco es la de haber conseguido popularizarlo e internacionalizarlo, aunque ello haya supuesto muchas veces una merma de la pureza en el toque. Está considerado como un espléndido intérprete por su virtuosismo y su personalísimo estilo, que se puede definir como vigoroso y rítmico. Este estilo se manifiesta en la calidad de numerosas obras del artista.[cita requerida] Entre ellas, Entre dos aguas (rumba), La Barrosa (alegrías), Barrio la ViñaHomenaje al Niño Ricardo (soleá), Almoraima(bulerías), Guajiras de Lucía y Río Ancho (rumba).[cita requerida]

Es importante además el esfuerzo que ha realizado este artista por dar a conocer el flamenco al público de fuera de España y el haberse atrevido a "darle otro aire" mezclándolo con otros estilos, que, aunque de estructuras melódicas y rítmicas diferentes, pueden congeniar bien con él. Paco de Lucía ha abierto el camino para este tipo de experimentaciones y fusiones del flamenco con diversas músicas.[cita requerida]

Otro aporte de Paco de Lucía al arte flamenco contemporáneo ha sido la inclusión del cajón. Este instrumento de la música afroperuana es conocido por Paco de Lucía en Perú a fines de los años setenta, de manos de Carlos Caitro Soto de la Colina, cajonero y compositor peruano. Paco de Lucía intuye y entiende, al conocer este instrumento peruano, que puede ser una solución a la permanente necesidad de percusión que requiere el flamenco, y lo añade, en complicidad con Rubem Dantas, a los elementos percusivos utilizados en su sexteto de entonces, convirtiéndose el cajón desde ese momento y con el paso del tiempo en un instrumento imprescindible del arte flamenco contemporáneo y, luego, de otras corrientes musicales internacionales. Como lo ha dicho ello mismo a Enrique Planas, del periódico peruano "El Comercio", el 6 de octubre del 2013, antes de su regreso al país tras 16 años de ausencia29​:

« - Enrique Planas: ¿Qué recuerda del viaje al Perú cuando descubrió el cajón?

-Paco de Lucía: Eso fue decisivo. No solo para mí sino para la música en general. Siempre le llamo "el cajón peruano". Hay mucha gente que no sabe de dónde es el cajón, y yo siempre lo estoy reivindicando. Siempre hablo de Caitro Soto, que fue quien me lo vendió. Lo vi por primera vez en una fiesta en la Embajada de España en Lima, donde estaba con Chabuca Granda. Y tocó el cajón. Allí me dije: "Este es el instrumento que necesita el flamenco". Hasta entonces, usábamos los bongós y las congas, pero aquello era más caribeño, no sonaba a flamenco. Advertí que el cajón tenía el sonido grave de la planta del pie de un bailaor y también el agudo de su tacón. [...] Era perfecto. Sé que hay mucha gente en el Perú que dice que los flamencos nos hemos robado el cajón, pero no es así. Yo siempre, a mucha honra, hablo del cajón del Perú. Estaré siempre agradecido por aquel viaje y aquella noche puntual en la que pude descubrir ese instrumento que ya no solo tocan los flamencos. Ahora cualquier grupo de rock, pop o de la música que sea tiene un cajonero. »

Vida privada[editar]

El guitarrista era un gran aficionado al fútbol, reconociendo ser seguidor del Real Madrid. En edad temprana jugó en el Atlético Los Barrios, para más tarde exigir a la dirección de sus tours la organización de partidos entre su grupo y otros aficionados30

Cuba de vino firmada por Paco

El guitarrista contrajo matrimonio con Casilda Varela Ampuero en enero de 1977 en Ámsterdam, ciudad a la que tuvieron que viajar dada la oposición a la boda de la familia de la novia.31​ El matrimonio tuvo tres hijos: Casilda (1978), Lucía (1979) y Francisco (1983).32​ La madre de Casilda Varela, Casilda Ampuero, pertenecía a la oligarquía de Neguri procedente de Durango. El abuelo materno, José María Ampuero Jáuregui, fue alcalde foral de Durango y diputado provincial a Cortes y su padre, el general Varela, fue un militar muy destacado que llegó a ser ministro del ejército con Franco. Esta familia tenía en propiedad la casa "Etxezuri" ("casa blanca" en vasco) en la localidad vizcaína de Durango, a donde Paco de Lucía se retiraba para descansar y componer entre sus giras.31

Después de veinte años, el matrimonio se separó. Paco conoció en Cancún a la que luego fue su segunda esposa, la restauradora mexicana Gabriela Canseco, y poco tiempo después se casaron por lo civil de forma discreta. Con Gabriela tuvo dos hijos, Antonia (2001) y Diego (2007).33

Paco de Lucía vivió sus últimos meses en Playa del Carmen, una pequeña ciudad caribeña localizada en el estado de Quintana RooMéxico, a unos kilómetros de Cancún.34​ En una entrevista para Magazine del diario El Mundo aseguró que «Allí es donde de verdad disfruto en Playa del Carmen, con su mar tranquilito. Voy, me alquilo una casa y me dedico a la pesca submarina. Y luego me cocino lo que he pescado y ya está. No quiero más que eso. Ahora pienso mucho en el tiempo, que ya no tengo tanto. Por primera vez creo que tengo que darme prisa y quedarme más tiempo en casa y dedicarme a componer, que es en definitiva lo que va a quedar. Los conciertos se los lleva el aire».35

Fallecimiento[editar]

Paco de Lucía falleció a consecuencia de un infarto cardíaco el martes 25 de febrero de 2014 en la ciudad mexicana de Playa del Carmen en el estado de Quintana Roo, donde fue trasladado desde Tulum, lugar en que residía prácticamente todo el año. Según diversas fuentes, jugaba en la playa con sus hijos cuando empezó a sentirse mal. El artista falleció en el área de urgencias del Hospital Hospiten, al que llegó con un fuerte dolor de tórax.36​ Había dejado de fumar 2 semanas antes de su deceso.37​ Tras su muerte un año después el martes 25 de marzo de 2015 el Metro de Madrid inauguró una estación con el nombre Paco de Lucía. Tras conocerse la noticia se sucedieron los mensajes de pésame a la familia y de alabanza al guitarrista.38​ También se le rindió homenaje en el LV Festival Internacional de la canción de Viña del Mar 2014 con un poema leído por Rafael Araneda, a través de una carta enviada por la familia del músico.39

Lápida de "Paco de Lucía" en el Cementerio Viejo de Algeciras.

Su cuerpo fue trasladado desde Cancún hasta Madrid el día 28 de febrero haciendo escala en Newark en un vuelo comercial. Ya en la capital de España se ubicó la capilla ardiente en el Auditorio Nacional de Música, a pesar de que en un primer momento se había anunciado que iba a ser en el Teatro Real,40​ a partir de las 13:30. Durante las cinco horas que duró el velatorio numerosas personalidades acudieron a presentar sus condolencias a la familia, entre ellos el Rey de España Felipe de BorbónJosé MercéVicente AmigoJoaquín CortésRosario FloresAlejandro Sanz y Tomatito.4142

A última hora de la tarde su cuerpo fue trasladado en coche a Algeciras, donde llegó poco antes de la una de la madrugada del sábado día 1. En la ciudad, que había decretado tres días de luto, la capilla ardiente se situó en el Salón de plenos de la Casa Consistorial y fue velado durante toda la noche hasta su traslado a la iglesia de Nuestra Señora de la Palma a mediodía.43​ Tras la misa el cortejo se trasladó al Cementerio Viejo, donde en un acto íntimo al que únicamente acudieron la familia y las personas más cercanas al artista, muchos de ellos representantes del mundo flamenco como PansequitoPaco CeperoCristina HoyosCapullo de Jerez o Raimundo Amador, se le dio sepultura en el patio de San José, en el que también reposan sus padres.44​ Pocos meses después, se levantaba un mausoleo en su honor en el lugar.45

gibson sg seguimos hablando de violas

La Gibson SG es un popular modelo, considerada una de las mejores guitarras eléctricas de cuerpo macizo que se introdujo a principios de la década de 1960.

Es similar al modelo Gibson Les Paul, pero es más ligera debido sobre todo a que el cuerpo es más estrecho y con double-cutaway (doble "recorte", por encima y debajo del mástil). Como fue considerado en sus primeros dos años de circulación (1961-1963) como "Les Paul", el modelo tiene las mismas variaciones de este otro modelo, de las cuales son las principales y más populares la Standard (la más exitosa y vendida), la Custom (que viene acompañada con tres pastillas doradas, siendo con una pastilla humbucker más que la Standard, y más costosa), la Junior (tradicionalmente considerada como un modelo para estudiantes y que contiene una sola pastilla P-90) y la Special (que en su primera etapa de circulación tenía dos pastillas P-90, para que luego pase a poseer pastillas humbuckers cubiertas). Existen otras variaciones posteriores y menos populares. También tiene su versión en bajo, de nombre homónimo en sus actuales circulaciones, aunque en anteriores versiones se llamaba EB (con variaciones como la EB-0 y EB-3).

Índice

Historia[editar]

En 1960, las ventas de la guitarra Gibson Les Paul cayeron muy por debajo de lo que en otros años se viera, así que en 1961 el modelo recibió un cuerpo completamente renovado que era más delgado y con dos agudos cuernos recortados que hacían a los trastes superiores más accesibles, todas estas modificaciones abarataban los costos de producción, y así en 1961 salió la nueva Gibson Les PaulLes Paul al ver el modelo (Gibson no le avisó de las modificaciones) en el aparador de una tienda, quiso que su nombre fuera retirado de "esas guitarras", decía que esa no era su guitarra, pero Gibson ya tenía fabricados demasiados protectores con la firma de Les Paul así que el modelo siguió llevando su firma por varios años más. Entonces Gibson dio a esta guitarra el nombre "SG", abreviatura de "Solid Guitar" (guitarra de cuerpo sólido). Entre los guitarristas que usaron y usan esta guitarra se encuentra principalmente:


Los dos mayores representantes de la Gibson SG son Angus Young, guitarrista de AC/DC, y Tony Iommi de Black Sabbath.

En la década de 1970 , aparecieron otras marcas y modelos que emulaban el estilo de Gibson, copiando también sus clásicos modelos Les Paul y SG. La japonesa Yamaha sacó a finales de la década modelos SG como los 1000, 2000 y 3000, los cuales fueron usados por guitarristas protagónicos y no tan protagónicos de la época. En Inglaterra aparecieron las marcas John Birch (Birmingham) y Gordon Smith (Mánchester).

Las SG fueron usadas en la época punk de la década de 1970 por Brian James y Captain Sensible de The Damned,1​ Nicky Garratt de U.K. Subs,2​ y otros. En la siguiente época, la del new wave, el modelo tuvo usuarios como Bernard Sumner de Joy Division y New Order, Adrian Borland de The Sound, y otros.

Modelos y variaciones[editar]

Los modelos Custom de 1961-63 no llevan la insignia 'SG', pero lo son, sin embargo, tienen la firma Les Paul entre el mástil y la pastilla grave. Los modelos Standard tienen "Les Paul" grabado en la tapa que cubre el alma desde 1961 hasta principios de 1963. Los modelos producidos entre 1961 y 1965 tienen golpeador (protector) pequeño; los modelos posteriores a 1965 tienen golpeador grande, alrededor de las pastillas (sin embargo aún están disponibles variantes y re-ediciones con el golpeador pequeño).

Con la forma de SG también se ofreció un modelo Junior similar al anterior Les Paul Junior. Este modelo tiene una única pastilla P-90 y palanca vibrato opcional. La SG Special fue introducida poco más tarde con dos pastillas P-90 y palanca de vibrato opcional.

En 1961 se lanzó una línea de bajo, el Gibson EB-3 y en la actualidad hay otro modelo del mismo estilo llamado Gibson SG Bass. El bajo Gibson EB-0 sufrió unas transformaciones el año 1961, que lo dejaron con un diseño muy similar a la SG.

A principios de los '70 aparecieron varios cambios en diferentes modelos, desde las SG-100 y SG-200 de bajo coste hasta las lujosas SG Pro y SG Deluxe pero las a finales de los '70 se volvió a los estilos antiguos.

También existe un modelo con doble mástil que tocaron Jimmy Page , Slash y Pete Townshend.

Actualmente Gibson ofrece muchas variaciones sobre el cuerpo básico de estilo SG, incluyendo modelos como SpecialSupremeAngus Young SpecialFaded y Gothic.

Epiphone, marca filial de Gibson, también ofrece varios modelos de la SG llamados G- y acompañados de un número según sea el caso como el G-400 que es el más común, el G-310 y de la 1961 Epiphone Les Paul Custom, así como una de doble mástil llamada Epiphone G-1275

 

joe satriani reseña de su carrera

Joe Satriani
Joe satriani.jpg

Joe Satriani en 2003.

Datos generales
Nombre real Joseph Satriani
Nacimiento 15 de julio de 1956 (62 años)
Origen Bandera de Estados Unidos WestburyNueva YorkEstados Unidos
Nacionalidad Estadounidense
Ocupación Músico
Información artística
Otros nombres "Satch" "Maestro de maestros"
Género(s) Rock instrumental
Blues rock
Jazz rock
Hard rock
Heavy metal
Metal progresivo 
Shred
Instrumento(s) GuitarrabajotecladosVozarmónicabanjo
Período de actividad 1978 - presente
Discográfica(s) Epic Records
Artistas relacionados Deep Purple
Theo Gantz
G3
Steve Vai
Chickenfoot
Jordan Rudess
Possessed
Jason Becker
Web
Sitio web http://www.satriani.com
Ficha Joe Satriani en IMDb

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Joe "Satch" Satriani (WestburyNueva York15 de julio de 1956) es un guitarrista de rock instrumental estadounidense. Ha recibido 15 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.1

Según otros guitarristas ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells y tap harmonics. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre sus alumnos se incluyen:[cita requerida] Steve VaiTom MorelloAlex SkolnickLarry LaLondeAndy TimmonsReb BeachRick HunoltCharlie Hunter y Kirk Hammett.

Índice

Carrera[editar]

Primeros Años[editar]

Descendiente de italianos, Satriani nació en Nueva York. Su pasión por la guitarra empezó a la edad de 14 años, después de enterarse de la muerte de Jimi Hendrix.2​ En 1974 Satriani empezó a estudiar música con el guitarrista de jazz Billy Bauer y el pianista Lennie Tristano. Este último fue una gran referencia para el sonido virtuoso de Joe. Satriani pasó de ser alumno a enseñar guitarra, siendo Steve Vai su pupilo más notable.

En 1978, Satriani se trasladó a Berkeley, California para iniciar una carrera musical. Establecido en California, continuó con la docencia musical. Entre sus estudiantes destacaron Kirk Hammett de MetallicaDavid Bryson de Counting CrowsKevin Cadogande Third Eye BlindLarry LaLonde de Primus y PossessedAlex Skolnick de TestamentRick Hunolt de ExodusPhil Kettner de Lääz RockitGeoff Tyson de T-RideCharlie HunterDavid TurinEric Kauschen

Ochentas y Noventas[editar]

Satriani inició su carrera en la agrupación The Squares. Luego fue invitado a unirse a la banda de Greg Kihn, el cual se encontraba en el final de su carrera musical, pero que generosamente se encargó de ayudar a Satriani a pagar la deuda de la grabación de su primer trabajo discográfico, Not of This Earth. Cuando su amigo y antiguo alumno Steve Vai consiguió fama tocando para la agrupación de David Lee Roth en 1986, seguía mostrando gran admiración por Joe en muchas entrevistas.

En 1987 grabó su segundo álbum, Surfing with the Alien, con el que consiguió un gran reconocimiento en la escena, logrando posicionarse muy alto en las listas, algo poco común tratándose de un álbum completamente instrumental. De dicho álbum lograron radiodifusión las canciones "Satch Boogie" y "Surfin' With the Alien". En 1988 Satriani colaboró en la producción del EP The Eyes of Horror de la banda de death metal Possessed. En 1989 lanzó el álbum Flying in a Blue Dream, al parecer inspirado en la reciente muerte de su padre, quien falleció en 1989 durante las grabaciones del disco. La canción "One Big Rush" hizo parte de la banda sonora de la película de Cameron Crowe Say Anything.... "The Forgotten Part II" fue utilizada en un comercial canadiense de la marca Labatt Blue en 1993.

Satriani con Steve Vai y John Petrucci como parte del tour G3 en Melbourne, Australia (Diciembre de 2006)

En 1992, Satriani lanzó The Extremist, su álbum más exitoso y aclamado hasta la fecha. La canción "Summer Song" gozó de plena radiodifusión, además de hacer parte de un comercial de la marca Sony.3​ "Cryin'," "Friends" y la canción homónima también lograron conquistar las radios de la época. A finales de 1993, Joe se unió temporalmente a la legendaria agrupación Deep Purple, reemplazando al guiarrista Ritchie Blackmore durante una gira de la banda por Japón. Los conciertos fueron un éxito, por lo que se le ofreció a Joe ser un miembro permanente de la banda. Satriani decidió rechazar la oferta, pues previamente había firmado un contrato con Sony Records para la grabación de varios álbumes más. El guitarrista Steve Morse tomó finalmente el puesto que dejó vacante Satriani en Deep Purple.4

En 1996 fundó el G3, un proyecto que constaba de tres guitarristas virtuosos. La formación original incluía a Satriani, Vai y Eric Johnson. El G3 ha continuado de forma periódica desde su creación, siendo Satriani el único músico que ha permanecido inamovible en el proyecto. Otros guitarristas que han participado del proyecto son: Yngwie MalmsteenJohn PetrucciKenny Wayne ShepherdRobert FrippAndy TimmonsUli Jon RothMichael SchenkerAdrian LeggPaul GilbertSteve Morse y Steve Lukather. En 1998 Satriani grabó el álbum Crystal Planet, con un sonido que recuerda al de sus discos de finales de los ochentas. Engines of Creation, uno de sus álbumes más experimentales, vio la luz en el año 2000, seguido por su primer directo titulado Live in San Francisco, lanzado en formato de disco dual.

2000–presente[editar]

Joe Satriani junto a Stuart Hammen el 2008.

Durante la década del 2000, Satriani grabó álbumes de manera constante, incluyendo Strange Beautiful Music en 2002 y Is There Love in Space? en 2004. En mayo de 2005, Satriani dio conciertos en la India por primera vez, dando recitales en DelhiKolkata y Mumbai. En 2006 grabó Super Colossal y Satriani Live!, extraído de un concierto en Anaheim, California.

En diciembre de 2008, Satriani demandó a la banda Coldplay, al tener la progresión de acordes, la melodía y la dinámica en la canción "Viva la Vida" igual a la de su canción "If I Could Fly" (2004). En septiembre de 2009, ambas partes llegaron a un acuerdo extrajudicial. En 2008 grabó el disco Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock. En mayo de 2010, Satriani anunció la grabación de un nuevo álbum seguido de una gira. El disco fue titulado Black Swans and Wormhole Wizards, y vio la luz en octubre de 2010.5

En mayo de 2013, Joe lanzó su álbum de estudio número 14, titulado Unstoppable Momentum.6​ El disco fue acompañado de una extensa gira que llevó a Joe a países que no había visitado frecuentemente, como Colombia. Un box-set titulado Joe Satriani: The Complete Studio Recordings, conteniendo versiones remasterizadas de Not of This Earth a Unstoppable Momentum, fue lanzado el 22 de abril de 2014. Un libro llamado Strange Beautiful Music: A Memoir se lanzó para coincidir con la fecha de lanzamiento del box-set.7

En agosto de 2014, Satriani participó en el G4 Experience, un campamento de guitarra de una semana de duración junto a los guitarristas Paul GilbertAndy Timmons, y el teclista Mike Keneally.8

En febrero de 2015 se anunciaron las primeras fechas del Shockwave World Tour, iniciando en la ciudad de Manchester el primero de noviembre de 2015, en soporte de su álbum de estudio número 15, que sería lanzado en julio del mismo año.9

Satriani en BogotáColombia, en el marco del tour Unstoppable Momentum, en 2014

Chickenfoot[editar]

Actualmente además de continuar como guitarrista solista, se ha unido con figuras históricas del rock para formar la banda Chickenfoot, junto al ex cantante de Van Halen Sammy Hagar, el ex bajista de la misma banda Michael Anthony, y el baterista de los Red Hot Chili Peppers Chad Smith.

Colaboraciones con otros artistas[editar]

Satriani ha hecho apariciones en varios trabajos discográficos de otros artistas, incluyendo Hey Stoopid de Alice CooperBreak Like the Wind de Spinal TapImaginos de Blue Öyster Cult, y los discos solistas de Stu Hamm y Gregg Bissonette. Fue corista en el álbum debut de la banda Crowded House. En 2003, tocó la guitarra en el disco Birdland de los legendarios Yardbirds. En 2006, participó en algunas canciones del disco Gillan's Inn del cantante de Deep Purple, Ian Gillan.

En el disco Systematic Chaos de Dream Theater, Satriani aportó la letra recitada de la canción "Repentance", además de aportar un solo de guitarra para el álbum Rhythm of Time de Jordan Rudess. Compuso la mayor parte de la banda sonora del video juego NASCAR 06: Total Team Control10​ y contribuyó con Sega Rally Championship, además de aportar la canción "Crowd Chant" en NHL 2K1011​ y Madden NFL 11.12​ Ha aparecido en varias películas, incluyendo For Your Consideration de Christopher Guest, interpretando al guitarrista de una banda.13​ También participa en la película Moneyball, en la que aparece tocando el Himno de los Estados Unidos.

Virtuosismo[editar]

Joe Satriani ha sido reconocido desde sus inicios como un músico de elevadísimo nivel instrumental, desde su consolidación con el célebre disco Surfing with the alien, lanzado a finales de los años '80. Su versatilidad, su limpieza y su creatividad a la hora de tocar y componer le han hecho merecedor de elogios de parte de un sin número de músicos famosos, en su mayoría colaboradores que han compartido escena con él. Por ejemplo, Sammy Hagar, ex vocalista de Van Halen, se refirió a él como El mejor guitarrista con el que he tocado alguna vez,[cita requerida] refiriéndose a su versatilidad para tocar hard rock, heavy metal, jazz y blues con igual facilidad y destreza. Sin embargo, Joe Satriani ha destacado no sólo como un gran guitarrista, sino también por su calidad de multiinstrumentista, plasmada en sus discos por sus ejecuciones de armónica, teclado, bajo, canto e incluso un solo de banjo en el concierto acústico que Stevie Ray Vaughan grabó para MTV en el año 1989, publicado en 1990.

Su estilo ha trascendido en casi tres generaciones musicales, y al día de hoy es un respetado referente de la música moderna, tanto por sus discos como por sus clínicas y lecciones, en las que enseña a guitarristas de todos los niveles su técnica a la hora de tocar. Se le considera por los más audaces como uno de los padres del estilo shred,[cita requerida] e incluso se le ha llegado a tomar como uno de los mejores guitarristas de todos los tiempos.[cita requerida] Además, a diferencia de muchos guitarristas virtuosos, Joe Satriani no ejecuta sus pasajes veloces con alternate picking, sino con legato, siendo el máximo exponente de esta técnica en el panorama de la guitarra moderna.[cita requerida] Si bien el músico que lo llevó a decidir ser guitarrista fue Jimi Hendrix, él ha reconocido en innumerables entrevistas que su influencia técnica proviene de Allan Holdsworth, con quien mantuvo una gran amistad desde 1993.

Discografía[editar]

Artículo principal: Discografía de Joe Satriani

 

mitos de guitarras caras y guitarra entry level

Stratpmbcr largea mi humilde entender al poseer una guitarra de 25000 pesos o dolares o una guitarra de 5000 pesos o cuatro mil dolares hay una brecha corta no enorme por que todo lo demas es marketing si sos  profesional obvio irias por fender gibson ibanez prs y todo eso pero para los bolsillos no pudientes tenemos que recorrer a otros nombres de marcas texas sx cort samick el modelo que quieras sg les paul telecaster superstrat acusticas o de cuerdas de nylon que serian criollas con un pequeño tune up o puesta a punto con un mic tipo ds o de la marcas que desees o los de luthiers artesanales y cambio de clavijas si ya la guitarra no viene con buenas clavijas y buenos trastes un par de problemas menos el resto del sonido esta en la mente los dedos y la ecualizacion fundamental que no sea una bola de ruido si tenes un ampli transistorizado la distorcion no sera buena pero el canal limpio si entonces usa una pedalera multiefecto la marca que mas te guste o te sirva no hay receta para un buen set up es cuestion de que tu oido se entrene y te diga esto va por aqui o por ahi lo mismo con un musico o amigo que toca y te dice esto suena a lata o una bola de graves ajustas el eq el volumen que no sature no te pases en delay que si no no se entiende nada claro como el agua tiene que ser y si conectas estos pedales mas estas violas entry level tuneadas a un valvular sonas de la hostia por no decir de la puta madre en la calle toco con un parlante inhalambrico y estas guitarras entry level trucadas un poco y suenan de diez es todo mito no tengas miedo y comprate esa guitarra barata para divertirte en la calle en la pieza o en pubs o bares no tengas miedo siempre asesorate con alguien que sepa los vendedores de guitarras son como los vendedores de autos venden humo yo tambien me he comido el amague hay que sentarse y probar hasta encontrar la indicada lo mismo que una mujer 

vamos a hablar de encordados

bueno hoy vamos a charlar un poco sobre encordados de guitarra existes calibre 00.8 00.9 00.10 asi hasta llegar a los calibres gruesos que generan un tono mas gordo yo creo que los primeros tres calibres son los que mejor funcionan no generan tanta tension en el mango de la guitarra ni hace que se haga una panza y genere un arco intocable o sea una escoba con cuerdas steve ray vaughan tocaba con 0.13 y 0.14 y afinaba medio tono atras mi bemol para poder hacer estiradas tambien estan los encordados hibridos que son por ejemplo 00.9 abajo y  0.10 arriba esto genera un matiz diferente e interesante los calibres 00.8 son para violas tipo ibanez y velocistas de mango plano pero con cero nueve y cero diez en mi opinion esta bien por que es un standard en violas sg les paul strato o tele estan tambien las cuerdas antirust que hacen que vos las tengas por mas tiempo en tu guitarra y no compres cada dos por tres encordados o estan los limpiadores de encordados que sacan la grasitud y suciedad como los limpiadores jim dumlop otro truco mas casero y efectivo es franela que no deje rastro de desprendimiento sobre el mango y wd 40 las deja como nuevas y tambien si no encontras aceite de limon para hidratar el mango el jhonson baby es el reemplazante perfecto para dejar la madera hidratada y con una buena coloracion para evitar que se seque y deje grietas son trucos que se aprende leyendo de internet o otros violeros asi que el tema cuerdas es un tema de gustos si hay poco presupuesto wd 40 y hacerlas estirar y reemplazar la que se corto comprando una suelta te podes armar el hibrido vos como dije cero diez arriba cero nueve abajo o cero nueve arriba cero ocho abajo es cuestion de gustos limpiar los trastes tambien con la franela seca y cepillo de dientes para no dejar restos de suciedad o sudoracion de manos proba y encontra tu tono juga y que tu oido se tu juez y si no sabes pregunta a musicos experimentados tambien estan los encordados nacionales yo te tiro toda la data despues vos elegis que hacer suerte y que encuentres tu tono definitivo Encordado de guitarra electrica 7 cuerdas magma 009 056 hibrida ge210n

beneficios de tocar como solista y autogestion o tocar en banda

ser musico en estos dias no es nada facil ya que requiere mucho trabajo de produccion musical conocimientos equipamiento horas de entrenamiento sobre el instrumento y mas si pensas en tener una carrera si no contas con el apoyo de una compañia o sello de distribucion digital todo corre por tu cuenta o tu bolsillo tenes que usar los recursos a tu mano para hacerte notar videos promocionales grabados y editados por vos como tambien conseguir conciertos arreglar el pago con el dueño del local o tambien un cachet fijo que no siempre se cumple en argentina como tambien pagar a productoras que te cobran fortunas para tocar y no ganas dinero alguno y se llenan sus bolsillos a costa de uno a base de esfuerzo ser musico no es facil hay que hacerlo si uno ama esto si no podes ser electricista u otro oficio pero voy a dar mi forma de pensar sobre las cosas dar variantes al musico  inexperto o aspirante a ello podes formar una banda pero todos tienen que tirar para el mismo lado y con un objetivo en comun si no esto no sirve si no quedate a tocar en el garage para pasarla bien y listo hay que ser perfeccionista profesional obsesivo al limite para que tengas un producto visual como banda y musical lo mas impecable posible requiere esfuerzo pero podes autogestionarte siendo parte de una banda o no si sos parte de una banda que quiere tener una carrera tenes que encontrar los musicos adecuados que respeten horarios como los catolicos la misa dominical si no es asi es mejor ser solista por que eso genera perdida de tiempo al ser solista podes tener un home studio grabar difundir conseguir conciertos o tocar en lugares abiertos eso no te hace menos musico ni te hace ser un vago o el mitico tirado ya que tocar comprar los equipos preparar un repertorio requiere tiempo y esfuerzo a mi me reditua mas ser solista por que manejo todos los aspectos yo pero si gustas ser parte de una banda y tratar de ser profesional a por ello no hay una receta magica solo las ganas la pasion de hacerlo y dedicarse hay que salir de la habitacion y ponerse a tocar en bares plazas grabar videos como dije anteriormente ir a radios y el exito vendra cuando tenga que venir mientras tanto a disfrutar el viaje lo que si te digo es que seas feliz  haciendo esto y en esos momentos de bajon que queres dejar de tocar anda a ver bandas o musicos que sepan mas que vos y te iluminen con consejos de sus experiencias la vida es una asi que a hacerlo sin excusas el que quiere puede seas solista o parte de una banda exitos si decidis emprender este duro pero hermoso camino .  despues con el tiempo vendran los discos ahora solo enfocate en tocar estudiar y ser mejor musico que antes y ser profesional ante todo y constante Nohmada 06  espero que te haya servido desde ya muchas gracias 

gibson les paul

La Gibson Les Paul es un modelo de guitarra eléctrica y bajo de la marca Gibson Guitar Corporation. Fabricada desde 1952, la Gibson Les Paul es extensamente considerada, junto con la Fender Stratocaster, la guitarra eléctrica de cuerpo macizo más popular del mundo.123

Concebida inicialmente por Ted McCarty y el guitarrista Les Paul como una guitarra de altas prestaciones, fue producida a lo largo de la década de 1950 con progresivas variaciones hasta dejar de fabricarse en 1960 con ese nombre, en favor de la Gibson SG —básicamente una Les Paul con un «cutaway» o recorte adicional en el cuerpo de la guitarra—, para volver a su fabricación desde 1968 hasta la actualidad.

Se trata de una guitarra de cuerpo macizo, sin caja de resonancia. generalmente de caoba y con una tapa convexa de arce, cuyo acabado puede ser tanto en colores opacos como en otros traslúcidos que permiten ver las vetas de la madera. El mástil, encolado, lleva inserta un alma regulable y está rematado por un diapasón de 22 trastes, que suele ser de palo rosa. Incorpora dos fonocaptores o «pastillas» de bobinado doble o «humbuckers» y un puente Tune-o-matic sin palanca de vibrato, todos patentes de la propia fabricante del instrumento. Estas características generales se ven alteradas en algunos modelos, tanto por parte de Gibson como por algunos de sus usuarios.

Índice

Historia[editar]

Origen[editar]

La Gibson Les Paul debe su nombre al guitarrista Lester William Polfuss, conocido artísticamente como Les Paul. El instrumento fue resultado de su trabajo conjunto con el equipo del inventor y presidente de Gibson Guitar CorporationTed McCarty.4

Polfuss con una Gibson Les Paul, en 2008.

Les Paul, músico pionero en las técnicas experimentales de grabación, había construido ya en 1941 un extraño prototipo de guitarra eléctrica de cuerpo macizo conocido como «The Log» («El leño»).567​ Su intención era solucionar los problemas de acople y de duración de las notas, habituales en las guitarras de cuerpo hueco y provocados por su caja de resonancia.8​ Conseguido un permiso para utilizar los talleres de Epiphone, adosó las dos mitades del cuerpo de una guitarra de la marca a un tablón de madera de pino, sobre el que estaban montados el mástil, el puente, el cordal, y dos fonocaptores; el tablón procedía del poste de una cerca, el mástil pertenecía a una guitarra Gibson, los fonocaptores y circuitos se fabricaron a partir de las piezas de un teléfono y un reloj, y las dos mitades de la Epiphone se añadieron solo para que el instrumento resultara menos chocante.9101112​ El prototipo se considera de hecho como el primer modelo desarrollado a partir de la guitarra española —para entonces ya existían modelos basados en la guitarra hawaiana— y se conserva en el Museo y Salón de la Fama del Country en Nashville.1314

«El leño» sería utilizado por Les Paul tanto en sus actuaciones en directo como para sus grabaciones de estudio con otros artistas como Bing Crosby o The Andrew Sisters.15​ En 1946, Les Paul se puso en contacto con la firma Gibson —recién adquirida por Chicago Musical Instruments— y presentó su instrumento con la propuesta de fabricar una guitarra de cuerpo macizo. Maurice H. Berlin, entonces presidente de la compañía, rechazó con sorna la idea de Les Paul refiriéndose a su prototipo como «esa escoba».16917

En 1950, el lanzamiento al mercado de la Telecaster, primera guitarra eléctrica de cuerpo macizo, con enorme éxito, hizo que los responsables de Gibson cambiaran de idea y se plantearan responder a la competencia de Fender con un modelo de alta gama siguiendo la tradición de la firma, para lo que contactaron de nuevo con Les Paul en 1951.

Primeros modelos[editar]

Gibson Les Paul Custom de 1954.

El resultado fue la aparición de la Les Paul Standard Goldtop en la primavera de 1952, primera de las guitarras producidas por Gibson con la denominación «Les Paul».18​ El cuerpo de la guitarra estaba construido en caoba y rematado por una tapa convexa y maciza de arce, lo que le daba un aspecto similar al de los violines y a las tradicionales guitarras «arch top» popularizadas por Gibson, tal y como propuso Maurice Berlin, luthier de la firma, mientras que el acabado en oro que daba nombre al modelo se debe al propio Les Paul.2​ El mástil, encolado, incluía un almaregulable y marcadores incrustados en los trastes del diapasón.19​ Los dos fonocaptores eran los habituales «P-90» de bobinado simple o «single coil» fabricados por Gibson desde 1946.

Sin embargo, el diseño de este primer modelo, todavía muy bisoño, acumulaba muchos problemas que hacían de él un instrumento incómodo de tocar.1920​ Su autoría es muy discutida, ya que según el propio Ted McCarty, la aportación de Les Paul se limitó a la elección del color, a la forma trapezoidal del cordal, y a estampar su firma en el clavijero al objeto de incrementar las ventas.21322​ Pero estas resultaron muy inferiores a las de otros modelos de cuerpo semi macizo que ya comercializaba la firma, como la Gibson ES-150 —enfocada al blues— y la Les Paul Goldtop estuvo a punto de ser retirada del mercado.

El siguiente modelo, la Les Paul Custom, apareció a principios de 1954 cuando Les Paul, insatisfecho con el anterior, consiguió imponer sus mejoras. Se modificó el ángulo del mástil y se rebajaron los trastes; el cordal se sustituyó por otro cilíndrico; y se instaló un fonocaptor «Alnico» junto al mástil, en lugar de uno de los «P-90». El color negro, elegido por Les Paul para el acabado, le ha hecho ser conocida popularmente con el sobrenombre de «Black Beauty».223​ Durante ese mismo año, las Gibson Les Paul comenzaron a ser equipadas con el nuevo puente Tune-O-Matic.24

Dado que tanto la Goldtop como, especialmente, la Custom, eran dos modelos de muy alto coste, Gibson optó en los años inmediatamente siguientes por introducir una gama más económica de guitarras Les Paul destinada a los principiantes, con un acabado más sencillo y una electrónica menos sofisticada. Así, apareció la Les Paul Junior (1954)2526​ con tapa plana y un solo fonocaptor; la Les Paul TV (1954), cuyo nombre y acabado —natural, en color mostaza— fueron señaladas como una alusión explícita a su directa competidora, la Fender Telecaster;272​ y la Les Paul Special (1955), con el aspecto de la Les Paul TV pero equipada con dos fonocaptores.2819

A partir de 1958, todos estos modelos sufrirían un cambio destacado en su apariencia, como era el añadido de un segundo «cutaway», por encima del mástil, para favorecer el acceso a los trastes más altos; continuarían fabricándose hasta 1960, cuando finalmente el nuevo diseño daría lugar a un cambio de nombre en el modelo, abandonándose temporalmente la denominación «Les Paul».29

Les Paul Standard[editar]

Detalle de una Gibson Les Paul Standard Sunburst, con fonocaptor de bobinado doble o humbucker.

En 1958 apareció la Les Paul Standard.30​ Con ella se introdujo una modificación fundamental en el modelo, al incorporar los primeros fonocaptores de bobinado doble o «humbuckers», que reducen las interferencias y el ruido frecuentes en los fonocaptores «single coil». El ingeniero Seth Lover desarrolló el invento para Gibson en 1955, pero la patente no fue concedida hasta 1959, de modo que las primeras unidades se comercializaron con la inscripción «Patent Applied For», cuyas siglas (P.A.F.) han dado nombre a los fonocaptores del período 1958 a 1959, y por extensión a las guitarras Les Paul Standard que los incorporan —posteriormente, estos seguirían siendo fabricados por la propia Gibson bajo el nombre Burstbucker o suministrados por otras empresas especializadas—.31

Además, el grosor del mástil fue rebajado, y se adoptó el color «Cherry Sunburst» para el acabado del cuerpo; de ahí que se utilizara con frecuencia el nombre de Les Paul Standard Cherry o Les Paul Standard Cherry Sunburst para designar a esta guitarra, considerada como uno de los modelos más perfectos de entre las guitarras eléctricas de cuerpo macizo jamás fabricados.30

Como ocurre con todas las variantes de la Les Paul introducidas hasta entonces, la Les Paul Standard dejó de producirse en 1960 en favor de la nueva Gibson SG, de modo que el número de unidades producido en su primera etapa es muy reducido en comparación con las fabricadas a partir de 1968, y se han convertido, al margen de su calidad sonora, en piezas de coleccionista con carácter de inversión más que instrumentos musicales.2

En 1952 la leyenda de la guitarra Les Paul y Gibson Les Paul se unieron para producir la guitarra que fijan las normas para el sistema eléctrico dentro de un cuerpo sólido, les paul standard. Hasta la fecha la Les Paul Standard sigue siendo el estándar de la industria, ahora está disponible en diferentes colores con Desertburst, Honeyburst, Lightburst, Amber Trans, Vino tinto, y Cherry Sunburst. Características generales es más pequeño, el clavijero estilo vintage y de plástico con sintonizadores de "keystone".32

Abandono temporal de la producción: 1960-1968[editar]

Artículo principal: Gibson SG

Gibson SG con palanca de trémolo Vibrola y el característico doble «cutaway». Entre 1961 y 1963, y hasta que se agotaron las primeras existencias, el modelo siguió incluyendo el nombre de Les Paul en el clavijero, denominándose «Les Paul/SG».33

Las ventas de la Les Paul comenzaron a caer en 1960 debido a la competencia de marcas como Fender, en especial con su modelo Stratocaster, con un doble «cutaway» que permitía alcanzar los trastes más altos sin dificultad, disponía de una eficiente palanca de trémolo,34​ era mucho más ligera y además, mucho más barata. En respuesta, en 1961 Gibson modificó el modelo de la Les Paul reduciendo el grosor del cuerpo y añadiendo el «cutaway» superior, por encima del mástil. Además incorporó una palanca de trémolo Vibrola sobre el puente Tune-O-Matic. Estas modificaciones se hicieron sin el conocimiento de Les Paul, que cuando advirtió estos cambios, se negó a que el modelo llevara su nombre; oficialmente, por el problema de los derechos de autor en pleno proceso de su divorcio de Mary Ford, pero era evidente que no le gustó nada el nuevo diseño.35​ De modo que Gibson tuvo que retirar en 1963 la marca Les Paul del clavijero y sustituirla por la denominación simple SG, abreviatura de Solid Guitar o guitarra de cuerpo macizo. Éste sería el nuevo estándar de las guitarras eléctricas Gibson, hasta la reintroducción en el mercado de las Les Paul Standard, Les Paul Custom y otros modelos a partir de 1968, aunque la Gibson SG no dejó de fabricarse y continúa haciéndose en la actualidad.33

Existen numerosísimas series y variantes de la Les Paul. El modelo Studio, el Standard y el Custom son los más producidos. Existen también líneas "signature", auspiciadas por guitarristas populares. Por ejemplo Les Paul Boneyard Joe Perry Signature. El propio Les Paul en sus últimos años utilizaba una versión llamada Les Paul Recording, en la cual se incorporaban nuevas tecnologías junto con unas pastillas single coil que solo se ocuparon en esta versión de la guitarra.

Usuarios conocidos[editar]

Artículo principal: Anexo:Usuarios de la Gibson Les Paul

Diseño y sonido de la guitarra Les Paul[editar]

GibsonLesPaulStudio.jpg

El pesado cuerpo de la Les Paul está formado en la mayoría de los modelos por una base de dos piezas de caoba, que le dan un timbre cálido y denso, y una tapa de arce tallada, que aporta mayor definición al sonido. Otra particularidad es el mástil, que parece encolado en vez de ser atornillado como los modelos Fender. Éste es también de caoba, y puesto que se trata de una madera porosa y relativamente blanda, presenta un perfil cercano al de una guitarra española, mucho más grueso y cuadrado que el de una stratocaster, por ejemplo. Esto también hace que el mástil sea el punto débil de la guitarra: es muy difícil sustituir un mástil encolado, y la caoba puede romperse con más facilidad que el arce empleado en otros mástiles.

El sonido de la Gibson Les Paul es lleno y con predominio de las frecuencias medio-graves. Esto, junto a la mayor duración de la nota (sustain) que proporciona el conjunto de sus elementos (bending, debido a que su mástil es más corto que el de otras guitarras) la han hecho muy popular entre los guitarristas del rock clásico, y es una de las guitarras más vendidas desde la invención de la guitarra eléctrica. Los acordes suenan bien empastados, y las líneas melódicas presentan un carácter oscuro y cálido que señala la filiación original del modelo a un famoso músico de jazz.

Una desventaja es que los trastes más agudos son difíciles de alcanzar, en comparación con otras guitarras que tiene un recorte. Esto se debe a la anchura del cuerpo. Y otra diferencia también notable es el puente fijo, es lo que le da más "sustain" pero reduce la posibilidad de crear sonidos y efectos diferentes, a diferencia de una guitarra con un puente Floyd Rose. Aunque estas dos características han sido contrarrestadas con la Les Paul Axcess, que tiene un rebaje al final del mástil para llegar a los últimos trastes y un puente floyd rose, aparte de otras innovaciones.

Bajo Les Paul[editar]

El bajo Gibson Les Paul comezó a fabricarse en 1969, poco después del relanzamiento en 1968 de una nueva línea de guitarras Les Paul. Originalmente se trataba de un bajo "short scale" similar al EB0 y al EB3, de cuatro cuerdas y con mástil encolado. El primer modelo destacaba por su circuito de baja impedancia, pensado para lograr un mejor sonido en las grabaciones de estudio, esto hizo que fuera denominado como Les Paul Recording Bass. En 1971 apareció la versión con circuito de alta impedancia denominado Les Paul Triumph y más pensado para su uso en actuaciones en directo.

Al igual que las guitarras Les Paul de cuerpo macizo, tenía cuerpo y mástil de caoba. En 1973 se hizo la primera versión del bajo con cuerpo hueco, un bajo "long scale" (34 1/2") con dos cortes sobre el cuerpo. Aunque mantenía el nombre de Les Paul Bass tenía un diseño muy diferente al de los anteriores modelos.

En 1979 Gibson dejó de fabricar este modelo que no volvería a hacerse hasta mediados de los 90. Volvieron a fabricarse tanto las versiones de cuerpo sólido (liso o arqueado) como las de cuerpo hueco, y se añadió una versión de cinco cuerdas al catálogo. La primera remesa de la década de los 90 montaba pastillas bartolini y destacaba por no tener selector de pastillas. En 1997 se hizo el último rediseño, con un cuerpo de menor peso, tapa de arce, unas pastillas humbucker de alta ganancia y un selector de pastillas de tres posiciones.

En 2006 dejó de fabricarse y Gibson redujo su catálogo de bajos a las diversas versiones del Thunderbird.

En 2013 Gibson ha vuelto a lanzar una reedición de los bajos Les Paul Standard expuestos a la venta en 1997, a destacar entre los colores; Ebony, Trans Red, Heritage Cherryburst y Gold.

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reseña del gran steve vai

steve vai es un guitarrista virtuoso nacido en new york en 1960 que se puede decir de este prodigioso de las seis cuerdas es un musico tecnicamente prolijo toco con frank zapp a en su banda su principal influencia fue jimmy page como tambien aprendio de zappa tambien toco con david lee  roth solista en whitesnake disfruta una carrera en solitario desde 1984 con el album flexable desde ahi no paro mas gira por todo el mundo brindando clinicas conciertos es miembro estable de las giras g3 que realiza joe satriani recomiendo escucharlo ya que de el se puede aprender mucho y sacar partido tanto escuchando para disfrute personal o incorporar cosas de su forma de tocar a nuestro bagaje como guitarristas usa guitarras ibanez jem desde principios de los 90 fue alumno de joe satriani del cual disfruta de una gran amistad le ayudo a impulsar su carrera en solitario nombrandolo siempre en las revistas y tambien en compañias discograficas reemplazo a 

Yngwie Malmsteen en Alcatrazz cuando decidio hacer el sueco su carrera en solitario 

Muchas gracias por atendernos, es un placer enorme poder charlar contigo.Tras siete años de larga espera, ¿estás satisfecho con el resultado de este nuevo trabajo y, sobre todo, con la respuesta de la gente?

 

Estoy muy emocionado con esta respuesta. El disco estuvo en la lista de éxitos de cada país virtualmente. Es una primera vez en muchos años. La respuesta de los fans es algo conmovedora y parece que la prensa lo ha tratado de vender como mi mejor trabajo hasta ahora.

 

No has girado el pasado mes de octubre con G3, ¿Podemos entender que ha sido por el lanzamiento del nuevo disco y la preparación de la gira europea?

Sí. Quería hacer la gira de G3 en América del Sur, pero tenía una pequeña oportunidad para hacer una gira en solitario. Algo que no había hecho en 5 años.

mesker1

The Story of Light es un disco muy variado, con gran diversidad de sonidos, llegando incluso a coros Gospel, como en Book on Seven Seals, si me apuras. Muchos otros guitarristas están incorporando nuevos sonidos también a sus trabajos. Para vosotros como músicos, ¿qué supone salir del tema 100% guitarrero? ¿Qué te aporta?

Mis discos han sido siempre variados con la excepción de “Alien Love Secrets”. Utilicé varios medios necesarios para conseguir el sonido que tenía en mente y, a veces, eso quiere decir tener que utilizar una sección de vientos, una orquesta, un coro, etc. Nunca me he sentido limitado por las expectativas del género y creo que los fans lo han llegado a entender y apreciar, con la excepción de ese porcentaje de gente que sólo quiere que haga música instrumental de guitarra. La guitarra es mi sangre y siempre será mi voz dominante en mi música.

El disco empieza muy progresivo y ambiental, ¿por qué decidiste comenzar con un corte de este tipo, en vez de otros más movidos como suele ser lo habitual? ¿Crees que la gente entenderá el concepto o la idea, por el contrario, se extrañará e incluso asustará al comenzar a escuchar este nuevo trabajo?

 

Ordené el disco de acuerdo a mis instintos. En este momento de mi carrera mis fans han llegado a esperar lo inesperado y estoy muy a gusto comenzando el disco con una pieza estimulante. De alguna manera, pega. La canción de introducción, para mi, es bonita, etérea, dura, densa, musical y melódica. Sólo pensé que era una buena forma de presentar la experiencia del disco entero.

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Velorum personalmente es uno de los cortes que más me han impresionado, porque mezcla hasta ritmos casi de metal agresivo con estrofas melódicas e intimistas. Cuéntame un poco acerca de él

 

Me gusta tener varias selecciones de cada disco que sean impactantes, duras, pero ricas en composición y estimulantes. Velorum fue diseñado teniendo en cuenta estos parámetros. Me encanta que os guste. Parece ser uno de los favoritos de los fans.

Como pregunté antes me sorprendió Book on Seven Seals, ¿como surgió realizar una canción tan majestuosa a nivel de voces? ¿Te resulta fácil componer melodías para la voz al ser guitarrista? ¿El proceso para componer temas como este es muy distinto o es algo natural ya?

 

Muy natural. He escrito y sacado música cantada en casi todos mis discos. He compuesto música para coros y ese sonido me divierte mucho. “John the Revelator and The Book of the Seven Seals” era originalmente una pieza de música. Se tenía pensado que fuese un pequeño, pero enérgico viaje según el argumento. Casi una pieza en los éxitos de Broadway. Muy teatral. Me gusta el contraste del coro tipo góspel, con los “blancos” sonando simples, pero como un coro intrincado en The Book… Todo vino a mi como un flash febril y, entonces, me dispuse a crear lo que estaba oyendo en mi cabeza. Me supuso poco esfuerzo, si es que hubo alguno, desde el punto de vista de otra persona.

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No hay nadie mejor que tú que nos explique la historia que comenzaste en tu anterior “Real Illusions”, que explicas en este “Story of Light” y que tendrá la tercera parte… si ya está escrita o si tardará tanto en ser editada… Que nos puedes decir al respecto?

 

El objetivo es hacer un disco más, con el tiempo, que sea similar en perspectiva a “Real Illusions” y “The Story of Light”. Después el objetivo es coger estos tres discos y poner las canciones en el orden correcto, meter voz en muchas de las melodías, añadir otro disco de narrativa y poner música, para crear una cuadrilogía final, que sea más que una ópera, donde puedes seguir la historia desde el comienzo hasta el final de forma lineal.

Durante toda tu carrera has trabajado con músicos de muy alto nivel. De todos ellos, ¿Quien de ellos te ha dejado más huella?

Todos me han influenciado, pero Zappa fue el más profundo.

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Después de tantos años trabajando, ¿Qué sueños te quedan por cumplir?

En lo que estoy trabajando ahora y podría ser cualquier cosa.

Comenzaste en este mundo trabajando con Frank Zappa, sustituiste a Malmsteen en Alcatrazz, formaste parte de la banda de David Lee Roth y giraste con Whitesnake en la gira de “Slip of the Tongue” en el mismo momento que lanzabas “Passion and Warfare.¿Qué recuerdos tienes de aquellos tiempos?

 

Todos son buenos recuerdos, demasiados para hacer una lista, pero mi idea general es que todos formaron parte de mi pasado, yo trabajo en el presente y miro al futuro como una herramienta para la expresión de aquello en lo que estoy trabajando ahora.

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Actualmente estás inmerso en la gira de presentación de The Story of Light por toda Europa, que te llevará entre otros, a visitar España, con varias fechas ya no solo en Barcelona y Madrid, sino en ciudades más pequeñas. ¿Qué esperas de estos conciertos? ¿Qué destacarías del público español que te haya llamado la atención después de haber venido tantas veces ya?

 

Principalmente los fans españoles se apasionan más en los conciertos que otros. No sé por qué, pero siempre es un placer tocar en España.

En cuanto a los conciertos ya realizados por Europa, ¿qué tal es la aceptación, según lo que ves desde el escenario, del público ante los nuevos temas y tus clásicos de siempre?

 

La gente responde de manera distinta en un país con respecto a otro, pero parece que a todos les gusta el nuevo material. Canciones como “Weeping China Doll” y “Gravity Storm” son como un trance para mí. Velorum también pasa por eso.

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200px fender highway 1 stratocaster

La Fender Stratocaster, popularmente conocida como Strato en su abreviatura en español, Strat en inglés, es un modelo de guitarra eléctrica diseñado por Leo Fender en 1954, que se sigue fabricando en la actualidad. Desde su introducción, ha sido tal su éxito que la han imitado con mayor o menor fortuna diferentes marcas —en particular asiáticas—, algunas de las cuales comenzaron su andadura en el negocio comercializando estas copias. Incluso ciertos modelos se producen bajo la autorización de Fender, por ejemplo "Behringer"; pero la forma del clavijero de la guitarra sigue estando patentada, por lo que no se puede copiar. En las guitarras Squier Stratocaster el diseño es exacto ya que la marca pertenece a Fender.

Índice

Diseño y sonido[editar]

La Stratocaster es una guitarra de cuerpo macizo, obtenido a partir de una sola pieza de madera, aunque en la actualidad la mayoría se fabrica utilizando varias partes encoladas. El mástil va unido a él mediante atornillado, salvo en algunos modelos Custom en que se recurre al encolado o al mástil de la misma pieza que el cuerpo Neck-through.

Añade también una pastilla más en su construcción. El selector de pastillas de los modelos actuales cuenta, por lo general, con 5 posiciones diferenciadas, dos de las cuales activan a la vez dos pastillas de la guitarra, conectándolas en paralelo, aunque en los primeros modelos sólo disponía de 3 posiciones, una para cada pastilla. Esto fue así hasta que algunos músicos encontraron la posibilidad de disponer de dos nuevos sonidos "desfasados", situando el selector en las posiciones intermedias. Estas nuevas posibilidades de sonido junto con un diseño futurista para la época supusieron quizá el mayor reclamo de la Strat frente a la Telecaster. Por su parte, las dos posiciones intermedias (conexión en paralelo) le otorgan al sonido un cariz mucho más líquido y profundo, de menor percusividad.

El mayor de los atractivos de esta guitarra radica en su sonido. En las tres posiciones extremas del selector en la configuración estándar se activan una a una las pastillas (de bobinado simple), que dotan al instrumento con una gama de sonidos extensa y fructífera. Profundamente sensible al ataque de la púa, se considera el timbre de la Strat uno de los más característicos de la historia de la guitarra moderna.

Por eso la Stratocaster se considera una guitarra adecuada para multitud de estilos musicales, prácticamente camaleónica. Tiene sentimiento para el blues, "groove" para el funk, "punch" para el rock, textura para el jazz y agresividad para el heavy metal y el punk rock.

Su clásico rival en cuanto a ventas es la Gibson Les Paul, que tiene pastillas dobles (también llamadas humbuckers).1

Historia[editar]

La Fender Stratocaster fue concebida por Leo Fender como una evolución natural de un modelo anterior de guitarra, la Telecaster, también diseñada por él mismo y que aún se comercializa con mucho éxito. A partir de 1951 se embarcó formalmente en un proyecto para obtener un nuevo prototipo con mejores características.

Leo Fender se preocupó por saber la opinión de diversos guitarristas, y fue Bill Carson uno de los que más influyó con sus indicaciones en las características del nuevo instrumento.2

Una de las demandas más comunes remitían al cuerpo de la guitarra, que en la Telecaster consistía en una placa mal moldeada y que se adaptaba con dificultad al cuerpo del intérprete. Fender rediseñó entonces su silueta en algunos lugares estratégicos, de modo que su silueta fuera más cómoda. En particular, rebajó su parte superior trasera y la parte frontal inferior, zona esta última donde descansa el brazo del guitarrista. Añadió además al único corte o cut-away por debajo del mástil otro corte por encima de éste que permitía acceder mejor a las notas más altas.

Una de las novedades más importantes de la Stratocaster fue su brazo de trémolo. El sistema, ya desarrollado por Bigsby, permitía bajar las notas un tono mediante una palanca, cercana a la mano derecha, que reducía la tensión de las cuerdas. Una vez soltada la guitarra debía volver al tono original sin contratiempos, pero los sistemas de aquél entonces no eran en la práctica infalibles.2​ La Stratocaster incorporaba un modelo de palanca unida al puente que permitía, mediante un sistema de resortes, regresar a la posición original sin que resultara afectada la afinación.3​ El sistema corregía las deficiencias de las soluciones anteriores y se convirtió en la opción más extendida para añadir a la guitarra eléctrica una palanca con la que obtener efectos de vibrato, sólo superada en la década de los 80 por el puente Floyd Rose. Multitud de guitarristas han recurrido al brazo de trémolo de la Fender Stratocaster y popularizado su sonido, como, entre otros, Hank Marvin al frente The Shadows.

Tal y como ocurre con la Telecaster y otros modelos de Fender, es el clavijero, protegido por una patente exclusiva, uno de los elementos que más modificaciones ha sufrido a lo largo de la historia. De hecho su particular diseño sirve, junto con el estilo y la tipografía del logotipo que en él aparece, para "datar" el instrumento. Los modelos de los años cincuenta y primeros sesenta, de diseño estándar, dieron paso en 1968, tras la compra de la marca por la multinacional Columbia Broadcasting System (1965), a una pala más grande acompañada del conocido como "logo CBS" —característico por el diseño en negro con una tira dorada, no porque aparezcan las siglas de esa compañía— que sustituyó al tradicional logo de letra Spaghetti. A partir de 1995 volvieron a recuperarse los modelos originales.

Músicos que la utilizan[editar]

Eric Clapton con una Fender Stratocaster durante un concierto en Cardiff, 2005.

Fender Stratocaster 1961 de Rory Gallagher, durante la exposición Born to Rock en Harrod's, 2007.

Las guitarras utilizadas por músicos célebres suelen convertirse en cotizadas piezas de coleccionismo, y así ocurre también en el caso de la Fender Stratocaster. Entre las guitarras eléctricas por las que se han pagado los mayores precios en subasta, se cuentan las Stratocaster de Jimi Hendrix, (2 000 000 de dólares), Eric Clapton (Blackie, 959 500 dólares y Stevie Ray Vaughan(Lenny, 623 500 dólares).4​ Leonel Smith de Satelitte

No obstante, estos precios astronómicos son una excepción, y están reservados a modelos icónicos que han sido tocados por un determinado artista en un tiempo determinado (un disco, una gira, una banda particular, una época o incluso toda una trayectoria). Entre los músicos más destacados que han usado la Stratocaster como herramienta habitual de trabajo, al margen de los ya mencionados en el párrafo anterior, tenemos a Ritchie Blackmore, Mark Knopfler, Hank Marvin, John Mayer, Buddy Guy, David Gilmour, Jeff Beck, John Frusciante o Rory Gallagher.

Una lista más completa de los mismos podemos encontrarla aquí.

La Fender Stratocaster, popularmente conocida como Strato en su abreviatura en español, Strat en inglés, es un modelo de guitarra eléctrica diseñado por Leo Fender en 1954, que se sigue fabricando en la actualidad. Desde su introducción, ha sido tal su éxito que la han imitado con mayor o menor fortuna diferentes marcas —en particular asiáticas—, algunas de las cuales comenzaron su andadura en el negocio comercializando estas copias. Incluso ciertos modelos se producen bajo la autorización de Fender, por ejemplo "Behringer"; pero la forma del clavijero de la guitarra sigue estando patentada, por lo que no se puede copiar. En las guitarras Squier Stratocaster el diseño es exacto ya que la marca pertenece a Fender.

Índice

Diseño y sonido[editar]

La Stratocaster es una guitarra de cuerpo macizo, obtenido a partir de una sola pieza de madera, aunque en la actualidad la mayoría se fabrica utilizando varias partes encoladas. El mástil va unido a él mediante atornillado, salvo en algunos modelos Custom en que se recurre al encolado o al mástil de la misma pieza que el cuerpo Neck-through.

Añade también una pastilla más en su construcción. El selector de pastillas de los modelos actuales cuenta, por lo general, con 5 posiciones diferenciadas, dos de las cuales activan a la vez dos pastillas de la guitarra, conectándolas en paralelo, aunque en los primeros modelos sólo disponía de 3 posiciones, una para cada pastilla. Esto fue así hasta que algunos músicos encontraron la posibilidad de disponer de dos nuevos sonidos "desfasados", situando el selector en las posiciones intermedias. Estas nuevas posibilidades de sonido junto con un diseño futurista para la época supusieron quizá el mayor reclamo de la Strat frente a la Telecaster. Por su parte, las dos posiciones intermedias (conexión en paralelo) le otorgan al sonido un cariz mucho más líquido y profundo, de menor percusividad.

El mayor de los atractivos de esta guitarra radica en su sonido. En las tres posiciones extremas del selector en la configuración estándar se activan una a una las pastillas (de bobinado simple), que dotan al instrumento con una gama de sonidos extensa y fructífera. Profundamente sensible al ataque de la púa, se considera el timbre de la Strat uno de los más característicos de la historia de la guitarra moderna.

Por eso la Stratocaster se considera una guitarra adecuada para multitud de estilos musicales, prácticamente camaleónica. Tiene sentimiento para el blues, "groove" para el funk, "punch" para el rock, textura para el jazz y agresividad para el heavy metal y el punk rock.

Su clásico rival en cuanto a ventas es la Gibson Les Paul, que tiene pastillas dobles (también llamadas humbuckers).1

Historia[editar]

La Fender Stratocaster fue concebida por Leo Fender como una evolución natural de un modelo anterior de guitarra, la Telecaster, también diseñada por él mismo y que aún se comercializa con mucho éxito. A partir de 1951 se embarcó formalmente en un proyecto para obtener un nuevo prototipo con mejores características.

Leo Fender se preocupó por saber la opinión de diversos guitarristas, y fue Bill Carson uno de los que más influyó con sus indicaciones en las características del nuevo instrumento.2

Una de las demandas más comunes remitían al cuerpo de la guitarra, que en la Telecaster consistía en una placa mal moldeada y que se adaptaba con dificultad al cuerpo del intérprete. Fender rediseñó entonces su silueta en algunos lugares estratégicos, de modo que su silueta fuera más cómoda. En particular, rebajó su parte superior trasera y la parte frontal inferior, zona esta última donde descansa el brazo del guitarrista. Añadió además al único corte o cut-away por debajo del mástil otro corte por encima de éste que permitía acceder mejor a las notas más altas.

Una de las novedades más importantes de la Stratocaster fue su brazo de trémolo. El sistema, ya desarrollado por Bigsby, permitía bajar las notas un tono mediante una palanca, cercana a la mano derecha, que reducía la tensión de las cuerdas. Una vez soltada la guitarra debía volver al tono original sin contratiempos, pero los sistemas de aquél entonces no eran en la práctica infalibles.2​ La Stratocaster incorporaba un modelo de palanca unida al puente que permitía, mediante un sistema de resortes, regresar a la posición original sin que resultara afectada la afinación.3​ El sistema corregía las deficiencias de las soluciones anteriores y se convirtió en la opción más extendida para añadir a la guitarra eléctrica una palanca con la que obtener efectos de vibrato, sólo superada en la década de los 80 por el puente Floyd Rose. Multitud de guitarristas han recurrido al brazo de trémolo de la Fender Stratocaster y popularizado su sonido, como, entre otros, Hank Marvin al frente The Shadows.

Tal y como ocurre con la Telecaster y otros modelos de Fender, es el clavijero, protegido por una patente exclusiva, uno de los elementos que más modificaciones ha sufrido a lo largo de la historia. De hecho su particular diseño sirve, junto con el estilo y la tipografía del logotipo que en él aparece, para "datar" el instrumento. Los modelos de los años cincuenta y primeros sesenta, de diseño estándar, dieron paso en 1968, tras la compra de la marca por la multinacional Columbia Broadcasting System (1965), a una pala más grande acompañada del conocido como "logo CBS" —característico por el diseño en negro con una tira dorada, no porque aparezcan las siglas de esa compañía— que sustituyó al tradicional logo de letra Spaghetti. A partir de 1995 volvieron a recuperarse los modelos originales.

Músicos que la utilizan[editar]

Eric Clapton con una Fender Stratocaster durante un concierto en Cardiff, 2005.

Fender Stratocaster 1961 de Rory Gallagher, durante la exposición Born to Rock en Harrod's, 2007.

Las guitarras utilizadas por músicos célebres suelen convertirse en cotizadas piezas de coleccionismo, y así ocurre también en el caso de la Fender Stratocaster. Entre las guitarras eléctricas por las que se han pagado los mayores precios en subasta, se cuentan las Stratocaster de Jimi Hendrix, (2 000 000 de dólares), Eric Clapton (Blackie, 959 500 dólares y Stevie Ray Vaughan(Lenny, 623 500 dólares).4​ Leonel Smith de Satelitte

No obstante, estos precios astronómicos son una excepción, y están reservados a modelos icónicos que han sido tocados por un determinado artista en un tiempo determinado (un disco, una gira, una banda particular, una época o incluso toda una trayectoria). Entre los músicos más destacados que han usado la Stratocaster como herramienta habitual de trabajo, al margen de los ya mencionados en el párrafo anterior, tenemos a Ritchie Blackmore, Mark Knopfler, Hank Marvin, John Mayer, Buddy Guy, David Gilmour, Jeff Beck, John Frusciante o Rory Gallagher.